SELEKTIONIERTE KUNST

Betrunkener Bacchus

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Der Gott ist auf der Szene stehend dargestellt, nur mit einem Tuch um die Lenden und mit Efeublättern auf den Hüften und auf dem Kopf bekleidet, während er in einer Hand einen Kelch hält; sein Blick ist leer und benommen. Hinter ihm spielt ein halb liegender Putto mit Efeu. Ringsherum sind weiße Wolken zu sehen, ebenso wie der Boden weiß ist, nur der blaue Himmel und ein grüner Busch bilden einen Kontrast. Auf der Rückseite des Werks befindet sich das Etikett "Mario Galli Collezione d'Arte" mit der Katalognummer 64 und der eigenhändigen Widmung des Künstlers. Das Werk ist ein gutes Beispiel für die Malerei dieses Künstlers, der in Modena geboren wurde, aber seine künstlerische Ausbildung zunächst in Rom und dann in Florenz absolvierte, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte. Die Einzigartigkeit des Künstlers liegt in seiner Fähigkeit, von historischen Themen, die oft im antiken Pompeji angesiedelt sind, zum Naturalismus des Macchiaioli-Stils seiner zweiten Periode überzugehen, in der Muzzioli nach einer bedeutenden Wahrnehmung der Atmosphäre und des Lichts in Themen suchte, die von der ländlichen Umgebung der Toskana inspiriert sind und oft in der Antike spielen. In diesem Werk, dem Porträt einer mythologischen Figur, kommt die luministische Absicht des Künstlers stark zum Ausdruck, die Suche nach der Wirkung des Lichts, das auf den nackten Körpern des Gottes und des Putto spielt und dann in den Hintergrund tritt. Das Etikett der Kunstgalerie verweist auf den Florentiner Mario Galli (1877-1946), einen Bildhauer, der auch ein bedeutender Sammler von Werken insbesondere von Macchiaioli war. Das Werk weist einen bedeutenden Riss auf und ist retuschiert worden. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Die Wanderer 1910

Öl auf Karton. Unten links befindet sich die handschriftliche Bezeichnung „Bozzetto per una copia“, mit der Unterschrift und dem Datum Weihnachten 1910; der Titel unten rechts. Es ist eine Skizze für eine Replik mit Variationen des gleichnamigen Gemäldes von Carena aus dem Jahr 1907, groß monumental (159 x 300 cm), das 1909 auf der Biennale in Venedig ausgestellt wurde und heute in den Städtischen Museen, Galerie für Moderne Kunst von Udine, aufbewahrt wird Bewegte Figuren erscheinen in der Arbeit, gerade von Wanderern, die die verschiedenen Kategorien der Menschheit repräsentieren, Männer und Frauen, Erwachsene und Kinder, Alt und Jung, aber alle reisen in die gleiche Richtung. Im Vergleich zum Original sind in dieser Skizze mit noch unbestimmten Gesichtszügen die Figuren in leicht veränderten Positionen platziert, wobei der in einen roten Umhang gehüllte junge Mann in der Mitte steht und der untere Teil sowie der Hintergrund fehlen. Die Farben sind fast grell, lebendig, mit schnellen Pinselstrichen verteilt und mit undefinierten Konturen. Das Gemälde gehört zu Carenas noch symbolistischer Bildphase, inspiriert von der französischen Symbolik Eugène Carrières, einer Periode, die mit seiner Teilnahme an der Biennale 1912 endete und in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert wird.

Das Gemälde stellt Clelia dar, die den Tiber überquert. Clelia war eine römische Heldin, die zusammen mit anderen Mädchen dem Etruskerkönig Porsenna während der Friedensverhandlungen mit der Stadt als Geisel übergeben wurde; er konnte jedoch entkommen, indem er über den Tiber schwamm. Porsenna bat die Römer, es zurückzugeben, die zustimmten, aber bewundert von ihrem Heldentum, beschloss er, sie zu befreien, indem er ihr erlaubte, andere Gefangene mitzunehmen, die Clelia unter den Jüngsten auswählte. Der Moment der Darstellung ist genau der der Überquerung des Flusses, dessen Personifikation rechts im Vordergrund zu sehen ist, mit einem älteren grauhaarigen Mann, begleitet von einer jungen Frau mit Füllhorn. Die Szene ist sehr dynamisch, mit Clelia und den anderen Mädchen, die zusammen mit dem Pferd, das von der Protagonistin geritten wird, eine große und lebhafte Gruppe bilden, wie einige Versionen der Geschichte erinnern; dahinter die Zelte des Lagers des etruskischen Königs mit einigen Soldaten. Auf der anderen Seite des Flusses steht eine weitere Frauengruppe, die Überquerung ist bereits fertig, während man im Hintergrund die Weite mit der Kapitolinischen Stadt mit klassischem Gesicht sieht. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis zwischen Bergamo und Venedig jedoch angenommen werden kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Öl auf Leinwand. In der großen Außenszene sticht auf der linken Seite das Labor eines Hufschmieds hervor, der mit seinen Helfern die Hufeisen für ein Pferd bearbeiten will, während der Besitzer anwesend ist; in der Mitte kommen andere Ritter mit ihren Dienern, die zum Handwerker gehen; rechts ruhen einige bekannte Persönlichkeiten am Straßenrand. Im Hintergrund öffnet sich rechts eine große Flusslandschaft, links der Zugang zum Dorf, das von einem baufälligen Gebäude dominiert wird, in dem verschiedene bekannte Persönlichkeiten aktiv sind: die Frau, die ein Kind stillen will , während der andere Sohn läuft die Treppe entfernt, eine andere Frau , die Kleidung auf dem Balkon des auf Stelzen auf dem Felsen gebaute Hauses hängen, während ein Mann den Leiter klettert. Es ist ein Werk, das mit großer Wahrscheinlichkeit von einem in der Lombardei arbeitenden flämischen Autor geschaffen wurde. Einige Hinweise auf Kleidung und Bauarbeiten weisen sicherlich auf eine nordeuropäische Kontamination hin, während andere Details auf den lombardischen Standort hinweisen. Das Gemälde stammt aus einer repräsentativen historischen Residenz einer lombardischen Adelsfamilie. Noch auf der ersten Leinwand hat es einige Schnitte und ein Loch im unteren Band; auf der Rückseite einige Flecken von einer alten Restaurierung. Es wird in einem dünnen gleichaltrigen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene spielt am Eingang eines Dorfes in der Nähe einer Raststätte für die Pferde: Zahlreiche Reiter stehen mit ihren Tieren, die von den Dienern und den Dorfbewohnern versorgt werden, die die Krippe mit Heu füllen; Einer der Diener rechts bringt die Tiere im nahegelegenen Bach zum Tränken. Im Hintergrund sind die Häuser des Dorfes entlang des Flusses angeordnet, der dann rechts in die hügelige Landschaft mündet. Es ist ein Werk, das mit großer Wahrscheinlichkeit von einem in der Lombardei arbeitenden flämischen Autor geschaffen wurde. Einige Hinweise auf Kleidung und Bauarbeiten weisen sicherlich auf eine nordeuropäische Kontamination hin, während andere Details auf den lombardischen Standort hinweisen. Das Gemälde stammt aus einer repräsentativen historischen Residenz einer lombardischen Adelsfamilie. Noch auf der ersten Leinwand hat es einige Schnitte im unteren Band. Es wird in einem dünnen gleichaltrigen Rahmen präsentiert.

Madonna mit Kind der Vater Engel und Heiligen

Öl auf Leinwand. Toskanische Schule Ende 1500 - Anfang 1600. Die Leinwand ist Teil einer großen sakralen Produktion, die die Herrlichkeit Marias und der Heiligen in der Nähe des Auftraggebers verherrlichte. In der Mitte sitzt Maria mit ihrem kleinen Sohn in den Armen auf einem Thron, während oben, vom offenen Himmel, der Ewige Vater sie segnet, mit der Erdkugel in ihren Händen, einem Symbol ihrer Macht über die Welt; Er wird von zwei Engeln flankiert. Auf beiden Seiten des Throns befinden sich zwei Heilige: auf der linken Seite San Domenico di Guzman, gekleidet in die Kutte eines Dominikaners und mit einer Lilie und einem Buch in seinen Händen; rechts in seiner charakteristischen Kutte der heilige Franziskus von Assisi, der das Kreuz in Form eines Tau und eines Buches hält und an dessen Händen die Zeichen der Stigmata zu sehen sind. Die ganze Szene ist geprägt von der noch für die Renaissance typischen Statik der Figuren, von leuchtenden Farben und von gefassten und zarten Zügen der Gesichter. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem antiken Rahmen.

Das Modell stammt von einem Stich von Marcantonio Raimondi nach einer Zeichnung Raffaels, die speziell für das grafische Werk angefertigt wurde und von einem Gemälde stammt, das in der Stanza della Segnatura (1513-1515) platziert wurde. Dieses Modell wurde von Hans von Aachen in einem Gemälde aus dem Jahr 1588 aufgegriffen und verändert, das heute im Museum der Kartause von Douai aufbewahrt wird, das wiederum in einem Stich des folgenden Jahres von Raphael Sadeler im Kabinett für Zeichnungen und Drucke aufgegriffen wurde der ‚Accademia Carrara Bergamo. Die fragliche Leinwand ist von dieser letzten Version abgeleitet, die dieselben Änderungen aufweist, die in Bezug auf das raffaelische Original vorgenommen wurden. Im Mittelpunkt der Szene, die sich inmitten einer natürlichen Landschaft abspielt, stehen die drei Göttinnen, die um den Titel der Schönsten wetteiferten: Juno mit dem Pfau, ihrem Symboltier, Venus mit Amor und Minerva daneben Helm, Speer und Schild. Paris überreicht von hinten unter den Augen von Richter Merkur der Liebesgöttin den goldenen Apfel, der den Sieger bestimmt. Zwei Putten umschwirren die Protagonisten, während im Vordergrund, immer von hinten, eine männliche Figur zu sehen ist. Auf dem hinteren Rasen findet ein Landinternat statt. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, für den man jedoch den Umfang seiner Tätigkeit zwischen Bergamo und Venedig vermuten kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Skulpturenprojekt

Bleistift auf Papier mit Wasserzeichen. Unten links signiert. Der Zeichnung liegt eine Authentifizierung auf Foto aus dem Archiv Fausto Melotti mit dem Code DIS 36 015 bei, die die Daten der Arbeit zeigt. Fausto Melotti war ein facettenreicher und sehr produktiver Künstler, und es ist fast unmöglich, seine Produktion mit einer bestimmten Technik oder einem bestimmten Thema zu verknüpfen, ohne nur einen Teilüberblick über seine künstlerische Vision zu geben. Die herausragenden Merkmale, die bei Melotti konstant sind, sind die Geometrie, das Studium der Abstraktion, das ihn dazu bringt, realistische, aber nicht wissenschaftlich genaue Elemente zu verwenden, und die Elemente so anzuordnen, dass sie an einen musikalischen Rhythmus erinnern, ein Detail, das auf seine Ausbildung als Musiker verweist Bildhauer, Maler, Musiker, Dichter, er fertigte zahlreiche Entwurfszeichnungen für seine Werke an. Das Zeichnen stellte für ihn eine grundlegende Übung dar, um den ursprünglichen grafischen Zug von Papierbögen in Skulpturen und Keramiken zu übertragen. Die Skulpturen, für die er am bekanntesten ist, bestehen aus geometrischen Elementen aus Metallen (Messing, Eisen und Gold), die zu dünnen Fäden verarbeitet werden und ätherischen, schwerelosen und fast zerbrechlichen Kompositionen Leben einhauchen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Mittelitalien XVII Jahrhundert

Barockskulptur aus Walnuss, Mittelitalien 17. Jahrhundert. Die männliche Figur, die geschaffen wurde, um in einer erhöhten Position in Bezug auf den Betrachter gesehen zu werden und ursprünglich Teil einer größeren Skulpturengruppe zu sein, ist durch welliges Haar und Bart gekennzeichnet, wobei der rechte Arm zum Kinn geführt wird, während der linke in einer umhüllenden Position in der Handlung, ein Objekt zu stützen oder sich an ein Stützelement zu klammern; gekleidet in einen reichen Vorhang, der den oberen Teil der Büste und die Beine unbedeckt lässt, eines gebeugt und das andere ausgestreckt. Das Volumen und die Plastizität des Körpers, kombiniert mit dem durch die Drehung übertragenen Bewegungsgefühl, erinnern an die skulpturale Produktion des römischen Barock.

Drei Gesichter Acht Blätter

Gouachen auf Papier. Auf der Rückseite befinden sich Aufkleber von Sotheby's Auction mit dem Namen des Künstlers und dem Originaltitel "Three faces eight leaves". Dies sind zwei ähnliche Zeichnungen, mit demselben Thema, wenn auch mit kleinen Unterschieden, und mit unterschiedlichen Techniken koloriert. Jean Cocteau war ein vielseitiger Künstler: Schriftsteller, Dramatiker, Dramatiker, er versuchte sich auch in der bildenden Kunst und liebte es, mit allen Avantgarden seines Jahrhunderts zu experimentieren. Jean Cocteau veröffentlichte 1923 im Alter von nur 36 Jahren sein erstes Buch mit Zeichnungen. Darin porträtierte der Dichter seine Freunde Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, aber auch zahlreiche Szenen des Pariser Alltags, Nijinskis russische Ballette, Allegorien, Karikaturen, poetische Bilder. Cocteau erweist sich als talentierter Zeichner, vor allem aber als Künstler, der in der Lage ist, die Essenz von Gesichtern, Verhaltensweisen und menschlichen Schwächen einzufangen. Eingerahmte Arbeit.

Winterlandschaft mit Eisfiguren

Öl auf Leinwand. Flämische Schule des XVII-XVIII Jahrhunderts. Auf dem Rahmen befindet sich ein Etikett, das Thomas Heeremans zuschreibt (jedoch mit falscher Datierung). Die große Szene bietet eine dem niederländischen Territorium angemessene Winterlandschaft, die von einem zugefrorenen Kanal geprägt ist, in der Nähe eines Dorfes, bevölkert von zahlreichen Schlittschuhfiguren, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen: der Pferdeschlitten für den Personentransport, der Mann der die "Schubkarre" voller Holz schiebt, das Kind, das sich in sein Kästchen schiebt; andere Gestalten gehen auf dem Damm entlang des Kanals vorbei. Über allem hängt der graue und kalte Himmel eines Wintertages. Das Thema war das wiederkehrende in der Produktion des niederländischen Malers Thomas Heeremans, der hauptsächlich Winterlandschaften seines Landes malte, sie aufgrund des erzielten Erfolges mehrmals replizierte und zahlreiche andere Künstler zur Nachahmung veranlasste; Es wird daher angenommen, dass diese Arbeit auf einen Nachahmer der Heeremans und nicht direkt auf ihn zurückgeführt werden kann. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des achtzehnten Jahrhunderts. In einer ziemlich kargen Landschaft, mit architektonischen Ruinen auf der linken Seite und schneebedeckten Gipfeln im Hintergrund auf der rechten Seite, gehen einige Hirten den Weg entlang und führen ihre Herden von Kühen, Schafen und Ziegen. In der nordischen Landschaftskulisse erzeugen der rosafarbene Himmel und der pastorale Charakter der Szene jene idealistische Atmosphäre, die typisch für die Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts ist, in der die Befriedigung des Gefühls statt der Absicht einer realistischen Umsetzung vorherrschte. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Die Geschichte von Apollo und Marsyas

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Leinwand stammt von einem Stich aus dem Jahr 1562 des Venezianers Giulio Sanuto, der das gleichnamige Werk von Bronzino (1503-1572), das derzeit in der Eremitage aufbewahrt wird, originalgetreu reproduzierte; Im Vergleich zum Original fügte der Stich die Gruppe der Musen hinzu und modifizierte den Landschaftshintergrund, indem er Ansichten der Dörfer einführte. Das Werk ist in vier Szenen unterteilt, die von rechts nach links gelesen werden müssen. Die erste Szene zeigt den musikalischen Wettstreit zwischen Apollo und dem Silen Marsyas, der so gut Flöte spielte, dass er als dem gleichen Gott überlegen galt; die beiden Konkurrenten treten auf, der Gott mit der Leier und der Silen mit der Flöte sogar auf dem Kopf (um die Schwierigkeit des Unterfangens zu erhöhen), vor König Midas und der Göttin Minerva, erkennbar an ihren Attributen, dem Helm, dem Speer und der Schild. In der zweiten Szene will Apollo Marsyas häuten, um ihn dafür zu bestrafen, dass er den Musikwettbewerb gewonnen hat; neben ihm auf den Boden lehnen, Mantel und Leier. In der dritten Szene ist es König Midas, der vom Gott dafür bestraft wird, dass er Marsyas ihm vorgezogen hat: Apollo legt Midas die Eselsohren an, während Minerva zusieht. Schließlich ist die vierte Szene im Vordergrund links durch eine besondere Figur gekennzeichnet, die in dem treuen Diener und Barbier des Königs identifiziert wird: da Midas ihm befohlen hatte, das Geheimnis auf seinen Eselsohren zu bewahren, konnte er nicht loslassen andernfalls grub er ein Loch in die Erde und brüllte dort sein Geheimnis hinein; dort aber soll der Legende nach ein Schilfstrauch gewachsen sein, der mit dem Wind flüsterte „König Midas hat Eselsohren“ und damit das gefürchtete Geheimnis preisgab. Das Gemälde wurde zuvor restauriert und unterfüttert, benötigt jedoch derzeit keine weitere Farbwiederherstellung. Rückseitig mit Bleistift eine alte Zuschreibung an die Ferrara-Schule ("Ercole da Ferrara"). Es wird in einem Rahmen im Stil des späten 19. Jahrhunderts präsentiert.

Aaron mit Moses vor dem Pharao

Öl auf Leinwand. XVII-XVIII Jahrhundert. Die große Szene erzählt eine biblische Episode aus dem Buch Exodus, in der Aaron mit Moses vor dem Pharao von Ägypten seinen Stab in eine Schlange verwandelt, um die Tricks nachzuahmen, die die ägyptischen Zauberer angewandt hatten, um sie zu erschrecken. Der auf seinem Thron sitzende Pharao links, umgeben von Dienern, und die Zauberer rechts beobachten bestürzt und erschrocken das Wunder, während in der Mitte Aaron, erkennbar am priesterlichen Kopfschmuck, auf das Geschehen hinweist, während neben ihm Moses, mit dem erhobenen Finger zeigt den Himmel an, um das Wunder an die göttliche Macht zurückzusenden. Die Schlange hier hat die Form eines geflügelten Drachens, der die Schlangen der ägyptischen Magier zertrampelt. Die Typologie der Szene und die Bildmodi beziehen sich auf das Schaffen von Antonio Molinari (1655 -1734), einem der maßgeblichsten Vertreter der venezianischen Malerei an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, der sich durch seinen persönlichen Stil auszeichnete durch eine akzentuierte Theatralik der Gesten, durch eine lebendige Palette und eine bemerkenswerte Flüssigkeit des Pinselstrichs. Molinari erzielte beachtliche Erfolge mit der Produktion von Raumgemälden, die Episoden historischer, mythologischer oder biblischer Natur darstellen, die weithin aufgegriffen und neu vorgeschlagen wurden. Die große Leinwand, restauriert und doubliert, wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardisches Gebiet des späten achtzehnten Jahrhunderts. Die vier Leinwände zeigen Szenen aus Orlando Furioso, dem berühmten Epos von Ludovico Ariosto, das erstmals 1516 veröffentlicht wurde. Auf dem Rahmen, auf der Rückseite befinden sich handschriftliche Schriftzüge in altitalienisch, die den Titel der Szene und den Titel der Szene besagen sie geben die Referenz des Liedes und des Verses an. Alle vier Szenen stellen Episoden aus den ersten beiden Liedern des Gedichts dar und scheinen sequentiell zu sein. Die attributiven Titel sind die folgenden: 1- „Dieses Gemälde stellt diesen Paladin Galiardo (Rinaldo) dar, Sohn von Amone sig. di Monte Albano, der Ariosto in Gesang 1 bis Vers 12 beschreibt “: stellt den Moment dar, in dem Rinaldo zu Fuß seines Pferdes Baiardo sieht, wie Angelica aus dem Lager von Namo di Baviera im Wald entkommen ist. 2- "Dieses Gemälde stellt Angelica und Ferraù dar, als sie ihnen zu Hilfe kommt, was Ariosto in Gesang 1, Vers 14 beschreibt": Angelica, die vor Rinaldo flieht, trifft im Wald auf Ferraù, einen edlen sarazenischen Ritter, der ebenfalls in das Mädchen verliebt ist, der zur Flucht verhilft, indem er sich dem christlichen Ritter entgegenstellt. 3- „Dieses Gemälde stellt Rinaldo und Sacripante dar, die hinfallen, Angelica rennt vor ihrer Wut davon. Ariosto beschreibt es in Canto 2 Vers 10 ": Rinaldo und Sacripante kämpfen um die Liebe von Angelica, die inzwischen davonläuft. 4- „Dieses Gemälde zeigt Rinaldo und Sacripante in der Tat, als sie sich in Angelica verliebten und von einem Geist in Form eines Valletto gestoppt wurden. Ariosto beschreibt es in Gesang 2, Vers 15: „Während die beiden Ritter kämpfen, trifft Angelica auf einen Einsiedler, der mit einem Zauber einen Geist mit dem Aussehen eines Dieners heraufbeschwört, der das Duell zwischen den beiden Konkurrenten unterbricht. Die Gemälde gehören daher zu einem einzigen Bilderzyklus, der dem Ende des 18. Jahrhunderts zuzuordnen ist und der im Einklang mit dem neoklassizistischen Geschmack die Charaktere in klassischer Kleidung darstellt - Krieger, die als antike Soldaten gekleidet sind, Angelika, gekleidet in eine römische Tunika, Schuhe und Armband - , aber eingefügt in eine Landschaft Norditaliens, einen schattigen und dichten Wald. Der Orlando Furioso hatte die Besonderheit, das mit der Liebe verbundene kriegerische Thema vorzuschlagen (insbesondere wurde die Liebesgeschichte zwischen Angelica und Medoro bevorzugt, die Gegenstand zahlreicher Werke von Künstlern aller Jahrhunderte wurde) und erlangte große Popularität und Erfolg: zahlreich waren seine Darstellungen in allen Bereichen der bildenden Bildkunst, in eleganten Fresken, Gemälden, Keramiken, sogar Apothekergläsern, Tassen, Medaillen, Pendeln, Kandelabern. Sie begann im emilianischen Land, der Heimat des von Ariosto für Kardinal Ludovico D'Este geschaffenen Gedichts, bis zu den Medici-Höfen in der Lombardei, wo später in zahlreichen Palästen und Herrenhäusern Ariosts Bilderzyklen ausgeführt wurden. Die Leinwände werden in vergoldeten Stilrahmen präsentiert.

Landschaft mit Architektur und Figuren

Öl auf Leinwand. Die große Landschaft wird von einer imposanten architektonischen Struktur mit Säulen mit Blick auf das Meer dominiert, die den gesamten zentralen Teil der Leinwand einnimmt, während auf der rechten Seite eine Festung umrissen ist. Animiert wird die Szene dann durch zahlreiche Figuren des Alltagslebens: Im Vordergrund links, am Kai, wartet eine Gruppe von Männern auf die Ladung zahlreicher Kisten und Koffer. Das Monogramm D.G. Diese Abkürzung verweist zusammen mit der barocken Stilformel auf die Zuschreibung an Domenico Gargiulo, Künstlername des neapolitanischen Malers Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Vor allem in Neapel tätig, vor allem in den zwei Jahrzehnten zwischen der Mitte des 17. ). Die fortschreitende Spezialisierung in der Darstellung von Landschaften oder Stadtszenen, überfüllt mit Figuren mit winzigen Beschreibungen und mit viel Liebe zum beliebten sozialen Realität präsentiert, bedeutete , dass seine Kommission war vor allem von privater Natur, die Kommissionen aus zahlreichen neapolitanischen Honoratioren, regents, Ritter und Erkenntnis empfangen seine Werke in allen bedeutenden neapolitanischen Sammlungen der Zeit. Zu seinen wichtigsten Kunden gehörte auch der große flämische Sammler Gaspare Roomer, dem das Gargiulo sein Vermögen verdankte. Gargiulo hat seine Abkürzungen oft in seine Werke eingefügt, aber selten datiert; die Datierung seiner Produktion konnte nur durch die Realisierung einer Reihe von Werken für die Mönche der Certosa di S. Martino zwischen 1638 und 1646 festgestellt werden, unter den wenigen religiösen Werken, die er gemacht hat, aber die einzigen mit einiger Genauigkeit zu dokumentieren. Die hier vorgeschlagene große Leinwand wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nazario und Celso waren zwei christliche Märtyrer, die 304 n. Chr. in Mailand starben, sowohl von der katholischen als auch von der orthodoxen Kirche verehrt wurden, die als Evangelisten nach Italien reisten und unter der Verfolgung durch die Römer litten. Der Überlieferung nach wurden die beiden jungen Männer zum Tode verurteilt und auf ein Schiff gebracht, das sie vor die Küste bringen sollte, wo sie ins Meer geworfen wurden. Der Legende nach begannen sie, ins Meer geworfen, auf dem Wasser zu laufen. Dann brach ein Sturm aus, der die Matrosen erschreckte, die Nazario um Hilfe baten. Das Wasser beruhigte sich sofort. Das Schiff sollte schließlich in Genua landen, und hier setzten Nazario und Celso ihre Evangelisierungsarbeit in ganz Ligurien bis nach Mailand fort, wo sie schließlich verhaftet und erneut zum Tode verurteilt wurden. Das Gemälde befindet sich auf der ersten Leinwand und wurde nie restauriert, aber auch wenn es gereinigt werden muss, ist es in gutem Zustand (Mikrotropfen in der Farbe). Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen mit Mängeln präsentiert.

Faun-daemon. Weibliche figur mit beinen ziegen. Die haut des tieres auf den schultern. Gesicht dämonischen. In der hand hält schildkröte.

Öl auf Leinwand. Eine große architektonische Struktur, imposant in ihrem Klassizismus, mit hohen gewundenen Säulen und kunstvollen Kapitellen im korinthischen Stil, dominiert eine weiche und nuancierte Seenlandschaft, die von der täglichen Aktivität kleiner Figuren von Wanderern, Fischern und Bürgern wimmelt, die in ihrer Besonderheit gut beschrieben sind . Das Gemälde ist den Manieren von Viviano Codazzi (1604 -1670) nahe, dem es traditionell zugeschrieben wurde. Ursprünglich aus Bergamo stammend, dann aber in Rom und Neapel tätig, war Codazzi ein berühmter Perspektivmaler, der von vielen als Erfinder der Aussicht und der architektonischen Laune angesehen wird. Ebenfalls dem Bamboccianti-Genre nahe, zeichnete er sich durch die beschreibende Sorgfalt der verschiedenen Protagonisten aus, ihre Gesten, ihre Kleidung, eine Sorgfalt, die auf eine Vision und eine Studie des Alltags hinweist, gelesen und interpretiert ohne literarische Filter, aber mit ausgeprägtem Naturalismus. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

"L'arc en ciel" XVII Jahrhundert

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Hirtenszene präsentiert eine weite Landschaft, die den Blick auf die ferne Meeresküste lenkt; Darauf öffnet sich allmählich der Himmel und zeigt links blaue Blitze, während rechts zwischen den dunkleren Wolken, die vom Sturm übrig geblieben sind, ein großer Regenbogen sichtbar wird. Im Vordergrund genießt eine Gruppe von Hirten und Hirtinnen amouröse Spiele, diskret und festlich, inmitten ihrer Herden, die sich ausruhen und aus dem nahe gelegenen Bach trinken. Die ganze Szenerie wird von einer Dimension freudiger Entspannung und Erfrischung belebt, als ob der Regenbogen der Umgebung wieder Ruhe gegeben hätte und Licht und damit Ruhe in die Welt gebracht hätte. Die Zuschreibung an Jordaens ist sowohl mit der Typologie des Sujets, dem pastoralen, ein wiederkehrendes Thema in der Produktion des flämischen Künstlers, als auch mit den Bildmodalitäten verbunden: In diesem Werk finden wir seine warmen und leuchtenden Farben, die starken Lichtkontraste und Schatten, die robusten Figuren mit roten und gesunden Gesichtern, manchmal mit satyristischen Zügen, die Kompositionen voller Figuren, die einen Hauch sinnlicher Lebendigkeit ausstrahlen. Restauriert und doubliert, präsentiert sich das Gemälde in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit.