PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Dans la Bergerie, 1857

Huile sur panneau dur. Signé et daté au centre de la marge gauche. Au dos se trouvent une étiquette provenant d'une exposition d'art organisée à Sondrio en 1966 et une de la galerie d';art Martina de Turin. Eugène Verboeckhoven, artiste belge, s'est distingué par ses peintures d'animaux, insérées dans des paysages ou placées dans les intérieurs d'écuries. Il appartenait à cette école d'artistes qui, à partir de l'observation de la nature, créaient des compositions étudiées en détail, des reproductions idéalisées de la réalité. Grâce à sa dextérité à représenter les animaux, de nombreux artistes ont fait appel à lui pour enrichir leurs œuvres de certains de ses animaux et figures. Entre 1841 et 1842, il visite l'Italie, la Suisse et l'Écosse. L'œuvre présentée ici, un intérieur de bergerie avec des moutons et des poules qui grattent, est présentée dans un cadre d'époque.

Le Violoniste

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste milanais, fils du célèbre peintre Alcide Davide Campestrini, se consacre à la nature morte, à la peinture de figures et aux paysages alpins, avec une technique liée à l'école de son père et à la tradition de la fin du XIXe siècle. tableau présenté dans un cadre contemporain.

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. La scène représente la rencontre entre un grand prêtre et un chef : s'il est suivi par toute son armée, avec des soldats sinistres et armés de différents grades, le prêtre est suivi par tout le peuple qui loue le vainqueur, tandis que deux jeunes femmes sur leur à genoux, ils offrent des couronnes de fleurs. Derrière la scène, les puissants murs avec la porte d'entrée d'une ville, vers laquelle le prêtre montre du doigt, presque comme s'il la remettait au chef. L'habillement du prêtre, notamment la présence du pectoral dit « Décision » qu'il porte, fait référence à un prêtre israélite, et donc la ville pourrait être Jérusalem ; en revanche, les vêtements du chef victorieux, avec le casque surmonté de deux chevaux, font référence à Alexandre le Grand, qui conquit la ville en 332 av. Le dessin est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Les adieux de Ludovico le Moro à sa femme..

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. Ludovico Maria Sforza pleure sur la tombe de sa jeune épouse Béatrice d'Este (1475 -1497) ; autour de lui les frères de Santa Maria delle Grazie et à sa gauche Bramante et Leonardo. Sur le petit côté du dais en marbre du tombeau se trouvent les armoiries des Sforza, avec deux serpents et deux aigles. Il Moro a été profondément ébranlé par la mort prématurée en couches de sa très jeune épouse Béatrice, sa compagne dans sa vie privée mais aussi politique, ainsi que celle de son mari, mécène des génies artistiques de leur cour, comme Léonard de Vinci. et Bramante, auteurs de nombreuses œuvres picturales et architecturales de la cour Visconti-Sforza. Différentes versions de cet épisode sont connues, notamment à partir du XIXe siècle, depuis celle de 1815 de Giovanni Battista Cigola à la Pinacothèque Ambrosiana, jusqu'à celle d'Alessandro Reati vers 1850. Le tableau est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Signature non identifiée en bas à gauche. Grand paysage de forêt aux couleurs chaudes d'automne, qui se reflète dans l'étang au premier plan, formant un contrepoint bleu au ciel au-dessus. La toile présente de petites déchirures. Il est présenté dans un cadre élégant.

Paysage avec Moulin

Huile sur carton. Signé en bas à droite. Carlo Vittori, artiste de Crémone, a principalement représenté les paysages de sa vallée du Pô. Il propose ici un paysage habité par un moulin, auquel l'eau arrive par une canalisation aérienne. Le tableau est présenté en chronique.

Vol de Canard

Sculpture en bronze. Signature gravée sur la base. Gino Masciarelli, sculpteur originaire des Abruzzes mais qui a vécu dans la région de Milan, après avoir travaillé également au Centre Expérimental de Recherche Scientifique « F. Marinotti» en Lombardie, spécialisé dans la prise de vue cinématographique à haute fréquence, a appris à capter l'instabilité des corps en mouvement et la dissolution de la matière dans l'espace dans nombre de ses œuvres. Dans les sculptures « Groupes humains » et « Vols » - auxquelles appartient l'œuvre présentée ici -, le dynamisme du vol peut être observé presque comme s'il s'agissait d'une séquence photographique. L'artiste lui-même a déclaré : "Seulement 8 secondes ont marqué sur 300 mètres de film, le but était de ralentir ce que l'œil humain ne peut pas voir, je voulais capturer le mouvement et la projection de ces secondes a duré quelques heures" .

Personnage Assis

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Le peintre Salvatore Sportelli, d'origine des Pouilles mais qui a longtemps vécu à Lodi, où il a enseigné (une de ses expositions posthumes a eu lieu récemment dans la ville), a produit de nombreuses figures populaires et scènes de genre caractérisées par un regard sur le post-impressionnisme. . L'œuvre est présentée dans un cadre.

Paysage avec Soleil

Fresque sur toile. Signé en bas à droite. Autre signature et technique au dos. Située dans le naturalisme informel émilien, la peinture de Bruno Saetti se distingue par un amour significatif pour la matière picturale, riche et consistante, pâteuse et fermentante, mais aussi ouverte aux modulations de vibration lumineuse. Sa série de "fresques"avec le Soleil comme sujet dominant est riche, comme dans cette œuvre, qui présente un grand soleil éclatant brillant sur un fond rouge brique, au-dessus d'un paysage indéfini, où seule une basilique est reconnaissable en haut à droite. . Si l'origine émilienne de Saetti est évidente dans les tons chauds des briques rouges et dans le goût très particulier du matériau (la fresque préférée), en revanche la contamination vénitienne est reconnaissable (Saetti a vécu longtemps à Venise) dans son s'attarder sur la couleur, sur ses vibrations lumineuses, sur la sensation d'émerveillement étonné de l'espace. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Paysage de Montagne, 1917

Huile sur carton. Signé et daté en bas à droite. Originaire de la province de Cuneo, Giovanni Rava se consacre principalement aux paysages, rendus sous des formes réalistes et avec une touche impressionniste, dans les nuances des effets lumineux. L'œuvre est présentée dans un cadre du milieu du XXe siècle.

Huile sur carton. Signature non identifiée en bas à droite. Aperçu paysager d'une campagne paysanne, avec des agriculteurs s'approchant du champ de blé plein d'épis dorés, tandis qu'à gauche du chemin se trouve un endroit ombragé qui mène à une clôture. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain, présentant de petits défauts.

Paysage de Montagne

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le peintre milanais Gino Federici s'est spécialisé dans les vues alpines, comme dans cette vue, où au premier plan un troupeau de moutons boit l'eau d'un ruisseau, dans la large vallée, sous des sommets abrupts. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain. Il présente des signes d'une restauration antérieure.

Technique mixte sur papier. Délicat portrait ovale d'un jeune homme, dont le visage et les cheveux se fondent dans les couleurs pastel du fond, qui semble ne faire qu'un avec sa silhouette. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Étude d'une Main 1906

Crayon sur papier. Signé en bas à droite. Au dos se trouve un autre croquis d'une tête d'âne. La peinture de Celada est capable de bloquer la réalité dans le temps et dans l'espace, d'une manière qui apparaît détachée, analytique et scientifiquement exacte (couleurs, reflets, transparences), mais communiquant - par opposition à une irréalité totale - un grand pathos narratif. Nous proposons ici l'étude d'une main de l'artiste encore très jeune, mais déjà capable d'une puissante expressivité dans le dessin de la figure. Travail dans le cadre.

Intérieur d'une Écurie, 1889

Huile sur panneau dur. Signé et daté 30-11-1889 en bas à gauche. Delleani, qui peignait initialement principalement des sujets historiques, s'est progressivement rapproché de la peinture de paysages "en plein air", en particulier des lieux de ses origines, les vallées piémontaises, caractérisant ses vues par des vibrations chromatiques et une luminosité chaleureuse. Cependant, au cours des dernières décennies de sa vie, il s'est également laissé impliquer dans le courant orientaliste, mais il est ensuite revenu à ses vues de paysages, créant surtout des panneaux riches en couleurs chaudes et en atmosphères suggestives. Plus rare mais tout aussi évocatrice est sa production d'intérieurs, comme celui d'une écurie, où les personnages animés, les moutons, apparaissent comme des taches de couleur presque indistinctes au sein d'un environnement entièrement joué sur les effets lumineux d'une seule gamme chromatique. Restauré et protégé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Danseuse 1896

Technique mixte sur carton. Signé daté en bas à droite. Adolfo Magrini était un artiste aux multiples facettes : peintre, illustrateur, graveur, scénographe, après une première production influencée par la peinture romantique de Palizzi et Morelli, il fut contaminé par les influences d'Europe centrale, devenant plus anguleuses. Cette œuvre de jeunesse est encore influencée par les artistes napolitains auprès desquels il se forme. Le tableau est présenté dans un cadre de la première moitié du XXe siècle. A quelques dégâts de couleur.

Le buste représente une femme noble, richement vêtue. Un portrait certainement, comme le montre la grande typification physionomique du visage ; le portrait a un regard et une attitude austères, un élément qui distingue les portraits sculpturaux de l'époque. Les cheveux sont rassemblés à la nuque dans une coiffure tressée élaborée. Le col est orné d'un tour de cou avec un médaillon central et plusieurs rangs de perles. Elle porte une robe qui laisse les épaules dénudées, finie par une fine bordure en dentelle et un nœud au milieu de la poitrine. Grande habileté du sculpteur dans l'utilisation du ciseau pour la finition des détails et dans le rendu matière des tissus.

Trois Buveurs et Ange 1942

Technique mixte à bord. Signé en bas à droite. Au dos, autre signature, titre et date. Beppe Porcheddu, important illustrateur et céramiste italien, était également peintre. Dans son parcours artistique évolutif "il semblerait que l'artiste ait versé "l'illustrateur" dans le peintre et vice versa "le peintre a prévalu dans l'illustration". Dès sa première production, parallèlement à son aptitude pour le grotesque, Porcheddu a montré une inclination naturelle pour ce qui a été défini comme un « trio parfait de symboles d'un monde (le médiéval) qui s'exprimait à travers des métaphores comme aucune autre civilisation antérieure ». Dans ce panneau, cette tendance au grotesque s'exprime bien dans les figures des trois buveurs, présentées avec des traits bruts, des lignes claires et des angles marqués, tandis que la figure de l'ange apparaît évanescente, floue, encadrée dans l'unique lumière qui vient de la porte ouverte.