PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Venise Première Moitié du XIXe Siècle

Paire de bougeoirs reposant sur des socles, Venise première moitié du XIXème siècle. Des Maures sculptés et laqués, vêtus de robes et de chaussures dorées et multicolores de la Mecque ; de leur bras levé ils tiennent un pied de bougie, tandis que de l'autre ils tiennent une petite assiette. Les deux landes reposent sur autant de bases octogonales laquées, ornées d'éléments marbrés et d'une paire de protomes de lion sculptés et dorés. Des plats qui ne sont pas contemporains.

Ecole française. Milieu du XVIIIe siècle

Huile sur panneau. École française. Milieu du XVIIIe siècle. La scène représente une fête à l'intérieur d'un parc entouré de murs aux passages voûtés ouverts sur la campagne, et décoré à droite d'une amphore sur colonne et au centre, derrière les personnages, d'une fontaine jaillissante, de statues d'angelots et coquilles. Deux couples de dames et de messieurs richement vêtus se divertissent galamment, entourés de domestiques ; l'un des hommes joue du violon, accroupi devant sa dame qui, flanquée de la demoiselle d'honneur, suit la mélodie sur la partition tenue par le jeune homme à ses côtés, tandis que deux musiciens accompagnent le jeu avec la flûte et une mandoline ; l'autre couple, dans une attitude de dialogue intime, écoute à gauche, tandis qu'à droite le chasseur revenant de la chasse observe également la scène. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Raisins, figues, grenades et pêches sur un chapiteau

Huile sur toile. Signée « Max. PF. » sur le cadre supérieur du chapiteau. La nature morte se compose de raisins, de grenades et de pêches posés sur un chapiteau. Un plateau d'argent figure également dans la composition ; à l'arrière-plan se trouve un paysage avec des arbres et des ruines ; à gauche, on aperçoit un ciel céruléen, à peine voilé par des nuages. Maximilian Pfeiler s'est fait connaître par ses natures mortes dans lesquelles il plaçait un fragment d'architecture à l'arrière-plan des fleurs et des fruits, introduisant déjà le goût pour les ruines antiques qui s'affirmera pleinement au XVIIIe siècle. Le tableau a été retouché et restauré (petits repeints). Il est présenté dans un cadre de style.

Madeleine pénitente, vers 1750.

Peinture à l'huile sur toile. La figure de Madeleine est représentée ici, selon la tradition, avec de longs cheveux roux ; avec un geste de dédicace douloureuse, il fixe son regard sur le crucifix, qu'il tient avec sa main gauche appuyée contre son bras droit, qui à son tour est replié en signe de pénitence recueillie. Le corps entier est rendu avec une splendide torsion opposée, qui a pour effet de faire ressentir au spectateur la tension du moment vécu par le saint. À sa gauche, le crâne, son attribut traditionnel, est visible et au fond on aperçoit les contours de la grotte dans laquelle elle est placée. La partie du corps apparaît, grâce à l'intense luminosité des bras, liée aux nuances ocre rouge des cheveux et du visage, accentuant ainsi également le caractère érotique de la scène, rappelant la peinture exubérante de Rubens, qui a eu une grande influence sur l'œuvre de Crespi. travail . Cette figure captivante et très agréable de la Madeleine suit la tendance répandue aux XVIIe et XVIIIe siècles consistant à représenter des saints sur fond de sensualité humaine, révélant la préférence des clients pour des thèmes sacrés imprégnés d'éléments profanes. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre fin XIXème-début XXème siècle.

La Madeleine pénitente et saint Jean-Baptiste

Huile sur ardoise. Voici deux exemples de peinture à l'huile sur pierre, genre pictural particulièrement populaire dans la République de Venise entre le XVIe et le XVIIe siècle, sous la forme de peinture à l'huile sur tableau noir ou pierre de touche. Le choix d'une pierre aussi sombre comme fond n'est pas seulement lié à des raisons pratiques (la proximité des mines de Brescia et du Val Brembana), mais, comme le démontrent clairement nos deux œuvres, l'émergence des figures sur le fond sombre répond à la lumière aussi pleine des nouveaux besoins de la peinture de l'époque, qui dans le climat de la Contre-Réforme, tendait à exprimer non seulement les certitudes existentielles idéalisées de la pleine Renaissance, mais aussi les angoisses et l'ouverture à de nouvelles phases, tendant déjà avec le Tintoret vers une plus grande attention à la réalité et aux contrastes lumineux, pour se diriger ensuite massivement vers la recherche du XVIIe siècle fortement axée sur la combinaison contrastée de la lumière et de l'ombre. Les deux œuvres présentées ici, bien dans la production de l'espace vénitien des premières décennies du XVIIe siècle, proposent deux figures de saints, tous deux ermites, placées sur un fond naturaliste sombre et à peine visible. La figure de Madeleine émerge de l'obscurité, penchée pour suivre la courbe du support en pierre ; elle est représentée regardant d'un air interrogateur vers l'obscurité, comme dans une attitude d'écoute, la main gauche levée et l'autre posée sur le "memento mori" remarquablement raccourci. Devant elle un fléau et le pot de pommade. Peint en pendentif, Saint Jean-Baptiste est représenté jeune homme, avec un agneau à ses pieds, à la main la croix de procession avec l'étendard "ecce agnus dei", tandis que de la main droite il puise à la source d'eau, rappelant l'épisode qui verra Jésus-Christ baptisé. Dans les deux tableaux, les personnages se détachent de manière forte et incisive grâce au noir qui caractérise la plaque d'ardoise sur laquelle ils sont représentés. Les deux tableaux, de format ovale, sont présentés dans des cadres en bois noir, de la fin du XIXème siècle.

École Flamande du XVIe Siècle

Huile sur panneau. École flamande du XVIème siècle. L'œuvre présente à la base une plaque l'attribuant à Lambert Van Noort (1520 -1571), justifiée par la proximité de ses méthodes picturales que l'on retrouve dans les visages de Jésus et de Madeleine, mais non confirmable pour les autres parties du tableau. . L'ouvrage raconte l'épisode de l'Évangile de Jean dans lequel les scribes et les pharisiens amenèrent une femme accusée d'adultère à Jésus, pour tester son observance de la loi de Moïse, qui comprenait la lapidation. Mais Jésus, se penchant jusqu'à terre, commença à écrire avec son doigt dans la poussière, puis, pressé, il prononça ces paroles : « Que celui d'entre vous qui est sans péché jette la première pierre », sauvant la femme et lui pardonnant ensuite. La grande scène est remplie d’un groupe nombreux et serré de personnages. Jésus, au centre, est le seul personnage penché au sol, séparé du reste du groupe et figé dans son geste d'écrire avec un doigt ; derrière lui, avec un alignement vertical précis de son visage avec celui du Christ, se trouve la femme accusée, qui couvre son corps avec son manteau en observant le geste du Christ, en attendant la sentence ; tout autour des scribes, des pharisiens, des soldats, qui parlent entre eux avec animation, s'agitent, se font face, indiquant ce que fait Jésus. Le sujet était largement représenté dans la peinture flamande, avec différentes méthodes d'interprétation. Si dans ce tableau l'école flamande est clairement perçue dans les visages aux traits durs et dans les corps assez rigides dans les mouvements des scribes et des pharisiens, ainsi que dans la représentation de l'édifice en arrière-plan et dans la représentation minutieuse des chaussures au premier plan droit, les deux figures de Jésus et de la femme sont plutôt affectées par l'influence italienne, qui adoucit les traits des visages, donne aux mouvements du corps plus de calme et de grâce, et avec l'aide d'une couleur plus vive les a fait se démarquer parmi les autres personnages. Le panneau du tableau a été restauré et parqueté dans la première moitié du XXe siècle. Le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté.

Chiquito Futbolista de Tanger 1982

Sanguine sur papier. Signé et daté en chiffres romains en bas à droite. Le titre en haut à droite. Claudio Bravo Camus était un peintre chilien qui s'est imposé avant tout pour ses compositions (notamment des colis) et ses portraits hyperréalistes, notamment ceux de personnalités politiques éminentes. Considéré à juste titre comme l'un des plus grands maîtres de l'hyperréalisme, Claudio Bravo a poursuivi la photographie en peinture, mais toujours en partant de l'observation directe des objets eux-mêmes : « Les yeux voient bien plus que l'appareil photo : les demi-teintes, les ombres, les infimes changements de couleurs et de lumières." il a dit. Le portrait présenté ici, celui d'un footballeur marocain bien connu, dégage un réalisme minutieux et mimétique, notamment dans le regard de l'homme ; elle a été réalisée pendant les années où l'artiste vivait à Tanger, où il s'était réfugié pour échapper à la dictature de Franco. Il est présenté dans un cadre.

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur panneau en bois. École centrale italienne de la seconde moitié du XVIe siècle. La scène sacrée de l'Annonciation voit les deux personnages protagonistes placés au premier plan dans un intérieur qui correspond à la chambre de Marie. La jeune femme est assise devant un petit bureau en bois, soutenu par des figures d'anges, sur lequel reposent le livre de prières et un vase à petites fleurs ; à ses pieds, le panier à couture. Le corps de Marie est partiellement tourné vers l'arrière, dans un mouvement tordu, presque comme si elle cherchait à s'échapper, comme si elle voulait s'éloigner de l'autre figure, celle de l'Archange Gabriel. Il se tient à droite, majestueux et élégant, une main tenant un lys et l'autre pointée vers le haut au-dessus de lui, là où la colombe blanche, symbole du Saint-Esprit, émerge d'une trouée de lumière. Au fond, de hautes colonnes à tentures surmontent la plateforme sur laquelle repose le lit de Marie. La composition fait référence, dans le style figuratif et dans les choix chromatiques, à la peinture déjà maniériste des écoles de l'Italie centrale : il y a notamment une forte concordance de style et de composition avec certaines œuvres du même sujet du peintre Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525-1530 / 1602), qui vécut et travailla à Pistoia vers 1540. C'est dans cette ville que se trouvent certaines de ses Annonciations : en particulier celle de l'église de Santa Maria delle Grazie (un retable de plus de deux mètres de hauteur), présente de nettes similitudes au niveau formel et compositionnel avec celle présentée ici. . Il y a concordance dans le décor de la scène sacrée : une chambre, au fond de laquelle se trouve un rideau qui recouvre partiellement un lit, meublée des éléments indispensables au récit, le pupitre et le fauteuil richement décorés de cariatides d'angelots ou d'anges. qui semblent sculptés dans le bois. Le schéma de composition correspond, bien qu'avec de légères variations, aux deux figures disposées "en frise" sur la même surface de pose, et les traits somatiques de la Vierge et de l'Archange correspondent également. Cependant, le sol diffère, qui, bien qu'il soit homogène dans notre tableau, dans celui de Pistoia se présente avec une alternance de couleurs en damier, mais il semble que ce dessin du sol ait été ajouté plus tard, à l'occasion de la reconstruction de l'autel en 1637 -1639, en pendant avec celui d'une autre œuvre du même Sebastiano Vini dans la même église, une Conversation Sacrée. Il semble donc assez certain que notre panneau a été peint d'après l'œuvre de Bastiano Veronese, probablement à la demande expresse du client, et avant le changement du sol, remontant donc à la seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau a fait l'objet d'une restauration, avec application de deux renforts au dos du panneau. Il est présenté dans un décor de la fin du XIXème siècle. (Référence pour le retable de Pistoia : Catalogue du patrimoine culturel https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Italie, Moitié du XIXe Siècle

Sculpture féminine en marbre statuaire blanc, personnification allégorique de l'automne, Italie milieu du XIXe siècle. Figure entière habillée à l'ancienne avec toge, coiffe de feuilles de vigne et grappes de raisin, cette dernière également placée le long du côté gauche; avec son bras droit, il tient des fruits d'automne. Reposant sur une base circulaire. Petites pauses.

Lombardie Début XVIIIe Siècle

Sculpture d'ange baroque tenant un vase en bois de tilleul sculpté et entièrement repeint en noir à une époque ultérieure, Lombardie, début XVIIIe siècle. Le personnage, vêtu d'une robe ornée de lambrequins, est posé sur un socle soutenu par quatre pieds sauvages. Les dégustations réalisées ont mis en lumière les couleurs originales.

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.

Projet de Sculptures

Crayon sur papier filigrané. Signé en bas à gauche. Le dessin est accompagné d'une authentification sur photo des archives Fausto Melotti, avec le code DIS 36 015, indiquant les données de l'œuvre. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir seulement une vision partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement précis, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Italie centrale XVIIe siècle

Sculpture baroque en noyer, Italie centrale XVIIe siècle. La figure masculine, créée pour être vue dans une position élevée par rapport à l'observateur et faisant à l'origine partie d'un groupe sculptural plus large, se caractérise par des cheveux et une barbe ondulés, le bras droit ramené au menton tandis que le gauche dans une position enveloppante, dans le action de soutenir un objet ou de s'accrocher à un élément de support ; vêtu d'un riche drapé qui laisse découvert le haut du buste et les jambes, l'une fléchie et l'autre allongée. Le volume et la plasticité du corps, combinés au sens du mouvement transmis par la torsion, ressemblent à la production sculpturale du baroque romain.

Trois Visages 8 Feuilles

Gouaches sur papier. Au dos se trouvent des autocollants de Sotheby's Auction avec le nom de l'artiste et le titre original "Three faces eight leaves". Ce sont deux dessins similaires, avec le même sujet mais avec de petites différences, et coloriés avec des techniques différentes. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il a aussi touché aux arts plastiques, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Jean Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y dépeint ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Ouvrage encadré.

Paysage d'Hiver avec personnages sur Glace

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVII-XVIIIème siècle. Sur le cadre il y a une étiquette attribuant à Thomas Heeremans (mais avec une date erronée). La grande scène offre un paysage hivernal propre au territoire hollandais, car caractérisé par un canal gelé, à proximité d';un village, peuplé de nombreuses figures de patineurs, avides d'activités quotidiennes : le traîneau tiré par des chevaux pour le transport des personnes, l'homme qui pousse la « brouette » pleine de bois, l'enfant qui se pousse dans sa petite boîte ; d'autres personnages passent sur le talus le long du canal. Le ciel gris et froid d'une journée d'hiver plane sur tout. Le sujet était le récurrent dans la production du peintre hollandais Thomas Heeremans, qui a principalement peint des paysages d'hiver de sa terre, les reproduisant plusieurs fois en raison du succès obtenu, et incitant de nombreux autres artistes à l'imiter ; on pense donc que ce travail remonte à un imitateur des Heeremans, plutôt qu'à lui directement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans un paysage plutôt aride, avec des ruines architecturales à gauche et des sommets enneigés en arrière-plan à droite, quelques bergers passent le long du chemin, conduisant leurs troupeaux de vaches, moutons et chèvres. Dans le cadre du paysage nordique, la teinte rosée du ciel et le caractère pastoral de la scène donnent cette atmosphère idéaliste typique de la peinture de paysage du XVIIIe siècle, où la satisfaction du sentiment prévalait plutôt que l'intention de transposition réaliste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage avec architecture et personnages

Huile sur toile. Le grand paysage est dominé par une imposante structure architecturale avec des colonnes surplombant la mer, qui occupe toute la partie centrale de la toile, tandis qu'une forteresse se dessine sur la droite. La scène est alors animée par de nombreuses figures de roturiers occupés aux activités quotidiennes : au premier plan à gauche, sur le quai, un groupe d'hommes attend le chargement de nombreuses caisses et malles. Le monogramme D.G. Cette abréviation, avec la modalité stylistique baroque, fait référence à l'attribution à Domenico Gargiulo, nom de scène du peintre napolitain Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Actif principalement à Naples, surtout dans les deux décennies entre le milieu du XVIIe siècle, le Gargiulo s'est imposé principalement comme peintre paysagiste et surtout pour avoir documenté les événements tumultueux de Naples au XVIIe siècle (éruptions, épidémies, révolte de Masaniello ). La spécialisation progressive dans la représentation des paysages ou des scènes de la ville, remplie de figurines présentées avec des descriptions minute et avec une attention à la réalité sociale populaire, signifiait que sa commission était principalement d'ordre privé, recevant des commissions de nombreux notables napolitains, régents, chevaliers et conclusion ses œuvres dans toutes les collections napolitaines les plus importantes de l'époque. Parmi ses principaux clients figurait également le grand collectionneur flamand Gaspare Roomer, à qui le Gargiulo devait sa fortune. Gargiulo insère souvent ses abréviations dans ses ouvrages, mais les date rarement ; il n'a été possible d'établir la datation de sa production que grâce à la réalisation d'une série d'œuvres pour les moines de la Certosa di S. Martino, qui a eu lieu entre 1638 et 1646, parmi les quelques œuvres religieuses qu'il a réalisées mais les seules en être documentées avec une certaine précision. La grande toile proposée ici est présentée dans un cadre élégant.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Nature morte avec des trous, des fruits, un perroquet et une caille

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. La grande composition est riche de nombreux éléments différents : au centre se dresse une grande composition florale, de multiples variétés aux couleurs vives ; à gauche des fleurs, appuyées sur un chapiteau dorique, se trouve une perruche aux couleurs vives contrastant avec celles ternes de la caille morte gisant à l'étage inférieur, accompagnée de citrouilles et d'un vase en étain. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque. Il provient d'une importante collection (Commendatore Arturo Stucchi, un entrepreneur de Côme, est mentionné au dos).