Tableau Modèrne de G. Federici Paysage de Montagne Huile sur Toile - Paysage de Montagne

Scène Galante

Huile sur toile. Signé en bas et en haut à gauche. La scène se déroule dans une riche salle noble, où se divertissent dames et chevaliers en robes du XVIIIe siècle. C'est l'œuvre du prolifique peintre napolitain Salvatore Balsamo, décédé très jeune. Il est présenté dans un décor du milieu du XXe siècle.

Allegorie

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand tableau présente deux personnages : à droite un homme assis à une table, vêtu d'une veste de smoking rouge, à l'expression triste et concentrée, joue avec ses mains avec des fleurs en ruine, provenant de la composition dans sa tête ; à gauche debout le Christ de la Passion, couronné d'épines, avec un manteau gris sur les épaules. Derrière l'homme assis, un ciel plombé dans lequel s'ouvre pourtant une lueur de lumière. Le tableau vise probablement de manière allégorique à représenter la fin douloureuse et douloureuse de la vie d'une personne qui vit la même passion que le Christ, mais qui aspire à une vie nouvelle et lumineuse. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Trois Buveurs et Ange 1942

Technique mixte à bord. Signé en bas à droite. Au dos, autre signature, titre et date. Beppe Porcheddu, important illustrateur et céramiste italien, était également peintre. Dans son parcours artistique évolutif "il semblerait que l'artiste ait versé "l'illustrateur" dans le peintre et vice versa "le peintre a prévalu dans l'illustration". Dès sa première production, parallèlement à son aptitude pour le grotesque, Porcheddu a montré une inclination naturelle pour ce qui a été défini comme un « trio parfait de symboles d'un monde (le médiéval) qui s'exprimait à travers des métaphores comme aucune autre civilisation antérieure ». Dans ce panneau, cette tendance au grotesque s'exprime bien dans les figures des trois buveurs, présentées avec des traits bruts, des lignes claires et des angles marqués, tandis que la figure de l'ange apparaît évanescente, floue, encadrée dans l'unique lumière qui vient de la porte ouverte.

Peinture à l'huile sur toile. En bas à gauche se trouve une signature non identifiée. Grande composition de fleurs panachées, placées en extérieur sur un sol nu et désert. Les couleurs des fleurs sont appliquées avec une certaine cohérence matérielle, les faisant ressortir et émerger du fond presque monochromatique. Le tableau présente quelques éclaboussures de saleté dans le coin inférieur gauche. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Cabanes de montagne

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Mario Moretti Foggia a vécu et travaillé jusqu'à sa mort à Macugnaga, le village de montagne de la vallée d'Ossola qu'il a souvent représenté dans ses œuvres, laissant souvent entrevoir des refuges de montagne dans les vallées, comme dans cette œuvre. Formé à l'école de Tallone, Moretti Foggia était principalement un peintre de paysages, offrant des vues réalistes caractérisées par une palette de couleurs très lumineuses et texturées. L'œuvre est présentée dans un cadre élégant.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

Paysage avec Soleil

Fresque sur toile. Signé en bas à droite. Autre signature et technique au dos. Située dans le naturalisme informel émilien, la peinture de Bruno Saetti se distingue par un amour significatif pour la matière picturale, riche et consistante, pâteuse et fermentante, mais aussi ouverte aux modulations de vibration lumineuse. Sa série de "fresques"avec le Soleil comme sujet dominant est riche, comme dans cette œuvre, qui présente un grand soleil éclatant brillant sur un fond rouge brique, au-dessus d'un paysage indéfini, où seule une basilique est reconnaissable en haut à droite. . Si l'origine émilienne de Saetti est évidente dans les tons chauds des briques rouges et dans le goût très particulier du matériau (la fresque préférée), en revanche la contamination vénitienne est reconnaissable (Saetti a vécu longtemps à Venise) dans son s'attarder sur la couleur, sur ses vibrations lumineuses, sur la sensation d'émerveillement étonné de l'espace. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Figures Féminines

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. La production artistique de Mino Maccari est principalement axée sur la satire sociale et politique, exprimée surtout par le dessin ; cependant, il ne s'est jamais posé en juge des coutumes italiennes, mais plutôt en chroniqueur amusant et divertissant des vices et des faiblesses de la société. Dans sa production picturale, s'il ne s'éloigne pas trop des thèmes de ses dessins, il en accentue davantage l'aspect fantastique : avec des coups de pinceau rapides et décisifs et des couleurs vives, souvent violentes, il caractérise des figures presque irréelles ou plutôt caricaturales. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et formé à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Regardant les compositions des XVIIe-XVIIIe siècles, le tableau propose une composition de fleurs panachées et colorées, qui surmontent une sculpture de trois faunes et une citrouille coupée. Il est présenté dans un cadre contemporain.