PINTURAS DEL SIGLO XIX
 

Cortejo en el Pozo 1873

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Haier fue un pintor y fotógrafo vienés, pero vivió durante mucho tiempo en la República Checa. Su producción pictórica incluye retratos y numerosas escenas de género, ambientadas como ésta en el entorno rural checo. Tenemos a un vendedor de tinajas, llevado a lomos de su burro, que mantiene una cariñosa conversación cerca de un pozo con una muchacha, que mientras tanto ofrece un manojo de hierba a la dócil bestia. La pintura se presenta en un marco de época.

Amor y Vino

Óleo sobre plancha de metal, de forma trapezoidal y concavidad en el centro, en la que está inscrita la escena pictórica, mientras que las cuatro esquinas están repujadas con adornos. El cuadro ofrece una escena alegre y galante entre un joven y atractivo posadero, que sirve vino del tonel en petacas, y un cliente que se acerca a ella para que le llenen la copa. La pintura tiene ligeras caídas de color. Se presenta en un marco de estilo vitrina.

pompas de jabon

Óleo sobre plancha de metal, de forma trapezoidal y concavidad en el centro, en la que está inscrita la escena pictórica, mientras que las cuatro esquinas están repujadas con adornos. El cuadro ofrece una escena alegre: un grupo de niños juega con las pompas de jabón que uno de ellos hace, mientras los demás las miran divertidos y la niña mayor levanta al pequeño para llevárselas. Hay ligeras decoloraciones. Se presenta en un marco de estilo vitrina.

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de la famosa obra de Raffaello Sanzio (1483 -1520), creada por el artista de Urbino en 1513-1514 y actualmente conservada en la Galería Palatina del Palacio Pitti de Florencia. Las figuras, inscritas en forma circular como en la obra original, consisten en María, sentada en una rica silla, el Niño Jesús en brazos y San Juan al costado; Mientras la Madre y el Hijo miran hacia adelante - María directamente hacia el espectador, Jesús un poco más lejos - el pequeño Juan emerge del fondo oscuro y hace un gesto de oración a María. La silla en la que se sienta María es una silla de Cámara, es decir, uno de los asientos privilegiados del Papa, fuerte símbolo de autoridad en la doctrina y en ciertas enseñanzas, atributos de María: Ella es la Madre de Dios que se sienta en la silla. Es particular el color del manto de Jesús, una mancha central amarilla que hace referencia al manto del "Siervo", una advertencia al Pontífice que encargó la obra original. La obra se presenta en un marco de época.

Azulejos de cobre decorados con esmaltes. Se trata de una reproducción decimonónica de la Cruz esmaltada de Pascual I (817 -824), importante relicario en cobre repujado y dorado, que conserva en su interior minúsculos fragmentos de la Cruz de Cristo, y que pasó a formar parte del Tesoro depuesto por León. III (795 -816) en el oratorio llamado Sancta Sanctorum de Letrán. La Cruz está formada por cinco paneles, dispuestos en forma de cruz latina, en los que se representan siete episodios de la vida de Jesús con animadas figuras esmaltadas. En el panel superior se encuentran la Anunciación y la Visitación de María; en el panel del centro el Nacimiento de Jesús; a la izquierda la Huida a Egipto y a la derecha la Adoración de los Magos; finalmente, en el antebrazo, la Presentación de Jesús en el templo y el Bautismo de Jesús. Los paneles están compuestos sobre una base de madera y presentados en un marco de vitrina.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XIX-principios del XX. Firma no identificada abajo a la derecha. La vista del paisaje muestra un paisaje con bosques de coníferas, atravesado por un arroyo y dominado por picos rocosos. El cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con decoraciones y frisos.

Temple sobre lienzo. Enmarcadas en un marco pintado, tallado con volutas y dorado, están retratadas una madre y su hija: la joven está lánguidamente tumbada en un sofá otomana y acaricia a la niña arrodillada a su lado, sosteniendo con una mano una cesta de merienda. En la parte trasera hay una restauración, con un parche en la parte central. La obra se presenta en un marco de estilo.

Escena galante 1885

Litografía. Firmado abajo a la izquierda. Publicado por Arthur Tooth en Londres. La escena es típica del pintor de origen italo-austriaco: Eugenio de Blaas prefería escenas de género tiernas y a menudo traviesas, con chicas y jóvenes (a menudo situados en las calles venecianas, pero no sólo) decididos a charlar, chismorrear y juegos de cortejo. Su tema favorito era la figura femenina común, representada con un rostro angelical, de piel diáfana y mirada pícara y romántica, descrita con colores vivos y con excelente técnica en su entorno cotidiano. La litografía tiene manchas de humedad generalizadas. En un marco de mediados del siglo XX.

Paisaje con Cazadores a Caballo 1852

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Atmósfera sugerente para este paisaje donde desoladas colinas terrosas preludian a picos más altos, desvanecidos en la distancia; En este paisaje se insertan personajes populares, en particular tres caballeros, probables cazadores de los perros que los flanquean, galopando por el camino, mientras los viajeros a pie, mujeres y niños, les ceden el paso. Destaca sobre todo, ocupando toda la mitad superior de la obra, un cielo plomizo, lleno de nubes grises: las tonalidades de grises arriba y los ocres dorados de la tierra abajo, definen la paleta favorita de este polifacético artista belga, que en su producción pictórica creó principalmente paisajes de las Ardenas. El cuadro fue subastado en Christie's en 2004, con un precio estimado de 3.000 euros.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de principios del siglo XX. Esta es una copia del famoso cuadro creado alrededor de 1880 por Carl Ludwig Friedrich Becker (1820 -1900) y vendido en una subasta en Sotheby's de Nueva York en 1999. En la parte inferior derecha aparece la escritura Becker para imitar o hacer referencia al original. En la escena, el moro de Venecia les cuenta a Desdémona y al dux sus aventuras como capitán de la flota veneciana.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XIX. La Virgen sentada en el trono, con Jesús dormido en su regazo; a ambos lados un grupo de angelitos, vestidos de niños de diferentes edades, tocan instrumentos y cantan: su concierto es quizás la canción de cuna que acompaña el sueño del Divino Niño. La escena está representada pintada en un altar de mármol, en cuyas balaustradas laterales se colocan los ángeles; detrás de María hay un luneto con un cielo estrellado, mientras que a sus pies hay una paloma y ramas de olivo, símbolos de paz. La obra se presenta en un marco de época.

En el redil, 1857

Óleo sobre la mesa. Firmado y fechado en el centro del margen izquierdo. En el reverso hay una etiqueta de una exposición de arte celebrada en Sondrio en 1966 y otra de la galería de arte Martina de Turín. Eugène Verboeckhoven, artista belga, se distinguió por sus pinturas de animales, insertados en paisajes o colocados en el interior de establos. Perteneció a esa escuela de artistas que, a partir de la observación de la naturaleza, creaban composiciones estudiadas al detalle, reproducciones idealizadas de la realidad. Gracias a su destreza para representar animales, muchos artistas le solicitaron que enriquecera sus obras con algunos de sus animales y figuras. Entre 1841 y 1842 visitó Italia, Suiza y Escocia. La obra que aquí se presenta, el interior de un redil con ovejas y gallinas rascando, se presenta en un marco de época.

Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. La escena representa el encuentro entre un sumo sacerdote y un líder: si a él lo sigue todo su ejército, con soldados sombríos y armados de diferentes rangos, al sacerdote lo siguen todo el pueblo que alaba al vencedor, mientras dos mujeres jóvenes a su lado De rodillas ofrecen coronas de flores. Detrás de escena, los imponentes muros con la puerta de entrada a una ciudad, hacia la que señala el sacerdote, casi como entregándosela al líder. La vestimenta del sacerdote, en particular la presencia del pectoral llamado "Decisión" que porta, hace referencia a un sacerdote israelita, y por tanto la ciudad podría ser Jerusalén; en cambio, la vestimenta del líder victorioso, con el casco coronado por dos caballos, hace referencia a Alejandro Magno, quien efectivamente conquistó la ciudad en el 332 a.C. El dibujo se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

El adiós de Ludovico il Moro a su esposa.

Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. Ludovico María Sforza llora ante la tumba de su joven esposa Beatrice d'Este (1475 -1497); a su alrededor los frailes de Santa Maria delle Grazie y a su izquierda Bramante y Leonardo. En el lado corto del dosel de mármol de la tumba se encuentra el escudo de armas de los Sforza, con dos serpientes y dos águilas. Il Moro quedó profundamente conmovido por la temprana muerte al dar a luz de su muy joven esposa Beatriz, su compañera en su vida privada pero también política, así como en la de su marido, mecenas de los genios artísticos de su corte, como Leonardo da Vinci. y Bramante, autores de numerosas obras pictóricas y arquitectónicas de la corte Visconti-Sforza. Se conocen varias versiones de este episodio, especialmente del siglo XIX, desde la de 1815 de Giovanni Battista Cigola en la Pinacoteca Ambrosiana, hasta la de Alessandro Reati de hacia 1850. El cuadro se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

Paisaje de montaña 1917

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. Originario de la provincia de Cuneo, Giovanni Rava se dedicó principalmente a los paisajes, representados con formas realistas y con un toque impresionista, en los matices de los efectos luminísticos. La obra se presenta en un marco de mediados del siglo XX.

Interior del establo, 1889

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado el 30-11-1889 abajo a la izquierda. Delleani, que inicialmente pintó principalmente temas históricos, se acercó progresivamente a la pintura de paisajes "en plein air", especialmente de sus lugares de origen, los valles del Piamonte, caracterizando sus vistas con vibraciones cromáticas y una cálida luminosidad. En las últimas décadas de su vida, sin embargo, también se dejó involucrar en la corriente orientalista, pero luego volvió a sus vistas paisajísticas, creando sobre todo paneles ricos en colores cálidos y atmósferas sugerentes. Más rara pero igualmente evocadora es su producción de interiores, como este de un establo, donde las figuras animadas, las ovejas, aparecen como manchas de color casi indistintas dentro de un entorno jugado enteramente con los efectos luminosos de una única gama cromática. Restaurada y protegida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con restos de restauración y pequeños defectos.

Bailarina 1896

Técnica mixta sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. Adolfo Magrini fue un artista polifacético: pintor, ilustrador, grabador, escenógrafo, después de una producción inicial influenciada por la pintura romántica de Palizzi y Morelli, se contaminó con influencias centroeuropeas, volviéndose más angulosa. Esta obra juvenil todavía está influenciada por los artistas napolitanos con los que se formó. El cuadro se presenta en un marco de la primera mitad del siglo XX. Tiene algún daño de color.

Pintura al óleo sobre lienzo. Abajo a la derecha firmado Borella y fechado 1894. Probablemente se trate de Rafael Borella (1874 -1953), pintor nacido y formado en Milán pero luego trasladado a Uruguay. Su primera producción italiana incluye paisajes venecianos y del Valle de Aosta. Este cuadro, que ofrece una vista de la montaña, con prados atravesados ​​por un arroyo cerca del cual se sienta un pescador. Por tanto, la escena podría ser una producción juvenil de Borella, adecuada a él en términos de tema y estilo. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Las nueve musas

Jugo de hierba. La palabra Euterp aparece en la parte inferior derecha. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y teniendo como guía al dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del "Todo" o la "eterna magnificencia de lo divino". Inicialmente consideradas de forma genérica como divinidades del canto y de las danzas alegres, encargadas de poner en música y en verso historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y de los hombres, las hazañas de Zeus, y frecuentemente representadas acompañadas de diversos instrumentos musicales. , a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones cantosas y musicales, incluidas las tristes y funerarias, y otras artes como el teatro, y cada una de ellas se asoció a un género artístico específico, de modo que podían ser invocadas individualmente. para ejercer su inspiración y protección. La palabra "Euterp" hace referencia al nombre de uno de ellos, Euterpe, musa de la poesía lírica y de la música, representada tradicionalmente con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente "La que alegra", la que trae alegría, por lo que se puede pensar que la elección de este nombre para titular el tapiz se refiere a la función más antigua de las Musas, la de traer alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, ataviadas con velos y ramas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas, aparecen instrumentos u otros objetos que simbolizan el arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, instrumentos musicales diversos...). El cuadro de gran tamaño tiene signos de desgaste y manchas de humedad.

Paisaje fluvial con figuras 1878

Acuarela y lápiz sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Conocemos varias vistas de paisajes de la campiña inglesa del pintor inglés Henry Clifford Warren, en su mayoría pintadas en acuarela. Aquí hay una vista de un campo boscoso atravesado por un ancho río, con un pastor llevando a sus vacas a pastar en la colina en primer plano. Presentado en un marco.