PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Paysage avec Rivière 1906

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme un peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent animés par l';inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, délaissant la technique pointilliste. Tout en privilégiant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'engageant également dans les marines et les natures mortes. Dans cette œuvre, toujours de la première période, Maggi dépeint un aperçu de la campagne traversée par une rivière calme, bordée de rangées d'arbres dénudés et de petites collines herbeuses, derrière laquelle dominent les fermes : déjà plus liées aux techniques divisionnistes, les l'œuvre est plutôt caractérisée par des mélanges de couleurs denses et opaques, dans lesquels la terre, l'eau et les fermes se superposent dans un continuum rompu uniquement par la bande de ciel au-dessus. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Peinture à l'huile sur toile. D'une saveur bucolique et sereine, la scène se déroulant dans la campagne en bordure du village que l'on aperçoit sur la gauche, voit une femme et son fils qui, près d'un ruisseau, attendent le berger avec son troupeau avec un panier repas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. Composition Riche avec bassin plein de fleurs panachées, bol de fruits aux pêches, citrouille coupée et chardonneret qui cueille les grains de la grappe de raisin posée sur la table. Elle fait partie de cette vaste production de natures mortes composites qui, au XVIIIe siècle, dépourvues de tout sens allégorique ou symbolique, visaient un but purement décoratif ; il reprend des objets inanimés multiples, composites, vivants, souvent flanqués d'un élément vivant, un animal comme le chardonneret dans cette œuvre, qui maintient le lien avec la vie et le quotidien. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Huile sur toile, appliquée sur panneau dur dans la seconde moitié des années 1900. La peinture reprend les voies picturales du XVIIIe siècle, avec une découpe décorative. Dans un paysage paisible, avec une structure architecturale sur la droite et la vallée verdoyante avec la rivière qui s'ouvre sur la gauche, deux personnages marchent le long du chemin, une femme avec son paquet de vêtements et le voyageur avec une sacoche et un bâton. L'œuvre est présentée sous forme de chronique.

Huile sur table. Le tableau reproduit picturalement la célèbre sculpture de Michel-Ange, la Pietà de San Pietro ou Pietà Vaticana. La composition des personnages est assez fidèle à l'ouvrage de référence, mais, en plus d'être peinte en couleur, elle est placée dans un décor à ciel ouvert qui renvoie à la peinture de la Renaissance, avec la colline du Calvaire émergeant en ombre sur la gauche. Un blason est peint en bas à gauche, évoquant un patronage noble. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque. Il a plusieurs taches et petites gouttes de couleur.

Peinture à l'huile sur toile. La scène représente un concert de chambre : au centre, le joueur d'épinettes, derrière lui la flûte à bec et à droite le maestro qui dirige, qui écoute attentivement et bouge sa main droite pour accompagner les mouvements musicaux ; derrière le trio, mesdames et messieurs écoutent en souriant et en participant. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du XIXe siècle.

Lombardie-Veneto

Sculpture en bois de tilleul, peinte en polychromie et représentant Saint Pascal Baylon (1540-1592) en adoration de l'Eucharistie, qu'il tient de la main gauche dans un ostensoir désormais dépourvu de l'étui soleillé. Reconnaissable, ainsi que pour l'attitude typique de son iconographie, aussi pour l'habit franciscain et le visage imberbe. La proclamation aux Bienheureux en 1618 constitue un terme post quem pour la réalisation de la sculpture, confirmation également donnée par la figure stylistique de la ciselure, notamment par les épaisses mèches de cheveux, la bouche charnue et les paupières lourdes, caractéristiques de la sculpture. de la première moitié du Six-cent.

Peinture à l'huile sur toile. Le tableau porte en haut le nom de l'artiste (Giovani Piana) et la date de création 1616. Il représente Saint Simon tenant un livre et une scie, son attribut iconographique qui indiquerait le martyre qu'il a subi. Restauré et rentoilé, le tableau présente des traces de restauration le long des marges.

Le Miracle de Soriano

Peinture à l'huile sur toile. La toile raconte le miracle de Soriano : dans cette localité de Calabre, la Madone avec Marie-Madeleine (reconnaissable au pot d'onguent) et Catherine d'Alexandrie (portant la palme du martyre), apparaîtrait en 1530 à un jeune dominicain, pour lui donner une image de San Domenico à placer dans le couvent qu'il fit construire. Une belle version du tableau est celle de Grechetto, de 1654-1655, conservée à Gênes : la nôtre semble s'inspirer de cette œuvre, qui re-propose la composition tendue des figures. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Scène d'intérieur

Huile sur toile. Non signé, mais au dos il y a une dédicace "Alla signora Clelia Mazzioli, con stima Gaetano Bellei 23 gennaio 1909". La grande scène, se déroulant dans une cuisine populaire, voit une femme lire des cartes à deux filles, qui demandent des explications en désignant les personnages qui apparaissent et semblent les comparer à un texte appuyé sur la chaise. L'œuvre rappelle la peinture de Gaetano Bellei, en raison du fort réalisme avec lequel le peintre peint surtout des scènes de la vie paysanne quotidienne ; il est considéré comme un maître de la représentation des affections humaines et des réactions et sensations humaines. La peinture a de légères gouttes de couleur. Il est proposé dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans le portrait de ce gentleman, la robe de chambre confectionnée dans un élégant tissu fleuri se détache particulièrement, dans des tons de rouge brique qui rappellent la couleur de la perruque. La sévérité de la pose et le regard austère du personnage contrastent presque avec l'élégance presque frivole de son habillement. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du début des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Le sujet mythologique qui représente ensemble les deux divinités, symbole de l'amour profane, a été amplement illustré dans l'art : comme dans cette œuvre, Vénus est généralement représentée dans une attitude languissante, tout en exhibant sa Beauté nue ; Cupidon, habillé en puto ailé, est résolu à extraire du carquois un de ses dards qui provoquent l'amour, dont l'un est déjà planté dans le tronc derrière la déesse. En arrière-plan un paysage italien, avec une petite structure architecturale. La forme du tableau fait référence à un cadre de forme originale. Restauré et rentoilé, le tableau est actuellement présenté dans un cadre d'époque.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Allégories de la Prudence et de la Justice

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIe siècle. Les deux tableaux font probablement partie d'un groupe représentant les quatre vertus cardinales, à savoir la Justice, la Prudence, la Tempérance et la Force. Les allégories sont représentées par des figures féminines, portant certains des symboles attributifs des vertus qu'elles représentent. La justice se reconnaît aux deux attributs les plus courants, la balance, symbole d'équité et d'équilibre, et l'épée, signe du pouvoir distributif. La prudence a aussi avec elle deux symboles : un miroir, symbole de circonspection qui permet d'éviter les pièges du mal (il permet de regarder derrière soi) ou encore symbole de connaissance de soi ; et un serpent, symbole d'éternité et de temps, mais aussi symbole de prudence (dans l'Evangile, Jésus dit : "Je vous envoie comme des brebis au milieu des loups ; soyez donc prudents comme des serpents et simples comme des colombes"). Les deux toiles, précédemment restaurées et rentoilées, sont en bon état. Ils sont présentés dans un cadre ancien en bois sculpté et laqué, avec de petits défauts et endommagements actuels.

Peinture à l'huile sur toile. L'aperçu côtier, près d'une crique rocheuse où coulent des eaux torrentielles, voit des personnages au débarcadère des navires, prêts à accueillir les bateaux qui s'approchent ; au loin le profil de la ville. Restauré et rentoilé, le tableau présente des salissures généralisées notamment en correspondance avec le ciel. Il est présenté dans un cadre élégant.