Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule der Mitte des 18. Jahrhunderts. Das Gemälde schlägt den griechischen Mythos der Opferung von Iphigenie vor, der Tochter von König Agamemnon, dem Anführer der achäischen Expedition, die nach Troja aufbrechen sollte. Da die griechische Flotte wegen ungünstiger Winde nicht in See stechen konnte, prophezeite der Wahrsager Calcante, dass sie sich aufgrund eines Vergehens, das der König der Göttin Artemis zugefügt hatte, nun gegen ihre Abreise wehren würde, bis der König seine kleine Tochter nicht opferte auf dem Altar. Iphigenie nahm mutig das Opfer an und bestieg spontan den Altar, aber im letzten Moment tauschte Artemis sie aus Mitleid gegen ein Reh und nahm das Mädchen lebend mit nach Tauris, wo sie eine Priesterin der Göttin wurde, die sie gerettet hatte. Die große Szene außerhalb des griechischen Lagers am Meer (im Hintergrund links die verankerten Schiffe, rechts die Zelte) sieht in der Mitte die Göttin Artemis, die die junge und schöne Iphigenie gegen das Kitz tauscht, während die Priester Calcante hält bereits das Opfermesser; rechts die Verzweiflung von König Agamemnon und seiner Frau Klytämnestra. Das Gemälde steht in stilistischer Hinsicht in der Nähe des Schaffens von Fedele Fischetti (1732-1792), dem neapolitanischen Künstler, der sich vor allem in seinen ersten Werken ab den 1860er Jahren hauptsächlich allegorisch-mythologischen Szenen widmete. Das hier präsentierte Werk wurde im April 1998 bei Sotheby's versteigert. Restauriert und unterfüttert präsentiert es sich in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Szene zeigt die Drei Schicksale oder die drei Gottheiten der römischen Mythologie, in der griechischen Mythologie Moiré genannt, die über das Schicksal des Menschen herrschten: Die erste spann den Lebensfaden, die zweite verteilte Schicksale, indem sie jedem Einzelnen eines zuordnete und begründete ihnen selbst die Dauer, die dritte, die Unerbittlichkeit, schnitt im bestimmten Augenblick den Lebensfaden ab. Ihre Entscheidungen waren unveränderlich: Nicht einmal die Götter konnten sie ändern. Mal als drei ältere, mal als junge Frauen dargestellt, erscheinen sie auf diesem Gemälde mit weiblichen Zügen verschiedener Lebensabschnitte: In der Mitte die sich drehende Göttin im Erwachsenenalter, rechts eine junge Göttin, die über die Länge entscheidet der faden, oder die dauer des lebens, links eine alte frau, die sich anschickt, den faden mit einer zange zu durchtrennen. In Wirklichkeit wird aus dieser Arbeit klar, wie die drei Gottheiten in Symbiose arbeiteten und wie die drei Aufgaben tatsächlich geteilt wurden, denn alle drei zusammen repräsentierten das Schicksal, die Bestimmung des Menschen. Die zuvor restaurierte und doublierte Leinwand bedarf aufgrund kleiner diffuser Farbtropfen und einer Schmutzpatina einer weiteren Restaurierung. Es wird in einem zeitgenössischen, neu lackierten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die ganze Szene spielt sich im Chiaroscuro von Schwarz und Rot ab, wobei die hohen Flammen zwischen den Türmen und Spitzen der Stadt lodern: im Vordergrund die Figuren von Aeneas mit seinem Vater Anchises auf seiner Schulter und seinem Sohn Ascanius an seiner Seite, as sie fliehen aus der Stadt; rechts im Hintergrund das Trojanische Pferd. Obwohl das Gemälde dem gleichen Thema von Alessio De Marchis (1684-1752) nahe steht, bezieht es sich stilistisch eher auf die flämische Malerei. Restauriert und unterfüttert. Es wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Das Gemälde stellt Clelia dar, die den Tiber überquert. Clelia war eine römische Heldin, die zusammen mit anderen Mädchen dem Etruskerkönig Porsenna während der Friedensverhandlungen mit der Stadt als Geisel übergeben wurde; er konnte jedoch entkommen, indem er über den Tiber schwamm. Porsenna bat die Römer, es zurückzugeben, die zustimmten, aber bewundert von ihrem Heldentum, beschloss er, sie zu befreien, indem er ihr erlaubte, andere Gefangene mitzunehmen, die Clelia unter den Jüngsten auswählte. Der Moment der Darstellung ist genau der der Überquerung des Flusses, dessen Personifikation rechts im Vordergrund zu sehen ist, mit einem älteren grauhaarigen Mann, begleitet von einer jungen Frau mit Füllhorn. Die Szene ist sehr dynamisch, mit Clelia und den anderen Mädchen, die zusammen mit dem Pferd, das von der Protagonistin geritten wird, eine große und lebhafte Gruppe bilden, wie einige Versionen der Geschichte erinnern; dahinter die Zelte des Lagers des etruskischen Königs mit einigen Soldaten. Auf der anderen Seite des Flusses steht eine weitere Frauengruppe, die Überquerung ist bereits fertig, während man im Hintergrund die Weite mit der Kapitolinischen Stadt mit klassischem Gesicht sieht. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis zwischen Bergamo und Venedig jedoch angenommen werden kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Das Modell stammt von einem Stich von Marcantonio Raimondi nach einer Zeichnung Raffaels, die speziell für das grafische Werk angefertigt wurde und von einem Gemälde stammt, das in der Stanza della Segnatura (1513-1515) platziert wurde. Dieses Modell wurde von Hans von Aachen in einem Gemälde aus dem Jahr 1588 aufgegriffen und verändert, das heute im Museum der Kartause von Douai aufbewahrt wird, das wiederum in einem Stich des folgenden Jahres von Raphael Sadeler im Kabinett für Zeichnungen und Drucke aufgegriffen wurde der ‚Accademia Carrara Bergamo. Die fragliche Leinwand ist von dieser letzten Version abgeleitet, die dieselben Änderungen aufweist, die in Bezug auf das raffaelische Original vorgenommen wurden. Im Mittelpunkt der Szene, die sich inmitten einer natürlichen Landschaft abspielt, stehen die drei Göttinnen, die um den Titel der Schönsten wetteiferten: Juno mit dem Pfau, ihrem Symboltier, Venus mit Amor und Minerva daneben Helm, Speer und Schild. Paris überreicht von hinten unter den Augen von Richter Merkur der Liebesgöttin den goldenen Apfel, der den Sieger bestimmt. Zwei Putten umschwirren die Protagonisten, während im Vordergrund, immer von hinten, eine männliche Figur zu sehen ist. Auf dem hinteren Rasen findet ein Landinternat statt. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, für den man jedoch den Umfang seiner Tätigkeit zwischen Bergamo und Venedig vermuten kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Die Geschichte von Apollo und Marsyas

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Leinwand stammt von einem Stich aus dem Jahr 1562 des Venezianers Giulio Sanuto, der das gleichnamige Werk von Bronzino (1503-1572), das derzeit in der Eremitage aufbewahrt wird, originalgetreu reproduzierte; Im Vergleich zum Original fügte der Stich die Gruppe der Musen hinzu und modifizierte den Landschaftshintergrund, indem er Ansichten der Dörfer einführte. Das Werk ist in vier Szenen unterteilt, die von rechts nach links gelesen werden müssen. Die erste Szene zeigt den musikalischen Wettstreit zwischen Apollo und dem Silen Marsyas, der so gut Flöte spielte, dass er als dem gleichen Gott überlegen galt; die beiden Konkurrenten treten auf, der Gott mit der Leier und der Silen mit der Flöte sogar auf dem Kopf (um die Schwierigkeit des Unterfangens zu erhöhen), vor König Midas und der Göttin Minerva, erkennbar an ihren Attributen, dem Helm, dem Speer und der Schild. In der zweiten Szene will Apollo Marsyas häuten, um ihn dafür zu bestrafen, dass er den Musikwettbewerb gewonnen hat; neben ihm auf den Boden lehnen, Mantel und Leier. In der dritten Szene ist es König Midas, der vom Gott dafür bestraft wird, dass er Marsyas ihm vorgezogen hat: Apollo legt Midas die Eselsohren an, während Minerva zusieht. Schließlich ist die vierte Szene im Vordergrund links durch eine besondere Figur gekennzeichnet, die in dem treuen Diener und Barbier des Königs identifiziert wird: da Midas ihm befohlen hatte, das Geheimnis auf seinen Eselsohren zu bewahren, konnte er nicht loslassen andernfalls grub er ein Loch in die Erde und brüllte dort sein Geheimnis hinein; dort aber soll der Legende nach ein Schilfstrauch gewachsen sein, der mit dem Wind flüsterte „König Midas hat Eselsohren“ und damit das gefürchtete Geheimnis preisgab. Das Gemälde wurde zuvor restauriert und unterfüttert, benötigt jedoch derzeit keine weitere Farbwiederherstellung. Rückseitig mit Bleistift eine alte Zuschreibung an die Ferrara-Schule ("Ercole da Ferrara"). Es wird in einem Rahmen im Stil des späten 19. Jahrhunderts präsentiert.