L'Arc en Ciel J. Jordaens Attr. Huile sur Toile École Nord-Européenne - "L'arc en ciel" XVIIIe Siècle

Aaron avec Moïse devant le Pharaon

Huile sur toile. XVII-XVIIIème siècle. La grande scène raconte un épisode biblique du livre de l'Exode, dans lequel Aaron avec Moïse devant le pharaon d'Égypte, transforme son bâton en serpent, pour imiter les tours que les magiciens égyptiens avaient fait pour les effrayer. Le Pharaon assis sur son trône à gauche, entouré de serviteurs, et les magiciens à droite, observent le miracle dans la consternation et l'effroi, tandis qu'au centre Aaron, reconnaissable à la coiffe sacerdotale, indique l'événement tandis qu'à ses côtés Moïse, avec le doigt levé indique le ciel, pour renvoyer le miracle à la puissance divine. Le serpent a ici la forme d'un dragon ailé, qui piétine les serpents des mages égyptiens. La typologie de la scène et les modes picturaux se réfèrent à la production d'Antonio Molinari (1655 -1734), l'un des représentants les plus autorisés de la peinture vénitienne au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, qui se distingue par son style personnel, caractérisé par une théâtralité accentuée des gestes, d'une palette vive et d'une remarquable fluidité du coup de pinceau. Molinari a obtenu un succès considérable avec la production de peintures de chambre représentant des épisodes de nature historique, mythologique ou biblique, qui ont été largement reprises et re-proposées. La grande toile, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre de style.

Le modèle dérive d'une gravure de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël, spécialement réalisé pour le travail graphique, dérivant d'un tableau placé dans la Stanza della Segnatura (1513-1515). Ce modèle fut repris et modifié par Hans von Aachen dans une toile datée de 1588 et aujourd'hui conservée au Musée de la Chartreuse de Douai, reprise à son tour dans une gravure de l'année suivante par Raphaël Sadeler, dans le Cabinet des Dessins et Estampes de l' « Académie de Bergame Carrara. La toile en question est dérivée de cette dernière version, qui reprend les mêmes modifications apportées par rapport à l'original raphaelesque. Au centre de la scène, qui se déroule immergée dans un paysage naturel, se trouvent les trois déesses qui se disputaient le titre de la plus belle : Junon avec le paon, son animal symbolique, Vénus accompagnée de Cupidon et Minerve à côté de laquelle se trouvent les casque, lance et bouclier. Paris, de dos, remet la pomme d'or qui décerne vainqueur à la déesse de l'amour, sous le regard du juge Mercure. Deux angelots virevoltent autour des protagonistes, tandis qu'au premier plan, toujours de dos, figure un personnage masculin. Un pensionnat de campagne prend place sur la pelouse arrière. L'œuvre, comme en témoigne un petit rouleau, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais pour qui il est possible d'émettre des hypothèses sur l'étendue de son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par la savante Federica Nurchis et placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Ces peintures présentent un chromatisme chaleureux et raffiné qui, associé à l'élégance des personnages et à la modalité de composition, suggère un séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. Présenté dans un cadre doré du 17ème siècle, restauré et rentoilé.

Paysage avec architecture et personnages

Huile sur toile. Le grand paysage est dominé par une imposante structure architecturale avec des colonnes surplombant la mer, qui occupe toute la partie centrale de la toile, tandis qu'une forteresse se dessine sur la droite. La scène est alors animée par de nombreuses figures de roturiers occupés aux activités quotidiennes : au premier plan à gauche, sur le quai, un groupe d'hommes attend le chargement de nombreuses caisses et malles. Le monogramme D.G. Cette abréviation, avec la modalité stylistique baroque, fait référence à l'attribution à Domenico Gargiulo, nom de scène du peintre napolitain Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Actif principalement à Naples, surtout dans les deux décennies entre le milieu du XVIIe siècle, le Gargiulo s'est imposé principalement comme peintre paysagiste et surtout pour avoir documenté les événements tumultueux de Naples au XVIIe siècle (éruptions, épidémies, révolte de Masaniello ). La spécialisation progressive dans la représentation des paysages ou des scènes de la ville, remplie de figurines présentées avec des descriptions minute et avec une attention à la réalité sociale populaire, signifiait que sa commission était principalement d'ordre privé, recevant des commissions de nombreux notables napolitains, régents, chevaliers et conclusion ses œuvres dans toutes les collections napolitaines les plus importantes de l'époque. Parmi ses principaux clients figurait également le grand collectionneur flamand Gaspare Roomer, à qui le Gargiulo devait sa fortune. Gargiulo insère souvent ses abréviations dans ses ouvrages, mais les date rarement ; il n'a été possible d'établir la datation de sa production que grâce à la réalisation d'une série d'œuvres pour les moines de la Certosa di S. Martino, qui a eu lieu entre 1638 et 1646, parmi les quelques œuvres religieuses qu'il a réalisées mais les seules en être documentées avec une certaine précision. La grande toile proposée ici est présentée dans un cadre élégant.

Huile sur toile. La grande scène se déroule à l'entrée d'un village près d'une halte pour les chevaux : de nombreux cavaliers sont à l'arrêt avec leurs bêtes, qui sont fournies par les domestiques et les villageois qui remplissent la mangeoire de foin ; l'un des serviteurs, à droite, fait abreuver les animaux dans le ruisseau voisin. Au fond, les maisons du village disposées le long de la rivière, qui se jette alors dans le paysage vallonné sur la droite. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures dans la bande inférieure. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Huile sur toile. Dans la grande scène se déroulant à l'extérieur, le laboratoire d'un maréchal-ferrant se dresse sur le côté gauche, avec l'intention avec ses aides de travailler les fers d'un cheval pendant que le propriétaire s'occupe de lui ; au centre arrivent d'autres chevaliers avec leurs serviteurs qui se rendent chez l'artisan ; à droite quelques personnages populaires se reposant au bord de la route. En arrière-plan, un grand paysage fluvial s'ouvre à droite, tandis qu'à gauche, l'accès au village, dominé par un bâtiment délabré, avec diverses figures populaires occupées à leurs activités : la femme qui s'apprête à allaiter un enfant , tandis que l'autre fils se enfuit l'escalier, une autre femme accrocher les vêtements sur le balcon de la maison construite sur pilotis sur le rocher, tandis qu'un homme monte l'échelle. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures et un trou dans la bande inférieure ; au dos quelques écussons d'une ancienne restauration. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.