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220 € 16000 € Appliquer

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25 cm 253 cm

28 cm 393 cm

1 cm 12 cm
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Paysages, natures mortes, portraits, visages, sujets sacrés, aperçus et vues d'artistes italiens et internationaux : dans cette section toutes les œuvres de la peinture ancienne disponibles dans notre catalogue.

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Paysage Huile sur Toile Italie XX Siècle
nouvelles
ARARPI0159214
Paysage Huile sur Toile Italie XX Siècle

ARARPI0159214
Paysage Huile sur Toile Italie XX Siècle

Huile sur toile. Le tableau, réalisé dans la première moitié des années 1900, reprend les œuvres paysagères dans le sujet et sur le mode pictural : dans un paysage riche en végétation et avec des pics en arrière-plan, un jeune roturier demande la charité à quelques voyageurs qui se reposent en bordure de route, près d'une arche en pierre. La toile a subi le vieillissement et est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

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88,00€

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Prêtre en Prière Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
ARARPI0154411
Prêtre en Prière Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

ARARPI0154411
Prêtre en Prière Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Un prêtre, agenouillé devant l'autel, tout en célébrant ou en se préparant à célébrer la Sainte Messe assisté d'un enfant de chœur à gauche et d'une religieuse à droite, adresse sa prière à deux saints, qui apparaissent au-dessus de sa tête comme une représentation de son méditation et prière intérieure. Sur l'autel se dresse la fresque dédiée à Marie intronisée avec l'Enfant Jésus, des anges et des saints. L'oeuvre présente différentes pertes de couleurs et est proposée dans un cadre doré de la fin du XIXème siècle, avec des manques.

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263,00€

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Pasquale Ottino
ARARPI0154382
Pasquale Ottino

La rencontre du centurion Corneille avec l'apôtre Pierre

ARARPI0154382
Pasquale Ottino

La rencontre du centurion Corneille avec l'apôtre Pierre

Technique mixte sur papier (fusain, plume, encre brune, aquarelle et céruse). Signé Pasqual Otin en bas à gauche ; provenant d'une collection privée, on retrouve les marques des deux collections précédentes, Dalla Bella et Frigerio. Le travail est également accompagné d'une étude critique par le dr. Francesco Vincenti et un certificat d'authenticité de la Collection Orler. Il s'agit d'un dessin passionnant de Pasquale Ottino dit Pasqualotto, peintre véronais (le patronyme Otin correspond à l'expression vénitienne) qui, après une période de formation à Rome, s'est lancé dans une carrière de peintre à Vérone marquée « par le luminisme caravagesque décliné en le style vénitien avec l'utilisation d'un colorisme robuste ". Dans ce dessin également, la tendance Contre-Réforme est déjà perçue, pour le sens de l'enseignement immédiat, lié à l'expressivité dramatique des personnages. L'épisode raconté, tiré des Actes des Apôtres, voit un centurion romain qui implore la bénédiction de Pierre, à l'intérieur d'une pièce éclairée par la fenêtre et remplie d'autres personnages du journal, le préposé à droite et le serviteur qui apporte du pain et du vin sur le plateau de gauche. Central est le regard intense entre les deux protagonistes, accompagné d'un soupçon de sourire sur leurs lèvres, pour exprimer la joie de la rencontre du Salut. Le travail est encadré avec style.

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Repos Pendant la Fuite en Égypte Huile sur Toile XVIII-XIX Siècle
ARARPI0153881
Repos Pendant la Fuite en Égypte Huile sur Toile XVIII-XIX Siècle

ARARPI0153881
Repos Pendant la Fuite en Égypte Huile sur Toile XVIII-XIX Siècle

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

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550,00€

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Sujet Sacré Huile sur Toile Italie XVII-XVIII Siècle
ARARPI0152910
Sujet Sacré Huile sur Toile Italie XVII-XVIII Siècle

ARARPI0152910
Sujet Sacré Huile sur Toile Italie XVII-XVIII Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVI-XVII Siècle
ARARPI0152909
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVI-XVII Siècle

ARARPI0152909
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVI-XVII Siècle

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

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Huile sur Toile Paysage avec Personnages France XVIII Siècle
ARARPI0153008
Huile sur Toile Paysage avec Personnages France XVIII Siècle

ARARPI0153008
Huile sur Toile Paysage avec Personnages France XVIII Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française de la fin du XVIIIe siècle. Dans une atmosphère romantique, mise en valeur par les nuances bleu-rose du ciel, une campagne verdoyante est représentée, traversée par une petite rivière (qui coule vers la mer en arrière-plan et peuplée de villages sur ses rives), sur laquelle quelques figures masculines et féminines en tuniques classiques, elles engagent des conversations. La peinture a de petits trous et des gouttes de couleur (marqué cretto). Il est présenté dans un cadre élégant.

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275,00€

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Portrait d'un Gentilhomme Huile sur Toile Italie XVII Siècle
SELECTED
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ARARPI0133840
Portrait d'un Gentilhomme Huile sur Toile Italie XVII Siècle

ARARPI0133840
Portrait d'un Gentilhomme Huile sur Toile Italie XVII Siècle

Huile sur toile. Ecole lombarde du XVIIe siècle. Le gentilhomme est représenté debout, grandeur nature, à l'intérieur de la maison ; il pose sa main droite sur une petite table recouverte de velours rouge, sous une fenêtre qui s'ouvre sur un grand paysage fluvial. Près de ses pieds, à gauche, le chien fidèle, lui aussi dans une pose digne et posée ; le riche collier en métal doré et travaillé se détache au niveau de son col, agrémenté d'un pendentif avec une pierre dure. Le costume noir dans lequel l'homme est vêtu se confond presque complètement avec le fond sombre et sombre de la pièce, si ce n'est pour les reflets sur les manches de la lumière qui pénètre par la fenêtre et pour la délicate dentelle blanche de la collerette et des poignets qui encadrent le teint rosé du visage et des mains. Le rendu qualitatif de l'oeuvre est remarquable, notamment dans le visage, bien défini dans ses traits et expressif, ainsi que dans les traits anatomiques de l'animal, dont le regard est aussi intense et pénétrant que celui du propriétaire. Le portrait fait partie de cette vaste production de portraits qui, à partir de la fin du XVIe siècle, devient, en Lombardie notamment avec Moroni, non plus seulement une présentation officielle et élitiste de personnages importants, mais une représentation des personnes dans leur naturel, dans leur véritable essence, représentée dans des poses moins statiques et dans des environnements moins officiels. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un beau cadre en bois sculpté et doré du début des années 1900.

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Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
SELECTED
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ARARPI0132252
Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

ARARPI0132252
Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole napolitaine du milieu du XVIIIe siècle. Le tableau propose le mythe grec du sacrifice d'Iphigénie, la fille du roi Agamemnon, chef de l'expédition achéenne qui devait partir pour Troie. La flotte grecque ne pouvant prendre la mer en raison de vents défavorables, le devin Calcante prédit qu'en raison d'une offense que le roi avait infligée à la déesse Artémis, elle s'opposait désormais à leur départ jusqu'à ce que le roi ne sacrifie sa jeune fille. sur l'autel. Iphigénie accepta courageusement le sacrifice et monta spontanément sur l'autel, mais au dernier moment Artémis, apitoyée, l'échangea contre un faon et prit la jeune fille vivante à Tauris, où elle devint prêtresse de la déesse qui l'avait sauvée. La grande scène, située à l'extérieur du camp grec au bord de la mer (les navires ancrés au fond à gauche, les tentes à droite), voit au centre la déesse Artémis qui échange la jeune et belle Iphigénie contre le faon, tandis que le le prêtre Calcante tient déjà le couteau sacrificiel ; à droite le désespoir du roi Agamemnon et de sa femme Clytemnestre. La peinture est de manière stylistique proche de la production de Fedele Fischetti (1732-1792), l'artiste napolitain qui s'est consacré principalement aux scènes allégoriques/mythologiques, notamment dans ses premières œuvres des années 1860. L'oeuvre présentée ici a été vendue aux enchères chez Sotheby's en avril 1998. Restaurée et rentoilée, elle est présentée dans un cadre de style.

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Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle
ARARPI0149624
Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle

ARARPI0149624
Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. C'est un grand paysage vallonné, riche en végétation et traversé par un petit ruisseau, le long duquel deux hommes, au centre de la scène ci-dessous, pêchent dans un bassin d'eau. Au-dessus d'eux, un ciel plein de nuages, qui s'estompent au loin, évoquant des pluies imminentes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu des années 1900.

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750,00€

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle
ARARPI0148816
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

ARARPI0148816
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle
ARARPI0150832
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

ARARPI0150832
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIe siècle. Née à Alexandrie en Égypte vers 344, Maria Egiziaca était une religieuse et ermite égyptienne, vénérée comme sainte par les Églises catholique, orthodoxe et copte. Après une jeunesse dissolue, Marie arrive à Jérusalem à la suite d'un groupe de pèlerins et s'y convertit à la foi chrétienne, commençant une vie de pénitence dans le désert. Dans l'iconographie, elle est représentée comme une pénitente près d'une grotte avec de longs cheveux couvrant son corps et avec les trois pains qu'elle a emmenés dans le désert. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré du XIXe siècle.

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450,00€

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Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle
ARARPI0150725
Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle

ARARPI0150725
Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

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Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle
ARARPI0150724
Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle

ARARPI0150724
Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

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Louis Dorigny Attr. Huile sur Toile France XVII-XVIII Siècle
ARARPI0148941
Louis Dorigny Attr. Huile sur Toile France XVII-XVIII Siècle

Erminia parmi les bergers

ARARPI0148941
Louis Dorigny Attr. Huile sur Toile France XVII-XVIII Siècle

Erminia parmi les bergers

Huile sur toile. La grande toile raconte un épisode tiré de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, dans lequel la jeune Erminia, princesse d'Antioche secrètement amoureuse de Tancrède, assiste à la blessure de son bien-aimé en duel. Poussée par l'amour, elle porte donc les armes de la guerrière Clorinde, son amie proche, et la nuit elle sort pour rejoindre son bien-aimé Tancredi et le guérir. Mais dans le camp chrétien un rayon de lune l'éclaire et, prise pour Clorinde par les sentinelles, elle est forcée de prendre une fuite précipitée : c'est ainsi que cela se passe dans un village habité par des bergers qui vivent loin de la guerre dans un espace idyllique , où elle demande et obtient d'être hébergée quelque temps dans le (vain) espoir d'oublier son amour malheureux. L'oeuvre, déjà attribuée à Carlo Loth, relève plutôt de la production de Louis Dorigny, le peintre parisien qui vécut longtemps en Italie, à Rome, à Venise et enfin définitivement à Vérone, où il obtint de nombreuses commandes de Véronèse mais également de clients vénitiens et lombards, étendant son activité de peintre de fresques de Bergame à Udine. A Vérone depuis le début du siècle, les préférences dans le domaine de la peinture vont vers un langage classiciste complexe dans la composition, mais calme et élégant, même dans les grandes œuvres décoratives. Dorigny se conforme à ce tableau qui mêle dans cette toile le classicisme équilibré de Simon Vouet (dont il était le petit-fils) au clair-obscur appris à Rome et à la calme élégance vénitienne. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

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Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
SELECTED
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ARARPI0141918
Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

ARARPI0141918
Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIIème siècle. De grand impact et de bonne qualité exécutive, l'œuvre se réfère en quelque sorte aux œuvres de Leonardo Coccorante (1680-1750), un artiste napolitain connu pour ses paysages à grande échelle très détaillés caractérisés par des ruines architecturales classiques, confirmant ainsi l'hypothèse de travailler dans la région napolitaine. Toute la scène est occupée par d'imposantes structures architecturales, de style baroque, parmi lesquelles se déplacent diverses figures. En particulier, au centre au premier plan, des soldats à cheval, en armure romaine antique, dirigent une escouade d'infanterie armée de lances et précédée de trompettistes ; tous sont attentifs à admirer la ville dans laquelle ils pénètrent, tandis qu'autour d'eux, des citoyens attentifs à leurs activités les observent. Restauré et rentoilé, le tableau présente encore quelques manques de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle
ARARPI0057330
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

ARARPI0057330
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

Peinture à l'huile sur toile. L'Immaculée Conception est un dogme catholique, proclamé par le pape Pie IX le 8 décembre 1854, qui établit comment la Vierge Marie a été préservée du péché originel dès le premier instant de sa conception. Le cheminement historique qui a conduit à sa définition a duré au moins quatre siècles, au cours desquels de furieuses querelles théologiques se sont entremêlées, notamment entre franciscains et dominicains. Le thème de l'Immaculée Conception a commencé à apparaître dans les œuvres artistiques dès que le débat a commencé, Initialement, le thème a été abordé par les artistes gothiques de manière cryptique, renvoyant le spectateur à la conclusion, mettant peut-être une série de symboles et de métaphores facilement décodables. Au XVe siècle les œuvres d'art deviennent plus évidentes, mais c'est à partir du XVIIe siècle, avec la Contre-Réforme, que s'établit l'image iconographique la plus connue de ce dogme. Les personnages essentiels sont ceux de la femme de l'Apocalypse : une femme toujours jeune - parce qu'elle a été choisie et conçue avant toute l'humanité -, vêtue du soleil (la lumière qui rayonne par derrière), couronnée de douze étoiles surmontées de une apothéose d'angelots, reposant leurs pieds sur un croissant de lune et souvent, comme dans cette représentation, écrasant la tête du dragon apocalyptique vaincu ; Elle a les yeux tournés vers le ciel, dans une attitude contemplative, les mains souvent jointes en prière, parfois grandes ouvertes et tendues vers le haut dans un geste d'élan. Dès lors, la production picturale de ce sujet est devenue très large et extrêmement variée, précisément dans le sillage des contestations qui l'ont impliqué. Des productions similaires à celle proposée ici se retrouvent, à la fin du XVIe siècle, notamment entre la Lombardie et Gênes. Stefano Maria Legnani, dit il Legnanino (1660 -1715), peut être cité comme exemple lombard. Dans le contexte ligure, en particulier à Gênes, où l'image de l'Immaculée Conception a eu une diffusion extraordinaire de la fin du XVIe siècle à tout l'âge baroque, devenant un thème central à travers des peintures et des sculptures dans les programmes décoratifs des bâtiments de la ville , on retrouve ce sujet représenté très proche de celui proposé, dans la production de Paolo Gerolamo Piola (1666-1724). Le tableau présenté ici, restauré et rentoilé, est encadré avec style.

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle
ARARPI0146700
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

ARARPI0146700
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Di Rosa, qui attribue l'œuvre à "l'école vénitienne de 1600". La grande scène, riche en figures et très animée dans l'entrelacement et la superposition des corps, raconte l'épisode de l'évangile de Jean dans lequel une femme surprise en adultère est amenée devant Jésus par des scribes et des pharisiens pour connaître son opinion sur la sa peine d'être lapidé. Jésus, tout en écrivant sur le sol avec son doigt, exhorte ses interlocuteurs à être miséricordieux avec la phrase "Que celui qui est sans péché jette la première pierre", sauvant ainsi la femme de la condamnation à mort et la laissant libre de partir, avec le exhortation à ne plus pécher. Le sujet a été largement re-proposé dans l'art, avec des points de vue différents sur les personnages. Dans ce tableau, la femme occupe une position centrale, mais tous les autres personnages qui l'entourent font converger le regard vers le bas, vers la main avec laquelle Jésus, accroupi, écrit par terre ; le visage et le bras droit de la femme sont pratiquement parallèles à ceux du Christ, comme s'ils suivaient et se conformaient à la direction que Jésus lui indique. Dans les autres nombreuses figures dominent la curiosité, l'intention de comprendre, la question que Jésus soulève avec sa question, représentée dans de multiples variantes expressives des visages et des corps ; curieux est le détail des lentilles - les lunettes du prêtre dont la tête sort derrière la femme et la loupe du personnage accroupi à gauche en arrière-plan - que deux personnages utilisent pour "mieux voir" ce qui se passe. Les modalités picturales et interprétatives de la peinture rappellent la production vénitienne proche de Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), l'artiste vénitien dont la peinture représente la voie médiane entre la grande tradition de la peinture baroque tardive semblable à Luca Giordano et la sensibilité coloristique innovante typique de grâce du XVIIIe siècle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle
ARARPI0146701
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

ARARPI0146701
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Au dos cette étiquette de la Galerie d'Art avec l'indication "Ecole Vénitienne de 1600". L'épisode évangélique de la déposition du Christ de la croix est représenté. Le corps de Jésus, qui se détache blanc pour la pâleur de la mort mais aussi comme symbole de sa pureté, se détache au centre parmi les autres personnages, le seul inerte parmi les autres personnages. Ses bras encore ouverts alors qu'il est détaché de la Croix, constituent un lien entre les deux figures de Marie et Jean debout en dessous de lui, et le ciel. Autour de plusieurs figures qui créent en chorale du mouvement, des entrelacs, des formes et des couleurs. L'oeuvre restaurée et rentoilée est présentée dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

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Mercure et Argus Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
ARARPI0146689
Mercure et Argus Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

ARARPI0146689
Mercure et Argus Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur table. Ecole italienne du nord (vénitienne ?) du XVIIIe siècle. La forme de la table suggère que le tableau faisait partie d'un ensemble d'ameublement, inséré dans une structure murale composite avec d'autres scènes mythologiques et allégoriques. Le tableau représente un épisode mythologique relaté dans les Métamorphoses d'Ovide : Mercure s'apprête à endormir Argus avec les mélodies persuasives de sa flûte, puis le tue sur ordre de Jupiter. Argos, le berger aux cent yeux et doté d'une grande force, avait été chargé par Junon de veiller sur la jeune Io, aimée de Jupiter et transformée par lui en génisse. Dans cette représentation, placée dans un paysage bucolique, Mercure peut être identifié avec son chapeau et ses chaussures ailées, tout en jouant de sa flûte, et Argus assis regardant la génisse blanche derrière lui : comme dans de nombreuses représentations de ce mythe, également dans des œuvres de grande renommée , Argo est dépeint comme un simple berger, sans cent yeux et sans dons particuliers. La dimension bucolique plutôt que dramatique souligne l'intention décorative du panneau, qui cherche à évoquer la légèreté plutôt que le pathos. L'ouvrage est en bon état.

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725,00€

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