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Preuve

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900 € 18000 € Appliquer

dimensioni opera


31 cm 226 cm

24 cm 179 cm

1 cm 77 cm
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Section Selected Art : le meilleur de notre catalogue de peintures, sculptures et oeuvres d'art.

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003
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ARTCON0000756

10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

Technique mixte sur toile. Armand Fernandez, alias Arman, est né à Nice en 1928. On le considère comme l'un des représentants les plus significatifs et les plus influents du mouvement artistique "Nouveau Réalisme", la déclinaison européenne du New Dada américain. Le Nouveau Réalisme s'est développé dans les années 1960 en France autour de la figure du critique Pierre Restany. C'est un moyen de créer un art anti-conventionnel, qui reprend de nombreux aspects de l'avant-garde du début du siècle, tels que la relégation de la peinture et de la sculpture aux techniques du second ordre. D'autre part, une valeur artistique est donnée aux objets du quotidien appartenant à la sphère du quotidien, présentés dans des œuvres exactement dans leur objectivité, sans l'action décontextualisante qui caractérisait le ready-made de Duchamp. L'après-guerre, marqué par des changements radicaux du point de vue social et économique, est représenté de manière provocante et critique par les représentants du Nouveau Réalisme à travers ses produits: objets en surabondance, déchets, déchets inconfortables, etc. Chaque artiste décline cette philosophie de manière personnelle et originale. Arman est connu pour ses accumulations à la limite de l'obsessionnel. Son travail commence dans la rue, où il collecte ce qui est jeté, oublié. Objets inutilisés, ce qui est considéré comme de la ferraille devient le protagoniste de ses "sculptures", amenant le public à réfléchir aux implications de la société de consommation. L'œuvre en question est une composition ironique intitulée 10 000 Cendrillons, ou 10 000 Cinderellas. Il est composé de six paires de chaussures de designer Prada coupées en deux, montées sur toile et recouvertes de peinture. Le travail est conceptuel et son interprétation est liée à la compréhension de la philosophie de l'artiste et de la période historique dans laquelle il a travaillé. Il représente une vision personnelle et critique, allégée par le titre moqueur du consumérisme rampant. Arman exploite la "profanation" d'un objet, la chaussure Prada, considérée comme un simulacre dans le monde de la mode, un objet de désir. Avec son travail, il montre qu’en fin de compte, une chaussure signée à laquelle nous attribuons la valeur de symbole de statut n’est rien de plus qu’une chaussure et enfin un simple objet qui, comme tout autre, deviendra un déchet. L'œuvre provient de l'atelier de l'artiste à New York et est authentifiée par courrier électronique de la Fondation A.R.M.A.N. qui montre le numéro d'archive. La Fondation A.R.M.AN. est actuellement la seule institution ayant le droit de délivrer des certifications pour les œuvres d’Arman. Une photographie de l'œuvre signée par l'artiste indiquant le numéro de l'archive, le titre, les dimensions et la technique est également jointe. Au verso de la photo se trouve le cachet de la galerie d'art Dante Vecchiato qui, au début des années 2000, était le point de référence pour la distribution des œuvres d'Arman en Italie.

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Allégorie de l'amour
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ARARPI0097148

Allégorie de l'amour

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Allégorie de l'amour

Peinture à l'huile sur toile. École nord-européenne. C'est une drôle de scène allégorique d'amour profane, qui vise à démontrer comment toutes les personnes, de toute classe sociale et de tous âges, peuvent tomber dans le piège de tomber amoureux. Le fond de la toile est occupé par un énorme filet de garde, le filet de panier utilisé dans certains types de pêche, au-dessus de l'embouchure duquel se trouve un putto violoniste, déterminé à jouer; le piège est bondé de couples, tandis qu'un défilé d'autres le dépasse pour atteindre son entrée. Parmi eux se trouvent des couples de personnes âgées et de jeunes, des couples de riches et de pauvres, des nobles, des bourgeois et des prolétaires: tous ont des expressions joyeuses et légères, se regardent avec amour ou regardent avec bienveillance le bonheur des autres. À l'intérieur du pot, il y a même un couple de membres de la famille royale, qui correspondent en traits et en vêtements à l'électeur palatin de Rhénanie, Giovanni Guglielmo du Palatinat-Neuburg et à sa deuxième épouse Anna Maria Luisa de'Medici. Au dos du tableau se trouve une étiquette portant une attribution historique à Jan Frans Douven (1656-1727): l'artiste hollandais qui à partir de 1682 s'installe à Düsseldorf en tant que peintre officiel à la cour de l'électeur palatin de Rhénanie, créant principalement des scènes de la vie quotidienne du prince et de sa seconde épouse. L'étiquette confirmerait donc la zone d'attribution à un artiste du XVIIe-XVIIIe siècle du nord de l'Europe. La peinture provient d'une collection historique milanaise. Il a des traces de restaurations et un patch. Dans un cadre élégant.

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Quatre portraits du roi Condottieri
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ARARPI0100957

Quatre portraits du roi Condottieri

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Quatre portraits du roi Condottieri

Détrempe à l'huile sur toile. Ecole du nord de l'Italie. On pense que les quatre grandes œuvres faisaient partie de l'appareil décoratif d'un grand palais. La technique utilisée - une détrempe grasse appliquée sur toile avec une préparation très légère et une hachure rapide sans références précises des figures - souligne la rapidité d'exécution, visant à obtenir des œuvres à des fins purement décoratives en peu de temps. Les quatre grands portraits montrent des figures de rois, reconnaissables à différents attributs royaux (couronnes, sceptres, manteaux royaux), mais représentés comme des chefs, donc avec des armures et/ou des armes. La particularité est que les personnages appartiennent à des époques et des origines géographiques différentes, comme pour rendre hommage aux grandes figures royales de l'histoire. L'identification des personnages n'est pas certaine, même s'il est possible d'émettre l'hypothèse de quelques noms : le roi à la couronne de pauvre métal mais aux cuspides très pointues, qui tient une épée à poignée en forme de tête d'oiseau et recouverte de un manteau de drap grossier et une simple cuirasse d'où jaillissent des éléments de fourrure, pourraient être Attila, le roi des Huns ; la figure orientale, au turban orné de pierres précieuses, pourrait être un sultan ottoman, comme Soliman ; le guerrier à l'armure caractéristique de la Grèce antique, au casque surmonté d'un dragon et à la cuirasse richement décorée de frises, pourrait être Alexandre le Grand ; enfin, le jeune roi en armure de plaque et avec un sacré casque « chapeau d'armes », en raison de ses caractéristiques physionomiques, a pu être identifié dans Pierre Ier le Grand, tsar de la Russie (1672-1725), ici , dans un jeune portrait. Les quatre tableaux, toujours sur la première toile, présentent des traces de restaurations et d'ajouts, avec quelques petites taches au dos. Ils proviennent d'une collection bolognaise historique. Ils sont présentés dans des cadres stylisés.

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Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600
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ARARPI0094514

Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600

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Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600

Huile sur toile. École du nord de l'Italie. Insérée dans un paysage de la fin de la Renaissance, la composition des figures est disposée selon une diagonale ascendante à gauche et culminant plus précisément avec les trois croix du Calvaire au loin; au centre se trouve le corps du Christ, allongé mais aussi obliquement, derrière lequel trois personnages, Saint-Jean, Marie au centre et une femme pieuse, la seule représentée dans des vêtements du XVIIe siècle, représentant probablement une personne proche des commanditaires. L'œuvre peut être placé dans la production culturelle lombarde-vénitienne de la première moitié du XVIe siècle, plus précisément dans l'activité picturale qui a prospérée entre Brescia, Garda et Vérone, qui eut une expression maximale dans les manières maniéristes de Giovanni Demio (1500- vers 1570). En particulier, certains éléments se retrouvent dans l'œuvre, surtout dans les formes des vêtements et des poses (par exemple de Saint-Jean), qui font référence à des modèles de moule "raphaélesque" largement utilisés, par la médiation de graveurs tels que Marcantonio Raimondi (1480 - vers 1534), qui a contribué à la diffusion des œuvres des maîtres. Le tableau, restauré et remis en toile, a subi des importantes rénovations. Il est présenté dans un cadre ancien, datant du XVIIe siècle environ, repeint.

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Portrait d'Eleonora Lampugnani
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ARARPI0097145

Portrait d'Eleonora Lampugnani

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Portrait d'Eleonora Lampugnani

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. La riche dame représentée est accompagnée de l'inscription d'identification en haut à droite qui lit "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": il s'agit donc d'Eleonora Lampugnani, épouse de Bartolomeo Del Corno. La famille Lampugnani est une ancienne famille patricienne de Milan (le nom dérive du quartier Lampugnano), avec des résidences à Legnano et Busto Arsizio, et à laquelle Filippo Maria Visconti (duc de Milan) assigna le fief de Trecate au XVe siècle; le mari de la noble appartenait plutôt à la noble famille piémontaise Corno (à l'origine appelée Del Corno). La noble est représentée debout, dans une robe splendide richement brodée et ornée de dentelles; il repose sa main sur un précieux coffret incrusté d'ivoire, probablement un meuble à monnaie, symbole de richesse et de puissance, surmonté d'un vase à fleurs, plutôt symbole de vanité. La peinture a une restauration ancienne sur les mains, qui sont de qualité inférieure à celle du visage, des vêtements, du bocal en verre. Le tableau provient d'une ancienne collection lombarde. La date 1478 rapportée avec l'inscription, n'est pas très conforme aux vêtements du XVIe siècle: selon l'histoire de la famille d'origine du tableau, la date qui apparaissait avant la dernière restauration était 1578, et donc ce serait un changement par erreur du restaurateur.

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Luigi Cavenaghi
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ARARNO0095611

Luigi Cavenaghi

Madone en prière

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Luigi Cavenaghi

Madone en prière

Huile sur carton. Au dos, l'indication manuscrite "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Il est probablement une esquisse préparatoire pour une fresque par le célèbre restaurateur et peintre Luigi Cavenaghi: la prière Madonna est inséré dans un arc pointu, sur un fond d'or, flanqué de l'inscription latine « Ave Maria, gratia .. », incomplète parce que vague. Luigi Cavenaghi, originaire du Caravage (Bg), a suivi une formation artistique à Milan, d'abord comme restaurateur, puis comme peintre. Considéré comme l'un des restaurateurs les plus importants de la peinture italienne, il a participé au cours de sa longue et fructueuse carrière à la récupération d'importantes peintures murales, souvent associées à des «découvertes». Le point culminant, à la fois d'un point de vue technique et conceptuel, a été la restauration de la Cène de Léonard de Vinci à S. Maria delle Grazie à Milan, réalisée en 1908 sans compensation en hommage à Léonard. Sa production picturale était en grande partie liée à l'activité de restaurateur, se configurant non pas tant comme une création originale, mais plutôt comme une reconstruction dans le style, une restauration imaginative, un croisement entre restauration et refonte. Le tableau proposé ici pourrait faire partie de cette production. Les cadres de la fin du 19e-début du 20e siècle sont présentés.

Réservé

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Xavier Bueno
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ARARCO0093033

Xavier Bueno

Garçon, 1966

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Xavier Bueno

Garçon, 1966

Huile sur carton entoilé. Signé en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Après son enfance passée en Espagne, son pays natal, Genève et Paris, en 1940 Xavier Bueno déplacé en Italie, à Fiesole, où il a rejoint le groupe des « Peintres modernes de la réalité » avec son frère Antonio, Pietro Annigoni et Gregorio Sciltian., dont le manifeste proposait une observation "objective" de la vérité, de la nature et de sa fidèle reproduction possible. L'expérience de la guerre civile espagnole d'abord puis italienne oriente de plus en plus l'artiste vers un réalisme lié à des raisons de fort contenu social. L'année 1953 marque un tournant important dans la carrière de Xavier : c'est l'année de son adhésion explicite à la poétique du réalisme socialiste, adhésion qui fait suite à un itinéraire personnel qui le voit pratiquer la peinture « engagée » depuis l'avant-guerre, avec une claire avance sur l' art de la gauche italienne. Autre étape fondamentale de la carrière de Xavier, le voyage au Brésil en 1954 : l'artiste revient de cette expérience plein d'enthousiasme et avec une série d'encres dont les principaux protagonistes sont des enfants, des adolescents, des ouvriers. A partir de ce moment, le thème de l'enfance devient de plus en plus récurrent, peu à peu les personnages sont figurés immobiles, dans une sorte de brouillard irréel, sans même profondeur, de rigueur perspective, dans lequel ils émergent comme évoqués. L'œuvre présentée ici appartient à cette production. Entre 1959 et 1964 Xavier crée le cycle des « Enfants », images souffrantes et œuvres symboliques mélancoliques d'une humanité humiliée et opprimée, que l'artiste présente à l'exposition « España libre ». Sa technique connaît également une évolution, qui l'amène à rechercher un épaississement de la matière, épaissie par l'ajout de sable à la peinture ; l'utilisation du collage, déjà expérimentée par lui dans les natures mortes, s'est également imposée dans le domaine du portrait figuratif. La matière de ses peintures est devenue telle qu'elle en est venue à les définir « fresque sur toile ». Oeuvre présentée dans un cadre.

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S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate
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ARARPI0057281

S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate

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S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate

Peinture à l'huile sur toile. Ecole lombarde. Le tableau représente au premier plan à gauche, à l'ombre des feuillus, les deux saints assis sur des rochers, partageant un pain ; Saint Paul vêtu traditionnellement de peaux de bêtes, Saint Antoine l'abbé avec l'habit de l'ordre et le livre de prières à la main. Les deux saints ont souvent été représentés ensemble car ils ont de nombreux traits communs : tous deux ont vécu au IIIe siècle, tous deux égyptiens, très jeunes ont quitté tous leurs biens pour se consacrer à une vie de complète solitude, vivant dans la prière et la pauvreté. Sant'Antonio Abate était l'un des ermites les plus célèbres de l'histoire de l'Église. Saint Paul l'Ermite a également vécu toute sa vie dans le désert dans une solitude totale, selon le récit hagiographique, nourri uniquement du pain qu'un corbeau lui apportait régulièrement. À l'approche de sa mort, il reçut la visite de Sant'Antonio Abate, avec qui il partagea ce pain. Dans cette représentation, le contexte paysager ne fait pas référence aux terres désertiques d'Égypte, mais plutôt à celles-ci se situant dans un paysage nordique et alpin. A droite un paysage ermite, bien que verdoyant et avec un petit ruisseau en bas à droite. La peinture, déjà restaurée et regarnisée, présente un frisage très évident. Il est présenté dans un cadre élégant.

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