Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Es handelt sich um eine traditionelle Szene der Kreuzabnahme Christi, wobei der leblose und blasse Körper in die Arme seiner Mutter Maria gesenkt wird, die wiederum vom Jünger Johannes umarmt und in ihrem Schmerz gestützt wird, und um ihn herum, an der Trauer teilhabend, zwei fromme Frauen und zwei Jünger. Die Szene zeichnet sich durch eine diagonal absteigende Linearität aus, die dem Körper Jesu folgt, beginnend mit der auf der linken Seite erhobenen Kreuzstange und endend mit der Frau, die sich auf der rechten Seite niederkauert, um die Füße Jesu zu umarmen. Rundherum ein kahler und grauer Hintergrund, der die Dramatik und Leere, die er erzeugt, unterstreicht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Bambussessel.

Im Filetstich bestickter Streifen mit Blumenmotiv. In gutem Zustand. Rechteckige Form. Ecru-Farbe. Abmessungen 116 cm x 23 cm

Philosoph

Öl auf Karton. Unten rechts signiert. Stammt aus einer Privatsammlung in Pavia. Das Gemälde stellt ein von Primo Carena mehrfach aufgegriffenes Thema dar, sowohl mit Gruppen von mehreren Figuren, die in eine Landschaft eingefügt sind, als auch mit einer einzelnen Figur, wie sie in diesem Gemälde erscheint, das zur Produktion der 1950er Jahre gehört. Der Mann am Strand erinnert in der sitzenden Pose, mit dem Ellbogen auf ein Marmorkapitell gelehnt, und in dem Tuch, das auf seinen Beinen ruht, an die ältere Figur, die in einem Werk von De Chirico, dem Gruß an die Argonauten, sitzt, und untermauert dies gut Bezug auf die Metaphysik der Malerei, die der Maler aus Pavia in seinen Figurenbildern der 1950er und 1960er Jahre zum Ausdruck bringen wollte. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Italien, der 40er Jahre

Durch Guss modellierte Keramikschale mit einem Vogel am Rand. Unter dem Sockel die Marke des Herstellers.

Sofa in Bohnenform mit Federpolsterung und nicht originalem Samtbezug aus dieser Zeit.

Italien, der 60er-70er Jahre

Silbernes Flachrelief, das das Gesicht einer Frau darstellt, präsentiert in einem Rahmen aus Holz und grünem Samt. Eingravierte Signatur des Autors und Silbermarke.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links ist eine ganz leicht nachgezeichnete und nicht entzifferbare Signatur zu sehen. Auf dem Rahmen befindet sich eine Plakette, die das Werk Jean-Baptiste François Pater (1695-1736) zuschreibt, was als inkonsistent gilt. Die Landschaft entwickelt sich nahe der Mündung eines Flusses ins Meer; Auf der linken Seite befindet sich der Treppenabsatz, der direkt zu einer Häusergruppe führt. rechts verlässt ein Ruderboot mit zwei leicht bekleideten Figuren das von Bäumen gesäumte Ufer. Das unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Tischlampe aus verchromtem Metall und emailliertem Aluminium

Renaissance-Stichdeckchen, guter Zustand, weiße Farbe, rechteckige Form, Abmessungen 103 cm x 38 cm

Wandspiegel, Spiegelglas und Rauchglas.

Deckenleuchte aus verchromtem Metall und Opalglas.

Ölgemälde auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die weite und luftige Landschaft, durchdrungen von einer „klassischen“, zeitlosen Atmosphäre, fügt sich in die klassizistische Strömung idealer Ansichten aus der römischen Landschaft ein, die im 17. Jahrhundert nach dem Vorbild von Carracci, Domenico und Albani mit großem Erfolg in Rom eingeführt wurden und dem französischen Poussin, Dughet, Lorrain und setzte sich bis ins folgende Jahrhundert mit Künstlern wie Andrea Locatelli fort. Ziel dieser Art von Landschaftsgemälden war es, die für die klassische Welt typischen Prinzipien von Schönheit, Vernunft, Ordnung und Maß hervorzuheben, den Wert der Geschichte zu würdigen und das von den Alten geerbte Vertrauen in die Tugenden des Menschen und seine Möglichkeiten zu feiern. In der Natur dieser Landschaften, die nicht dem Chaos überlassen, sondern komponiert, geordnet und nicht durch gewalttätige oder ungeordnete Elemente gestört wird, sind menschliche Figuren im alten Stil gekleidet, wie auf diesem Gemälde, auf dem ein Paar in klassischer Kleidung zu sehen ist Tuniken, mit denen sie freundlich sitzt (oder vielmehr halb liegend, fast so, als wären sie auf einem Triklinium), mitten in einer schattigen und grünen Landschaft, in der Nähe eines ruhigen Flusses; In der Ferne können Sie die Gebäude einer Stadt erkennen und Ihr Blick verliert sich dann in der geordneten und friedlichen Kontinuität der sanften Hügel Latiums. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Lombardei, Drittes Viertel des XVIII Jhs

Mit Nussbaum überzogene Barockklappe, Lombardei, drittes Viertel, 18. Jahrhundert. Rückwand mit doppelter Frontschublade, Klapptür, die den Schrank verdeckt, gewellte Front mit vier Schubladen, von denen eine im Band kleiner ist, 45°-Pfosten. Vorderseite und Seiten mit Reserven aus Walnussholz verziert, verziert mit Bois-de-Rose-Rändern und Ahornfäden. Innenausstattung aus Pappelholz.

Paar Sessel mit Schaumstoffpolsterung, Stoffbezug und Metallbeinen mit Messingspitzen. Restauriert. Ein Paar Sessel, die für eine Umgebung mit Entspannungsbereich geeignet sind und einen originellen Stil und einen Hauch vergangener Zeiten aufweisen. Das Produkt wurde von unserem Labor sorgfältig restauriert, wobei die Restaurierungsarbeiten den Austausch der Polsterung und des Stoffes beinhalteten.

Paar Sessel, Schaumstoffpolsterung, Skai-Bezug, Struktur aus Buchenholz.

Gehäkelte Tischleiste. Rechteckige Form. Beigefarbene Baumwollzusammensetzung. Abmessungen 116 cm x 44 cm

Italien, der 20er-30er Jahre

Tablett aus Laveno-Porzellan mit polychromem Blumendekor in der Mitte des Cavetto. Leicht abgenutztes Goldkantenprofil. Unter dem Sockel die Marke des Herstellers.

Deckenleuchte mit reflektiertem Licht. Aus verchromtem Rohr, Metall und emailliertem Aluminium.

Sestante 14 1989

Farbsiebdruck auf Papier. Unten rechts mit Bleistift signiert, nummeriert n. IV/XV unten links. Es liegt eine Foto-Authentifizierung des Kunsthauses „Il borghetto“ in Mailand bei. Das Werk war Teil der Serie „Sestante“, bestehend aus 16 verschiedenen Siebdrucken. 1982 schuf Alberto Burri Sestante, einen großen Zyklus aus siebzehn Cellotexen und einer Eisenskulptur, der von Mai bis September des folgenden Jahres in den Räumlichkeiten der ehemaligen Giudecca-Werft in Venedig ausgestellt wurde. Die Anspielung auf das alte nautische Instrument, mit dem Reisende die Position eines bestimmten Punktes im Verhältnis zum Horizont ermittelten, ist eine Hommage an das maritime Schicksal Venedigs. Die Gemälde sind Burris x-te Herausforderung: In ihrer Kombination bilden die Formen und Farben des „Sextanten“ einen unerschöpflichen Kreislauf, in dem es nicht die geringste Wiederholung gibt. Innerhalb desselben Gemäldes oder in der Gegenüberstellung der einen zum anderen ermöglicht das Kaleidoskop der Formen die Koexistenz quadratischer und krummliniger Strukturen zusammen mit großen chromatischen Hintergründen und dichten visuellen Mustern. 1989 schlug der Künstler den Zyklus erneut als grafisches Werk vor und schuf die Serie „Sestante“. Der Kunsthistoriker Bruno Corà sagte: „Wenn man bei Burri von Grafiken spricht, bedeutet das nicht, dass man von einer im Vergleich zu Gemälden geringeren Produktion spricht, sondern nur von einer anderen und parallelen künstlerischen Modalität in Konzeption und Ausführung, kurz gesagt, dass man dazu in der Lage ist.“ neben all seinen anderen revolutionären innovativen Äußerungen von absoluter Bedeutung in das Schaffen des großen Malers einbezogen werden. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.