Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts. Die Komposition schlägt in der Mitte eine weibliche Büste vor, die wie ein skulpturales Bildnis dargestellt wird, für die Monochromie, die an Marmor erinnert; Es ist von einer Girlande aus bunten Blumen umgeben, die sich von oben aus gedrehten Zweigen erstrecken, während im Hintergrund eine Landschaft verblasst. Diese Art von Porträt entstand aus einer Lösung, die im flämischen Umfeld entstand und von Daniel Seghers in Italien verbreitet wurde. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde weist leichte Farbverluste auf. Es wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Der Weg von San Rocco (Camogli)

Öl auf Karton. Unten links signiert. Auf der Rückseite dieser Titel in Bleistift. Raul Viviani, ein äußerst origineller Landschaftsmaler, der mit Ölmalerei, aber auch mit Aquarellen und Gravuren experimentierte, kam der Divisionsmalerei sehr nahe, entwickelte jedoch seine ganz persönliche Technik, die durch sehr dünne Farbfäden in Form dünner Kommas gekennzeichnet ist, die das Bild definieren Strukturen seiner Landschaften. Mit seiner Versetzung nach Ligurien, bei der die Landschaft dieser Region zum Protagonisten seiner Werke wurde, veränderte sich seine Technik, weg vom ursprünglichen Divisionismus hin zu einem breiten und summarischen Pinselstrich, der schließlich in der letzten Periode zu einer Produktion von führte Naturtod mit heftigen und kontrastierenden Farben. Diese Landschaft kann auch in die ligurische Zeit eingeordnet werden und bietet einen Einblick in einen bekannten ligurischen Ort, der immer noch im charakteristischen Stil von Viviani wiedergegeben ist, bestehend aus Pinselstrichen in dünnen Fäden, die mit Flecken lebhafter Farbe in den Farbbereichen überlagert sind der Farben der Natur. Im Rahmen.

Öl auf dem Tisch. Die malerische Landschaft hat im Vordergrund rechts einen breiten Weg, der sich zwischen Wedeln und grünen Wiesen windet, auf denen Herden grasen; Eine kleine Bauernfamilie geht den Weg entlang, alle mit Warentransport beschäftigt: Sogar das Mädchen trägt ein großes Bündel auf dem Kopf, während die Mutter mit ihrem neugeborenen Sohn den Korb auf die gleiche Weise trägt! Im Hintergrund breitet sich die Ebene weit aus, um zu den fernen Hügeln und in den klaren und dünnen Himmel zu verblassen, der ein fast rosafarbenes Licht abgibt. Der Tannentisch des Gemäldes wurde restauriert und parkettiert. Die Arbeit wird in einem Rahmen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Süditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In der charaktervollen Szene steht in der Mitte die Figur eines Anführers, die in den Details der Rüstung, des Wappens und der Anatomie gut definiert ist: Mit der Bewegung seiner Arme begleitet er wohlwollend einen knienden Mann, der Zusammen mit seinem Begleiter huldigt er einem Kaiser, deutet jedoch mit ausgestreckter Hand auf die Gruppe von sechs Kindern, die rechts von den Soldaten zurückgehalten werden. Der Kaiser ist links vom Thron gestiegen und geht dem niedergestreckten Paar entgegen, aber auch er scheint sich fast in einer Haltung der Ehrfurcht gegenüber dem zentralen Anführer zu befinden. Die Szene scheint sich auf eine historische Gnadenepisode eines Anführers zu beziehen, bei dem es sich aufgrund seines Alters, seiner Gesichtszüge und der Art der Rüstung um Alexander den Großen handeln könnte, eine Figur, die jedoch nur schwer mit der anderen mit Lorbeer gekrönten Figur in Einklang gebracht werden kann , der im prächtigen Palast vom Thron herabsteigt. Es ist daher nicht möglich, die Bezugsepisode (historisch oder legendär?) genau zu identifizieren. Darüber hinaus wird der kompositorische Reichtum der Szene gewürdigt, wobei zahlreiche detaillierte Figuren und leuchtende Farben ihre Dynamik unterstreichen. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Die Landstraße

Öl auf Hartfaser. Unten links signiert. Raoul Viviani, der als Kind mit seiner Familie 1898 nach Mailand gezogen war, schrieb sich noch sehr jung an der Brera-Akademie ein, wo er unter der Leitung von Giuseppe Mentessi (1857-1931) studierte. Gleichzeitig besuchte er die Aktschule der Künstlerfamilie, mit der er erstmals im Alter von 17 Jahren ausstellte und sofort großen Erfolg bei Publikum und Kritik feierte, als Landschaftsmaler mit starker Persönlichkeit und Modernität und für sein höchst origineller Stil, der von starken chromatischen Experimenten geprägt ist. 1912 nahm er an der Biennale in Venedig und in der Folge an zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen teil. Ab 1926 begann er seine Karriere im Bereich der Kunstkritik und schrieb für verschiedene Zeitungen, aber seine Opposition gegen den Faschismus veranlasste ihn, das freiwillige Exil zu wählen: 1931 zog er nach Uruguay, wo er die Akademie der Schönen Künste von Montevideo gründete und leitete. 1937 nach Mailand zurückgekehrt, nahm er seine Tätigkeit als Maler und Kritiker wieder auf. In den 1950er Jahren zog er aus gesundheitlichen Gründen nach Rapallo und blieb dort bis zu seinem Tod. Äußerst origineller Landschaftsmaler, der sich mit Ölmalerei, aber auch mit Aquarell und Gravur beschäftigt, der pointillistischen Malerei jedoch sehr nahe steht und eine ganz eigene Technik entwickelt, die sich durch hauchdünne Farbfäden in Form von dünnen Kommas auszeichnet, die die Strukturen definieren seiner Landschaften. Mit seiner Übertragung nach Ligurien wird die ligurische Landschaft zum Protagonisten seiner Werke und auch seiner stummen Technik, die sich vom ursprünglichen Pointillismus wegbewegt und sich einem breiten und summarischen Pinselstrich öffnet, der schließlich zu einer Produktion von Stillleben aus heftigen und kontrastierenden führt Farben. In diesem Werk, in dem die technischen Eigenschaften von Viviani sehr geschätzt werden, erscheint entlang des Feldwegs, der entlang des Kanals verläuft, eine Frauenfigur, die eine Ausnahme in seiner Produktion darstellt, der normalerweise figurative Elemente fehlen. Im Rahmen arbeiten.

Weibliche Figur auf Pferd

Öl auf Holzbrett. Oben rechts signiert. Maurizio Goracci, alias Mago, ist ein römischer Maler figurativer Themen. Das Werk stellt eine nackte Frau dar, die in ein rosa Tuch gehüllt ist und auf einem grasenden Pferd sitzt: MaGos Figuren sind zwar gut definiert, aber immer vor einem surrealen Hintergrund platziert, der in scharfen Farben schattiert ist, was ein Gefühl des Fantastischen vermittelt. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Sperrholz

Charles Moody (1979), Öl auf Sperrholz. Signiert auf der Rückseite. Die Arbeit wurde in der Einzelausstellung "Grenzland" an der Galerie 8 in Mailand Corso Venezia, ausgestellt, wie das Papier auf der Rückseite Lable belegt. Charles Moody absolvierte im Jahr 2003 am Art Institute of Boston, und nach drei Jahren in Mailand, wählt in New York leben. In seiner Kunst ist der Fokus bei der Verhandlung (Konzeptkunst, Prozesskunst) statt auf den Bildinhalt und es in diesem Schrott ist, dass die Malerei vom Feinsten. Eine Kunst, die durch die Genehmigung von Fernsehbildern (fast nie Filme) und vor allem aus beliebten Seifenopern erstellt wurde. Moody's Arbeit geht über die Massenmedien Bild durch Anpassen der Auswahl für besondere Bilder, die aus seiner Sicht eine potenzielle Erzählung bieten; Bilder des Übergangs, sind Momente des Übergangs von einer Szene zur nächsten. Der Künstler verwendet eine manuelle Ölgemälde, um die geringe Qualität des TV-Bildes preist die "Unschärfe" der Unschärfe zu reproduzieren. Wir sind einen Verlust der räumlichen Dimension in eine Zeitlichkeit verwechselt-diffuse-immaterielle konfrontiert, die schwierig ist, die Grenzen ("Grenzland") zu erkennen. Diese wahrnehmbare Verzerrungen führen, in welcher Zeit weitet erweitert, jedes Gemälde stellt eine "Indiscernibilità" in denen die Anerkennung des Objekts, die zweite nimmt Platz. Die Moody ist Chronik, Geschichte aber Aussetzung. (Von "Charles Moody, Borderland", kuratiert von Gianni Romano, Ausstellung Katalog, CorsoVeneziaOtto, November-Dezember 2009)

Tempera auf Papier, auf gedruckter Radierung. Französische Schule C. 1750-1770. Raffinierte Farbgebung eines zeitgenössischen französischen Drucks. Das orientalische Motiv sieht einen jungen Chinesen, der auf einem Weg im Freien, unter einer Pflanze mit exotischen Früchten, Tanzschritte andeutet. Die Qualität der Arbeit erinnert an die Produktion des französischen Rokoko, wie die von François Boucher (1703-1770) oder Jean Pillement (1728-1808), die zur Verbreitung der Chinoiserie in Europa beigetragen haben; del Pillement ist daran erinnert, dass er der Autor zahlreicher Zeichnungen und Kupferstiche chinesischen Stils war, die in zwei Bänden (1767-71) gesammelt und als Modelle in Europa weit verbreitet waren. Das vorgeschlagene Design muss gereinigt und restauriert werden. Es ist auf Karton aufgetragen und in einem Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Szene erzählt die biblische Episode des Buches Exodus, in der der kleine Moses, den seine Mutter in einem Korb dem Fluss anvertraut hatte, um ihn vor dem Massaker an den männlichen israelischen Kindern zu retten (auf Befehl des ägyptischen Pharaos, dies zu verhindern, dass die Israelis nicht getötet wurden). Die Menschen wurden zu zahlreich und konnten sich gegen die Sklaverei auflehnen), wird er von einer Dienerin der Tochter des Pharaos gefunden, die beschließt, ihn zu adoptieren und ihn rettet. Die Szene spielt am Ufer eines Flusses, aber in einer nicht-orientalischen Landschaft, mit architektonischen Strukturen auf der rechten Seite: zahlreiche Figuren, die das Gefolge der Prinzessin darstellen, in der Mitte zusammen mit dem Kind im Korb platziert. Die restaurierte Leinwand wurde auf einen modernen Keilrahmen gespannt. Es wird in der Chronik des 19. Jahrhunderts vorgestellt.

Malerei unter Glas, auf konvexer Glasfläche. Die beiden ovalen Gemälde bieten Landschaften, die durch Figuren von Menschen belebt werden, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen: In einem befindet sich die Umgebung in den Bergen mit kleinen Chalets unten am Bach und unter felsigen Gipfeln; in der anderen fließt stattdessen nachts ein ruhiger Fluss in der Nähe von bewaldeten Ufern, der vom Vollmond beleuchtet wird. Die Gemälde werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, die aufgrund von Mängeln restauriert werden müssen.

Öl auf Leinwand. Toskanische Schule, 17. Jahrhundert. Der christlichen Überlieferung zufolge war die heilige Veronika die "fromme Frau", die, als sie sah, wie Jesus das Kreuz trug und sein Gesicht mit Schweiß und Blut beschmiert war, es mit einem Leinentuch abwischte, auf dem der Abdruck des Gesichts Jesu zurückblieb. Veronika erscheint ebenfalls in der Mitte des Gemäldes, während zwei Engel an den Seiten das Leinentuch halten, auf dem das mit Dornen gekrönte Antlitz Christi abgebildet ist; darunter fängt ein Kelch symbolisch das göttliche Blut auf, während über der Theta der Heilige Geist schwebt. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Ein lächelndes junges Mädchen ist in einem eleganten schwarzen Kleid dargestellt, das mit Spitze am Ausschnitt und einem Spiel aus roten und grünen Spitzen und Bändern an den Ärmeln verziert ist, die zum rot bestickten Unterrock passen; sie trägt ihre Juwelen um Hals, Handgelenke, Ohren, in der Frisur ihres Haares, wo die Strenge der Perlen durch farbige Bänder aufgehellt wird; in der Hand hält sie einen Blumenstrauß, der ihre Anmut und Anmut unterstreicht. Restauriert und unterfüttert, auf der zweiten Leinwand steht, wahrscheinlich eine Kopie des Originals auf der ersten Leinwand, die darauf hinweist, wer die junge Frau ist: \"Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D\'etta Anni XVIII “, gefolgt von einem Wappen mit den Initialen C FAS Diese Schrift hebt nicht nur den Namen und das Alter hervor, sondern hebt die Zugehörigkeit der jungen Frau zum Kolleg der Jungfrauen Jesu in Castiglione delle Stiviere hervor, das 1608 von der Marquise Guidonia Gonzaga zusammen mit den beiden Schwestern Cinzia und Olimpia, alle Neffen von , gegründet wurde San Luigi Gonzaga. Dieses College hatte den Zweck, jungen Adligen oder jungen Leuten aus guten Familien eine Ausbildung zu vermitteln, die mit der dem College gespendeten Mitgift zu dessen Lebensunterhalt beitrugen. Das Portrait weist kleinere Mängel auf. Es wird in einem alten, nicht zeitgenössischen Rahmen mit kleinen Mängeln präsentiert.

Vierteilige Komposition, 1978

Mischtechnik auf Leinwand, aufgetragen auf Holztafeln, die eine Abfolge vorschlagen. Unten rechts die Initialen des Künstlers GB und die Nummerierung der Tafeln; Auf der Rückseite jeder Tafel befindet sich die vollständige Signatur mit dem Datum und den folgenden fortlaufenden Titeln: „Von Bosch“, „Deklination einer Eule“, „Transkription“ und „Verschwinden für Koketterie“. Gabriella Benedini hat ihre Figur als Künstlerin definiert als „Nomadin auf der Suche nach der tiefen Bedeutung der Dinge“. Obwohl Gabriella Benedini zunächst von der abstrakt-informellen Malerei, vom existenziellen Realismus und dann von der Neuen Figuration angezogen und interessiert ist, betreibt sie eine rein persönliche Forschung, die keiner bestimmten Strömung zugeordnet werden kann. Alle Die siebziger Jahre waren hauptsächlich von Bildwerken geprägt, die literarische Ideen widerspiegelten, die durch ihr Bedürfnis nach Wachstum und Vergleich gefiltert wurden. Durch ihre Leidenschaft für die Alchemie begann Benedini, alles, was sie konnte, in Kunstwerke zu verwandeln. Griffbereit; Muscheln, Seiten von Alte Bücher, Flaschen, alles fügt sich zu einem harmonischen Ganzen zusammen, das an Räume erinnert. Seine Werke werden daher vor allem dreidimensional oder zum Aufhängen an der Wand oder sind Skulpturen, auch große. Die vier Tafeln werden hier in einem einzigen Rahmen präsentiert.

Vor dem Abendessen 1970

Öl auf Hartfaserplatte. Signatur, Datum und Titel oben rechts. Udo Toniato, ein naiver Maler, ist bekannt für seine Werke, die die Geschichte seiner Heimat, der Bassa del Po, mit ihren Charakteren erzählen. Hier stellt er drei kleine Priester dar, die, mit Regenschirmen bewaffnet, um sich vor der Sonne der Bassa zu schützen, für die letzten Gebete des Tages, beobachtet von einer amüsierten Ziege, zur Votivkapelle an der Landstraße aufbrechen. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule des achtzehnten Jahrhunderts. Unter einem blauen Himmel ist eine große, ziemlich karge Landschaft dargestellt, mit einem Waldrand, der sich zu einem felsigen Tal hin öffnet, mit einem zwischen den Felsen fließenden Fluss und schneebedeckten Gipfeln im Hintergrund; im Vordergrund verstreut einige Hirtenfiguren mit ihren Herden. Auf dem Keilrahmen auf der Rückseite des Gemäldes verweist eine Kartusche auf Poussin, den Künstler, der den Klassizismus des 17. Jahrhunderts repräsentierte und dessen malerische Methoden den Autor des Gemäldes inspirierten. Das Gemälde, doubliert, wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

St. Georg 1992

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite in kyrillischer Schrift stehen der Titel, das Datum und der Ort in Bergamo. Der litauische Künstler, der derzeit zwischen Moskau, Italien und Großbritannien lebt und arbeitet, gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen russischen Künstler. In seiner großen Produktion finden sich Landschaften, Stillleben, viele Porträts berühmter Persönlichkeiten und seine surrealen Kompositionen, Ausdruck seiner eigentümlichen "Traumvision" der Realität. Auch in dieser Tabelle, wenn auch im Stil traditioneller Ikonen, wird die Darstellung des berühmten Heiligen Georg in einer surrealen Tonart vorgeschlagen, die sich auf De Chirico bezieht, wo eine Gans den Drachen ersetzt, der Kopf des Heiligen ein Ei ist, in umreißen da sie Zahlen von Zauber ..... eine deutlich unorthodoxe Interpretation sind! Das Brett hat einen vertikalen Schlitz. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule. In der Szene in einer Taverne wird ein Kampf zwischen zwei Männern beschrieben, die von den anderen Gästen und dem Wirt festgehalten werden; auf dem Tisch, neben dem unterbrochenen Mittagessen, die Karten des Spiels, das den Streit auslöste. Die ganze Szene ist voll von Figuren, roh und fast grotesk gemalt, mit sehr markanten, fast theatralischen Ausdrücken und Posen, die auch von leuchtenden Farben unterstrichen werden. Aufgrund dieser Eigenschaften, auf die Malerei passt gut in die Produktion von Genreszenen auf populären Aktzeichnen in seiner lebendigsten und charakteristischen Momente eingefangen, die aus dem siebzehnten Jahrhundert in Mitteleuropa erzeugt begann, vor allem in den Niederlanden, mit leichteren Themen zu ersetzen waren naturalistische und religiöse Malerei, die in Italien in der von flämischen und italienischen Malern in Rom entwickelten "Bamboccianti-Schule" einen besonderen Ausdruck fand. Das Gemälde wurde restauriert und unterfüttert. Es wird in einem Zeitraumrahmen präsentiert.

Jagdszene

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die große Szene in einer nordischen Landschaft mit dichter Vegetation unter undurchdringlichen blauen Gipfeln stellt den Höhepunkt einer Rehkitzjagd dar: Der Ritter, der den oberen Teil der Szene einnimmt, spießt verängstigt und niedergeschlagen die Beute auf in Qual; Rundherum nimmt das Hunderudel teil und rennt um den Reiter und die Beute herum. Unter allen sticht der Hund in der Mitte unten hervor, der einzige mit hellem Fell: Die intensive Helligkeit, die er ausstrahlt und die die präzise Gestaltung seines Fells, die bewegten Muskeln, den erhabenen Ausdruck des Tieres hervorhebt, macht ihn aus Sie machen sie zum Protagonisten der Szene und lenken den Blick auf sich selbst, während alle anderen Figuren, einschließlich des Ritters, zum Umriss werden, genau und präzise, ​​aber nicht zum Protagonisten. Es ist gerade die Genauigkeit bei der Bemalung der Tiere, die das Werk in die Nähe des Schaffens von Philip Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli, rückt: Ursprünglich aus Frankfurt stammend, dann nach Rom gezogen, wo er bis zu seinem Tod blieb, war dieser Künstler oben sehr aktiv alles als Tiermaler, im Vordergrund vor Landschaftshintergründen aufgenommen und mit satten Farben und intensiven Lichteffekten ausgeführt. Der große Erfolg, den er hatte, und die daraus resultierende sehr große Produktion (manchmal zu Lasten der Qualität der Werke) rechtfertigen die häufige Zuschreibung von Werken, deren Thema und Bildtechnik ihm nahe stehen, wie das hier vorgestellte, an diesen Maler. was jedoch nicht dokumentiert und validiert ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Spielende Putten

Öl auf leinwand. In der szene drei putten spielen im theater, die einem eine maske zu tragen, lachen und erschrecken, indem die begleiter, während das dritte fanciullescamente getarnt als wanderer. Restauriert.

Öl auf der Verkleidung. Nordeuropäische Schule des späten 19. Jahrhunderts. In der Komposition in einem Schuppen liegt gejagtes Wild auf einer Ebene; Auf der linken Seite erscheint die Schnauze des Jagdhundes, die jedoch auf ein Nest voller zwitschernder Vögel gerichtet ist, das sich über dem Deichsel der Kutsche auf der rechten Seite befindet. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.