Tableau Portrait de S. Simon Huile sur Toile Italie 1616

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. École de l'Italie du Nord des XVIIe-XVIIIe siècles. La scène voit au centre la figure du Christ ressuscité qui, assis sur les nuages, tient la Croix d'une main et de l'autre pointe vers le bas, où son regard est également dirigé, vers les destinataires de la Rédemption ; Il est entouré d'anges et est éclairé par un faisceau de lumière intense qui se projette en diagonale depuis le coin supérieur gauche, brisant les nuages, symbolisant la présence de Dieu le Père. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXème siècle.

Huile sur toile. Marie est représentée ici dans une attitude de recueillement intérieur souffrant, le regard tourné vers le bas, la tête appuyée sur sa main, l'expression triste ; bien qu'elle soit auréolée, la dimension humaine, la mère souffrante, prévaut dans ce tableau. Derrière lui un paysage désert et aride, accentuant la solitude et la souffrance. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École italienne des XVIIe-XVIIIe siècles. Marie et l'Enfant Jésus, debout à genoux, sont déjà représentés dans la gloire du ciel, avec de petits anges à leurs côtés. Les colliers et bracelets de corail portés par l'Enfant sont particuliers : dans la symbolique chrétienne, la couleur de ce matériau représente le sang que Jésus devra verser ; de plus, depuis l'Antiquité, le corail était également considéré comme un talisman de protection contre le mauvais œil et les forces du mal, et les petits enfants en étaient ornés pour les protéger du malin. Le tableau est sur première toile et présenté dans un cadre ancien contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Peinture à l'huile sur toile. L'identification de la sainte est donnée par la présence de la grande roue en bois, symbole de l'instrument de son martyre. Habituellement, la sainte est représentée avec une couronne sur la tête et vêtue de vêtements royaux pour souligner ses origines princières. Nous avons ici plutôt une représentation atypique d'elle, les cheveux détachés, recouverts uniquement d'un grand manteau rouge (couleur du sang, donc de l'humanité mortelle) qui tombe de ses épaules et l';oblige à couvrir ses seins avec ses mains ; son regard est tourné vers le haut, où le ciel s'ouvre et un ange descend, tenant d'une main la palme du martyre et de l'autre posant une couronne de fleurs sur sa tête, symbole de son mariage mystique avec le Christ. Il s'agit donc d'une représentation qui la voit au moment du passage à la vie éternelle, semblable à une Madeleine pénitente en adoration mystique, qui s'offre au Christ sans aucune reconnaissance humaine. Les choix chromatiques ressortent dans le tableau, qui sur un fond sombre et lugubre font ressortir le rouge du ciel ouvert et du manteau, et la blancheur de la chair, tant de la femme que de l'ange. La toile, déjà restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre travaillé de la fin du XIXème siècle, présentant quelques défauts.

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord des XVIIe-XVIIIe siècles. La scène montre l'affrontement entre chevaliers hors des murs d'une ville assiégée, avec la fumée des armes à feu envahissant le ciel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté. La scène montre l'affrontement entre chevaliers hors des murs d'une ville assiégée, avec la fumée des armes à feu envahissant le ciel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté.