Peinture d'Oscar Casali - Alpage avec vaches

Paysage de Montagne avec Lac, 1863

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Le noble peintre prussien Stanislas Eduard von Kalckreuth s'est distingué par la réalisation de paysages de montagne, en particulier de vues incluant les petits plans d'eau sur les sommets des montagnes. Cette œuvre a déjà été vendue aux enchères publiques à Munich. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre d'époque.

Mozart et Aloysia Weber 1885

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Au dos se trouve un cartouche vintage avec le titre "Mozart et Aloysia, son premier amour". Aloysia Weber (1760 -1839), soprano allemande bien connue, fut dans sa jeunesse une élève de Mozart (1756 -1791) qui était légèrement plus âgé qu'elle et, selon les rumeurs, le compositeur serait tombé amoureux d'elle mais sans l'être. réciproque. Mozart composa une série d'airs pour la jeune femme qu'il aimait entre 1778 et 1788 (le nom de Mozart apparaît sur la partition placée sur l'épinette), mais il ne reçut jamais de réciprocité et épousa par la suite Constance, la sœur cadette d'Aloysia. Le tableau montre donc un moment de la leçon de chant, avec Mozart assis à l'épinette corrigeant la jeune fille debout avec la partition à la main ; selon les bonnes pratiques, la mère est présente dans la salle et supervise le cours pendant qu'elle coud. Le tableau a été proposé aux enchères Dorotheum à Salzbourg en 2007. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre doré du début des années 1900. La peinture

Intérieur d'une Écurie, 1889

Huile sur panneau dur. Signé et daté 30-11-1889 en bas à gauche. Delleani, qui peignait initialement principalement des sujets historiques, s'est progressivement rapproché de la peinture de paysages "en plein air", en particulier des lieux de ses origines, les vallées piémontaises, caractérisant ses vues par des vibrations chromatiques et une luminosité chaleureuse. Cependant, au cours des dernières décennies de sa vie, il s'est également laissé impliquer dans le courant orientaliste, mais il est ensuite revenu à ses vues de paysages, créant surtout des panneaux riches en couleurs chaudes et en atmosphères suggestives. Plus rare mais tout aussi évocatrice est sa production d'intérieurs, comme celui d'une écurie, où les personnages animés, les moutons, apparaissent comme des taches de couleur presque indistinctes au sein d'un environnement entièrement joué sur les effets lumineux d'une seule gamme chromatique. Restauré et protégé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Signé J. M de Medeiros

Huile sur toile. Dans la marge droite figure une dédicace en portugais "Ill'.... Offerece Agradecide (avec gratitude)", avec la signature de J.M. De Medeiros et la date de 1875. L'œuvre peut être attribuée au peintre brésilien De Medeiros, dont on sait seulement qu'il a enseigné à l'Académie des beaux-arts de Rio de Janeiro en 1885. L'œuvre représente le portrait d'un homme âgé, à la barbe fournie, au regard sérieux fixé sur un objet lointain, vêtu d'une tunique et d'un pallium, évoquant ainsi la figure d'un penseur ou d'un philosophe de l'Antiquité. L'œuvre est ornée d'écussons au dos. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Il s'agit de trois petits tableaux proposant des aperçus de paysage, réalisés dans le style naturaliste typique de Lorenzo Gignous : les deux latéraux, mesurant 24 x 30 cm, proposent le sujet le plus récurrent dans la production de l'artiste lombard, à savoir des aperçus du lac Majeur, animés par la pêche bateaux; au centre un paysage plus petit (18 x 25 cm) avec un groupe d'arbres dans la campagne. Les trois petits tableaux sont présentés dans un seul cadre contemporain.

Peintures sous verre, sur une surface de verre convexe. Les deux tableaux ovales offrent des paysages animés par des figurines de personnes avides d'activités diverses : dans l'un le décor est à la montagne, avec de petits chalets en contrebas au bord du ruisseau et sous des pitons rocheux ; dans l'autre au lieu de la nuit, une rivière placide coule près des rives boisées, illuminée par la pleine lune. Les tableaux sont présentés dans des cadres dorés contemporains, à restaurer pour cause de carences.

La confrontation

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française du XIXème siècle. Dans la scène savoureuse, un épisode satirique lié à la Révolution française est présenté : sur un carrosse qui porte sur la portière les trois fleurs de lys de France avec les initiales LR, en référence à la dynastie royale (Louis roi ?), certains semblent vouloir partir précipitamment, tandis qu';un aubergiste tenant l'addition tente de se faire payer, pourtant retenu par un gardien. En haut à gauche, l'enseigne de la taverne indique ";L'agneau a moderé", ou "L'agneau s'est modéré", expression ironique signifiant que jusqu';alors il était toléré (le régime) grâce au sacrifice de quelqu'un, mais le le moment du jugement est maintenant venu. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Composé de feuilles gravées sur bois, cousues ensemble et partiellement colorées, avec des chiffres et des textes assortis. Le groupe se compose de 23 fascicules, dont deux en trois exemplaires et un en quatre exemplaires ; un autre couple a la même couverture mais un contenu différent. Les livrets peuvent être considérés comme des « mangas » du XIXe siècle : le mot « manga » peut encore aujourd'hui désigner de nombreuses productions différentes, telles que des dessins animés uniques, des dessins épars, des illustrations plus élaborées, des bandes dessinées, des bandes dessinées, ainsi que des dessins animés. . Ainsi, partant du postulat qu'il n'y a pas de "forme manga" mais différentes manières de concevoir des objets et des formes graphiques tous dénommés par ce mot, le terme manga peut être attesté dans l'usage littéraire et essayiste au Japon dès le XVIIIe siècle pour désigner , comme mentionné ci-dessus, des dessins et des croquis. Mais c'est à partir de la première moitié du XIXe siècle que les 15 volumes d'illustrations, d'études, de divertissements graphiques et d'estampes bichromatiques détaillées de Katsushika Hokusai se sont imposés, grâce à la publication progressive, à partir de 1814. Si, d'autre part, nous voulons donner au mot le sens plus spécifique de "récits dessinés en séquence", alors le début doit être placé dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'instar de ce qui s'est passé en Europe et aux États-Unis. pour les bandes dessinées. Les livrets sont en bon état.

Vase, fouilles romaines, 1860

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Sur le cadre il y a un cachet d'une importante collection privée. L'œuvre propose une composition d'une amphore et d'une assiette en céramique peinte, entourées à droite de roses. Peintre et décorateur milanais, Luigi Scrosati fréquente d'abord l'Académie de Brera, qu'il abandonne bientôt pour se consacrer à de nombreux voyages à l'étranger, notamment à Paris. Dès le début de son activité, dans les années 1940, il travaille comme peintre de natures mortes fortement influencé par des exemples français, notamment de l'école lyonnaise. Parallèlement à la production de chevalets et d'aquarelles, dominée par la spécialisation de la nature morte de fleurs, Scrosati était très actif en tant que décorateur d'intérieur, souvent engagé dans un travail d'équipe aux côtés d'architectes et de maîtres d'œuvre, mais toujours avec une autonomie considérable et un style caractéristique , essentiellement éclectique et visant à une réinterprétation des styles du passé. Les débuts dans ce domaine, vers la fin de 1842, consistent en un cycle de fresques dans la résidence de San Fiorano (LO) appartenant à Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, pour lequel Scrosati a décoré une salle gothique, un salon rococo et une petite entrée compartiment. Ses fresques se retrouvent dans de nombreuses villas de Milan et des environs, des œuvres dans lesquelles Scrosati se réfère aux styles du passé, re-proposant des suggestions du XVIIIe siècle, mais aussi du baroque. Les décorations du cabinet de Dante d'abord, puis d'autres pièces du Palazzo Poldi Pezzoli de Milan (qui abrite aujourd'hui le musée du même nom) étaient plutôt de goût néo-médiéval, réalisées avec l'équipe Bertini dont faisait partie Scorsati. La maladie qui frappa Scrosati aux membres inférieurs en 1857, le rendant malade, l'empêcha probablement de poursuivre son activité de décorateur, l'obligeant à se rabattre sur la peinture florale de chevalet, ce qui l'amena à réaliser des natures mortes de fleurs, mais aussi des portraits. ou des faux bas-reliefs avec des guirlandes de fleurs ou encore des intérieurs et des scènes de genre, dans lesquels il a été influencé par la production allemande et viennoise de type Biedermeier et celle française de l'école lyonnaise. En 1862, Scrosati est chargé de diriger un nouveau cours Ornato à l'Académie de Brera, avec une référence particulière à la peinture de fleurs et aux relations avec l'industrie, un cours mis en place par l'institution Braidense pour développer l'école déjà florissante de peinture ornementale. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Peinture à l'huile sur toile. L'enfant, futur roi Charles II d'Espagne (1661 -1700), est représenté ici encore comme archiduc, donc avant l'âge de quatre ans, âge auquel, à la mort de son père, il devint roi, mais avec la régence de sa mère Marianna d'Autriche. L'enfant porte l'Ordre de la Toison d'Or autour du cou et tient un sceptre à la main. Le portrait, restauré et rentoilé, est présenté dans un précieux cadre caisson du XVIIème siècle (valeur estimée à 1100 € seul), en bois sculpté et doré (légers manques à la dorure).

Peinture à l'huile sur toile. Grande scène de la Nativité, qui se développe sur deux lignes croisées : une dimension verticale centrée sur la structure architecturale en briques et paille, l'écurie qui abritait la famille de Nazareth, sur laquelle planent les anges annonçant la gloire divine ; dimension horizontale dans la moitié inférieure, composée d'une multitude de figures : au centre la Sainte Famille, des deux côtés les bergers qui vont honorer l'Enfant, apportant leurs dons simples dans la nature. De goût simple et populaire, la scène est placée sur un fond mal défini. Le tableau a été restauré et rentoilé, mais présente encore d'importantes pertes de couleur. Dans le cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIème siècle. Selon la tradition iconographique, Madeleine est représentée légèrement vêtue, avec ses longs cheveux détachés, alors qu'elle contemple avec extase le Crucifix qu'elle tient ici dans ses bras, avec une attitude amoureuse. Devant elle, posés sur une surface, trois de ses symboles iconographiques : le livre de méditation, le crâne, Memento mori par excellence, et le pot contenant le précieux onguent avec lequel la femme, selon le récit évangélique, oignait les pieds de Jésus, anticipation à la fois de la mort de Jésus et de son rôle royal. La figure est placée sur un fond sombre et sans contour, d'où elle émerge avec la couleur claire de son teint et le rouge du tissu qui entoure ses reins. Le tableau est sur la première toile ; a un petit patch. Il est présenté dans un cadre élégant.