ALTE MALEREI
 

Figuren mit herbstlichem Stillleben

Ölgemälde auf Leinwand. Die H.Sanders-Signatur befindet sich unten links auf dem Lauf. Die Szene, die draußen in einer Straße einer flämischen Stadt spielt, mit dem Kanal im Hintergrund auf der linken Seite, sieht im Vordergrund eine Gemüseverkäuferin hinter ihrem Stand, der mit einer abwechslungsreichen Komposition aus Wintergemüse aufgebaut ist, ein komponiertes Stillleben aus Blumenkohl, Kohl, Karotten, Maiskolben; Neben der Frau bietet ihr ein Passant mit einer Harpune auf der Schulter einen Fisch an, offenbar die Frucht seines Fangs, den er verkaufen möchte. Die Kulisse erinnert an Amsterdam, die Stadt, in der der niederländische Maler Hercules (oder Herkules) Sanders geboren wurde und lebte, der sich hauptsächlich als Porträtist etablierte, von dem aber auch eine Genreszene im Innenbereich bekannt ist, derzeit am Detroit Institute of Arts. datiert 1647 und betitelt „Frau putzt Fische“, deren weibliche Figur der Verkäuferin des hier vorgestellten Werkes sehr ähnelt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Flämische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Die große Szene spielt in einer riesigen nordischen Landschaft, in einem Wald voller verdrehter Pflanzen und auf der rechten Seite einer Stadt, die von felsigen Gipfeln überragt wird. Im Wald eine große Gruppe beliebter, aber auch hochrangiger Figuren, alle in orientalischer Kleidung, die einen Kreis um Johannes den Täufer bilden, dargestellt in seiner traditionellen ikonografischen Tracht (in Felle gekleidet, mit dem Stab, der vom Kreuz gekrönt ist). in die Schriftrolle gehüllt, zu seinen Füßen ein kleines Lamm): Der Blick des Johannes ist nach oben gerichtet, in einer Linie mit einem Vogel, der über den Baumwipfeln fliegt, eine symbolische Darstellung des Heiligen Geistes, der die Worte des Predigers inspiriert. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Eine Komposition aus bunten Blumen in hellen Farbtönen steht in einer Vase, die wie der Hintergrund schwarz ist, auf einem Marmorsockel, von dem nur der Sockel zu unterscheiden ist, da er mit einem ebenfalls schwarzen Stoff überzogen ist, von dem nur der Sockel schwarz ist Die goldenen Verzierungen stechen hervor und sind bereit, ein Spiel mit Kurven zu schaffen. Auf beiden Seiten der Oberseite ruhen zwei Vögel, links eine große Taube, die im Schnabel einen aus der Komposition gestohlenen Zweig hält, und rechts ein Rotkopfspecht. Am linken Rand öffnet sich eine Landschaft mit einem hohen, gebogenen Baum unter einem dunklen Himmel und einer Stadt im Hintergrund. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Putten, die Kartel spielen

Öl auf leinwand. In der szene, spielt in einer inneren, aber mit einem großen fenster als rahmen für eine landschaft, drei putten sitzen auf panchetti spielen mit karten, versucht, bauen eine burg. Restauriert.

Ölgemälde auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die große Szene stellt die berühmte Episode auf halbem Weg zwischen realer Geschichte und Legende dar, die erstmals von Tito Livio in seinen „Ab urbe condita libri“ (den Büchern der „Geschichte Roms von seiner Gründung an“) erzählt wird. Um die neu gegründete Stadt zu bevölkern, griff Romulus, Gründer und erster König der Stadt, zu einer List: Er lud die Sabiner, die in der nahegelegenen Stadt Curi lebten, zum Consualia-Fest zu Ehren des Gottes Neptun ein und entführte sie ihre Frauen. Das Gemälde stellt den Moment dar, in dem die Römer die Sabinerinnen entführten und sie gewaltsam ihren Gefährtinnen entzogen, unter den Augen des Königs, der hinter den Säulen des Tempels der Gottheit, des Gottes Neptun, erkennbar am Dreizack, verborgen blieb . In der Mitte auf der Rückseite befindet sich der Obelisk, der für die Römer als Kriegsbeute und Zeugnis kaiserlicher Stärke eine symbolische Bedeutung erlangte. Die vielen Figuren verflechten sich, jagen einander, überlappen sich und erzeugen Körperspiele und Farbeffekte. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Die große Szene ist voller Figuren in altorientalischer Kleidung, platziert in einer nordischen Landschaft, reich an Vegetation und mit Berggipfeln in der Ferne. Die linke Hälfte wird hauptsächlich vom Heiligen Johannes dem Täufer eingenommen, der entsprechend der traditionellen Ikonographie steht und dargestellt wird: Er ist in eine ärmliche Tunika aus Tierfellen gekleidet, hat aber einen roten Umhang um sich, Symbol des Martyriums; Mit einer Hand hält er den kreuzförmigen Stab, um den herum die Schriftrolle mit der Aufschrift „Ecce Agnus Dei“ gerollt ist, Symbol seiner Rolle als Vorläufer und Verkünder Christi, und zu seinen Füßen das Lamm selbst, Opferopfer und daher a Symbol für das Opfer Christi. Mit der anderen Hand zeigt Johannes auf jemanden zu seiner Rechten außerhalb des Bildausschnitts, bei dem es sich jedoch offensichtlich um Christus handelt: Diese Geste löst die Blicke der gesamten Menschenmenge auf der rechten Seite der Szene aus, einer vielfältigen Menschenmenge, die Geschlechter, soziale Klassen usw. repräsentiert Rassen unterschiedlich, was auf die Universalität der Botschaft des Täufers hinweist. Das zuvor restaurierte und unterfütterte Werk weist eine ausgedehnte Patina auf, die gereinigt werden muss. Es wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Im Porträt dieser nicht mehr jungen Frau, gekleidet in ein strenges schwarzes Kleid, das mit dem Hintergrund verschmilzt, wurden am Ende die weiße Spitze am Hals und an den Ärmeln sowie der abnehmbare Bauchgurt, oder besser gesagt der reich bestickte Latz, der einen Juwel vortäuscht, erfunden des 19. Jahrhunderts, um die tiefen Ausschnitte von Damenkleidern zu verdecken, in Anlehnung an den katholischen moralisierenden Einfluss des französischen Hofes; Die Frau zeigt dann ein feines Goldarmband an ihrem Handgelenk. Das im 19. Jahrhundert restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Kupfer. Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Das Gemälde, das mündlich Frans Francken dem Jüngeren (1581–1642) zugeschrieben wird, zeigt eine von Jesus vollbrachte wundersame Heilung: Während er mit seinen Jüngern geht, trifft er auf seinem Weg auf einen kranken Mann, der wahrscheinlich an Lepra leidet, einer Krankheit, die damit verbunden ist Isolation und Vertreibung aus der Stadt; Der Mann ruft Christus an, der das Wunder vollbringt und ihn heilt. Das Gemälde platziert das Ereignis am linken Rand der Szene im Vordergrund, wo die im typischen Stil der Zeit Christi gekleideten Figuren durch ihre leuchtenden Farben hervorstechen; Darüber hinaus ist die Landschaft, die den Rest der Szene ausfüllt, eindeutig nordisch, mit einem Fluss voller Wasser, der in einer Landschaft voller Vegetation fließt, und einer Stadt im Hintergrund unter Berggipfeln. Die bildliche Beschreibung der Vegetation ist akribisch und präzise, ​​reichhaltig und detailliert im Detail: der gebrochene Stamm im Vordergrund, die Wedel des großen Baumes hinter den Figuren, die hoch am Himmel fliegenden Vögel, die kleinen Blumen am Ufer Die Nuancen des Wassers, in dem sich Pflanzen und Wolken spiegeln, sind mit einer für die flämische Malerei typischen malerischen Raffinesse gemalt, die im Stil dem des großen Antwerpener Künstlers ähnelt. Das Gemälde wird in einem umfunktionierten antiken Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Szenerie, die auf dem Land am Rande des Dorfes spielt und links zu sehen ist, hat einen idyllischen und heiteren Charakter und zeigt eine Frau und ihren Sohn, die in der Nähe eines Baches mit einem Lunchkorb auf den Hirten mit seiner Herde warten. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule. Die Darstellung der Geburt Christi wird hier als besinnlicher Moment des Heiligen Kindes gesehen, von Maria und Josef, begleitet von kleinen Engeln. Die malerischen Wege knüpfen an die weit verbreiteten Vorbilder an, beginnend bei Correggio, von Barocci, bis hin zu den zahlreichen Versionen von Gherardo delle notte oder dem flämischen Maler Gerard von Honthorst, Vertreter des Tenebrismus, einer Bildströmung, die mit starken Kontrasten der Dunkelheit spielte und Licht, hell und dunkel. Auch in dieser Arbeit erhellt das Licht des Jesuskindes die Gestalten um ihn herum und lässt sie aus der umgebenden Dunkelheit hervortreten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des achtzehnten Jahrhunderts. Reich-Komposition mit Becken voller bunter Blumen, Obstschale mit Pfirsichen, einem geschnittenen Kürbis und einem Stieglitz, der Körner aus der auf dem Tisch stehenden Weintraube pflückt. Es ist Teil jener riesigen Produktion zusammengesetzter Stillleben, die im 18. Jahrhundert, jeder allegorischen oder symbolischen Bedeutung beraubt, rein dekorativen Zwecken diente; er griff in dieser Arbeit mehrere zusammengesetzte, lebendige, unbelebte Objekte auf, oft flankiert von einem lebendigen Element, einem Tier wie dem Stieglitz, das die Verbindung zum Leben und zum Alltag aufrechterhielt. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem historischen Rahmen.

Kopie von Guido Reni

Ölgemälde auf Leinwand. Das Werk ist eine der zahlreichen Nachbildungen des berühmten Bologneser Malers Guido Reni (1574–1642) und seiner Werkstatt mit einigen Variationen. Die Komposition, in der die betende Jungfrau das schlafende Kind anbetet, gilt als eine Erfindung der brillanten Ader Renis, die nach dem großen Erfolg unter den damaligen Sammlern dann von anderen Autoren des 17. Jahrhunderts aufgegriffen wurde , unter denen der Name Giovan Battista Salvi, bekannt als „Il Sassoferrato“, hervorsticht. Die beiden berühmtesten Varianten dieser faszinierenden Szene zeigen die Jungfrau mit zum Gebet gefalteten Händen, die von Salvi übernommen wurde, oder die mit den Händen auf der Brust, wie diese, typischerweise von Reni. Andere Variationen betreffen die Position des Kopfes des schlafenden Christkindes, der wie in dieser Version nach oben gedreht und nicht zur Seite geneigt ist; Endlich ändern sich die Hintergrundstoffe. Doch auch in dieser Nachbildung sticht die Intensität der Szene hervor: Sie wird quer durch den ruhenden Körper des Kindes eingenommen, wo die göttliche Natur der menschlichen im Schlaf unterworfen ist; darüber, in einer schützenden und zugleich kontemplativen Geste geneigt, der Körper Mariens, der die ganze mütterliche Zärtlichkeit, aber auch in der Geste der Hände die Anbetung des fleischgewordenen Geheimnisses zum Ausdruck bringt, das der kleine Sohn darstellt. Die lebhaften Farben der Stoffe – das Kissen, auf dem Jesus liegt, der Vorhang dahinter, die Kleidung der Mutter – bringen die Helligkeit der Fleischtöne zur Geltung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand, in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts auf Hartfaserplatte aufgetragen. Das Gemälde greift mit einem dekorativen Schnitt die Bildweisen des 18. Jahrhunderts auf. In einer friedlichen Landschaft, mit einer architektonischen Struktur auf der rechten Seite und dem grünen Tal mit der Flussmündung auf der linken Seite, gehen zwei Figuren den Weg entlang, eine Frau mit ihrem Kleiderbündel und der Wanderer mit Satteltasche und Stock. Das Werk wird im Chronikstil präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Szene stellt ein Kammerkonzert dar: in der Mitte der Spinettspieler, dahinter der Blockflötenspieler und auf der rechten Seite der Dirigent, der aufmerksam zuhört und mit der rechten Hand die musikalischen Bewegungen begleitet; Hinter dem Trio hören meine Damen und Herren lächelnd und mitmachend zu. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde trägt den Namen des Künstlers (Giovani Piana) und das Entstehungsdatum 1616 oben. Es zeigt den Heiligen Simon, der ein Buch und eine Säge in der Hand hält, sein ikonografisches Attribut, das auf das Martyrium hinweisen würde, das er erlitten hat. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde weist Spuren der Restaurierung an den Rändern auf.

Das Wunder von Soriano

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde erzählt vom Wunder von Soriano: In diesem Ort Kalabriens erschien im Jahr 1530 einem jungen Dominikaner die Madonna mit Maria Magdalena (erkennbar am Salbengefäß) und Katharina von Alexandrien (die die Palme des Märtyrertums trägt), um ihm ein Bild von San Domenico zu geben, das er in dem von ihm erbauten Kloster aufstellen sollte. Eine schöne Version des Gemäldes ist das von Grechetto aus den Jahren 1654-1655, das in Genua aufbewahrt wird: Unsere Version scheint von diesem Werk inspiriert zu sein, das die spannungsgeladene Komposition der Figuren neu vorschlägt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die dargestellte biblische Episode bezieht sich auf die Geschichte von Daniel, dem Propheten am Hofe von König Darius dem Meder, der, weil er zu seinem Gott gebetet hatte, dazu verurteilt wurde, in die Löwengrube geworfen zu werden. Aber Gott rettete Daniel, indem er einen Engel sandte, um den Tieren den Rachen zu verschließen, und der König begnadigte Daniel, indem er stattdessen diejenigen verurteilte, die ihn denunziert hatten. Das Thema wurde mehrfach in der Kunst dargestellt, wegen der mit der Geschichte verbundenen Faszination, aber auch wegen seines exotischen Flairs aufgrund der Anwesenheit wilder Tiere; Wir erinnern uns insbesondere an die Version von Rubens aus dem Jahr 1615, in der der Prophet nackt in der unterirdischen Grube dargestellt ist, während er inbrünstig betet, umgeben von einer Schar wilder Löwen. Das hier vorgestellte Werk schlägt stattdessen eine Version vor, in deren Mittelpunkt der Dialog zwischen dem Propheten und dem Engel steht, die sich gegenüberstehen und sich mit den leuchtenden Farben ihrer Gewänder vom dunklen Hintergrund eines Gefängnisses abheben. Es gibt nur einen Löwen, der demütig zu Füßen des Engels kauert, und daher überwiegt die spirituelle und erlösende Dimension des biblischen Ereignisses. Laut dem berühmten Kunsthistoriker Maurizio Marini, einem Spezialisten für die Malerei von Caravaggio und der Barockkunst, der vor Jahren Gelegenheit hatte, das Gemälde zu besichtigen, könnte das Werk aufgrund der Komposition und der Komposition Antonio Maria Vassallo (1620–1664) zugeschrieben werden chromatische Auswahl. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird mit einem Leistenrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 18. Jahrhunderts. Im Porträt dieses Herrn sticht vor allem der Morgenmantel aus einem eleganten Blumenstoff hervor, dessen Ziegelrottöne an die Farbe der Perücke erinnern. Die Strenge der Pose und der strenge Blick der Figur kontrastieren geradezu mit der fast frivolen Eleganz seiner Kleidung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Das mythologische Thema, das die beiden Gottheiten als Symbol profaner Liebe gemeinsam darstellt, wurde in der Kunst ausführlich dargestellt: Wie in diesem Werk wird Venus normalerweise in einer trägen Haltung dargestellt, während sie ihre nackte Schönheit zur Schau stellt; Der als geflügelter Putto gekleidete Amor will aus dem Köcher einen seiner Liebespfeile ziehen, von denen einer bereits im Koffer hinter der Göttin steckt. Im Hintergrund eine italienische Landschaft mit einer kleinen architektonischen Struktur. Die Form des Gemäldes bezieht sich auf einen original geformten Rahmen. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird derzeit in einem historischen Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Komposition stellt eine Landschaft mit einem großen Baum in der Mitte dar. Mit seinen spärlichen Ästen die darunter liegende Landschaft zu überragen, die von einem Bach durchzogen und von verschiedenen Gestalten geschäftiger oder ruhender Bürger belebt wird; Oben rechts steht eine Festung, die das Tal dominiert. Das bereits Peruzzini aus den Marken zugeschriebene Gemälde lässt sich aufgrund der schnellen und schlecht aggregierten Bildstriche durchaus auf dessen Umfeld zurückführen. Antonio Francesco spezialisierte sich auf die Landschaftsmalerei und stand unter dem Einfluss von Salvator Rosa und Landschaftsmalern wie Pietro Montanini und Pandolfo Reschi. Weitere Einflüsse erhielt er auch von in Italien tätigen nordischen Malern, vor allem von Pieter Mulier, bekannt als il Tempesta. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Originalität seiner Malerei durch eine schnelle Zeichnung und ein intensives und brillantes chromatisches Timbre. Die lange künstlerische Verbindung zwischen Antonio Francesco Peruzzini und Alessandro Magnasco begann Anfang der 1990er Jahre nach ihrer Begegnung in Mailand, wo Peruzzini sich niedergelassen hatte; Von dieser Zeit an scheint seine Malerei auseinanderzufallen, durch Formen, die dynamischer und leichter werden, fast phantastisch, um schließlich zu einem Stil zu gelangen, der durch eine immer stärkere Auflösung der Formen der Natur und ihrer Bewegung gekennzeichnet ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.