Olio su tela. Scuola napoletana del XVII-XVIII secolo. E' una tradizionale scena della deposizione di Cristo dalla Croce, con il corpo inerte e pallido calato tra le braccia della madre Maria, a sua volta abbracciata e sostenuta nel suo dolore dal discepolo Giovanni, e all'intorno, a partecipare del compianto, due pie donne e due discepoli. La scena è caratterizzata da una linearità discendente in diagonale, che segue il corpo di Gesù, partendo dal palo della Croce innalzato a sinistra e si conclude con la donna accucciata ad abbracciare i piedi di Gesù a destra. All'intorno, uno sfondo spoglio e grigio, che sottolinea il dramma e il vuoto che esso crea. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Poltrona in bambù.

Striscia ricamata in punto filet a tema floreale In buone condizioni Forma rettangolare Colore ecrù Dimensioni cm 116 x cm 23

Filosofo

Olio su cartone. Firmato in basso a destra. Proveniente da collezione privata pavese. Il dipinto propone un soggetto più volte ripreso da Primo Carena, sia con gruppi di più personaggi inseriti in un paesaggio, sia con una figura solitaria come appare in questo dipinto, che appartiene alla produzione degli anni Cinquanta. L'uomo sulla spiaggia, nella posa seduto appoggiandosi con il gomito ad un capitello marmoreo, e nel drappo appoggiato alle gambe, richiama il personaggio anziano seduto in un'opera di De Chirico , il Saluto degli Argonauti, e sottende bene il richiamo alla pittura metafisica che il pittore pavese volle esprimere nei suoi dipinti di figura degli anni 50-60. L'opera è presentata in cornice.

Italia Anni '40

Ciotola in ceramica modellata a colaggio con uccellino sul bordo. Sotto la base marchio della manifattura.

Divano dalla forma a "fagiolo" con imbottitura a molle e rivestimento non originale del periodo in velluto.

Italia Anni '60 '70

Bassorilievo in argento raffigurante volto di donna presentato dentro cornice in legno e velluto verde. Firma incussa dell'autore e marchio dell'argento.

Olio su tela. In basso a sinistra è presente firma tracciata in modo molto lieve e non decifrabile. E' presente sulla cornice una targhetta attributiva dell'opera a Jean-Baptiste François Pater (1695-1736), considerata non coerente. Il paesaggio si sviluppa in prossimità dello sbocco di un fiume nel mare; sulla sinistra vi è l'approdo direttamente ad un gruppo di abitazioni; sulla destra una barca a remi si sta staccando dalla riva alberata, con due figure in abiti discinti. Ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Lampada da tavolo in metallo cromato e alluminio smaltato

Centrino in punto rinascimento Buone condizioni Colore bianco Forma rettangolare Dimensioni cm 103 x cm 38

Specchio da parete, vetro specchiato e vetro fumè.

Lampada a soffitto in metallo cromato e vetro opalino.

Olio su tela. Scuola romana del XVII secolo. Il paesaggio, ampio ed arioso, pervaso da una atmosfera "classica", senza tempo, si inserisce nella corrente classicheggiante delle vedute ideali tratte dalla campagna romana, introdotte a Roma con grande fortuna nel corso del XVII secolo sull'esempio di Carracci, Domenico, Albani e dei francesi Poussin, Dughet, Lorrain, e continuate poi anche nel secolo successivo con artisti quali Andrea Locatelli. Questo tipo di dipinti di paesaggio miravano ad esaltare i princìpi di bellezza, ragione, ordine e misura propri del mondo classico, a celebrare il valore della storia, la fiducia ereditata dagli antichi nelle virtù dell'uomo e nelle sue possibilità. Nella natura di questi paesaggi, che non è abbandonata al caos, ma è composta, ordinata, non turbata da elementi violenti o disordinati, si collocano le figure umane, vestite all'antica come in questo dipinto, in cui una coppia abbigliata con tuniche classiche conversa amabilmente seduta (anzi, semisdraiata quasi come se fossero su un triclinio) in mezzo ad una campagna ombrosa e verdeggiante, in prossimità di un tranquillo fiumicello; in lontananza si intravvedono le costruzioni di una città e lo sguardo si perde poi nella continuità ordinata e tranquilla delle dolci colline laziali. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Lombardia Terzo Quarto XVIII Secolo

Ribalta barocchetto lastronata in noce, Lombardia terzo quarto XVIII secolo. Alzatina con doppio cassetto frontale, anta a ribalta celante scarabattolo, fronte mosso a quattro cassetti di cui uno più piccolo nella fascia, montanti a 45°. Fronte e lati ornati da riserve in radica di noce, abbellite da bordure in bois de rose e filettature in acero. Interni pioppo.

Coppia di poltrone con l'imbottitura in espanso, rivestimento in tessuto e le gambe in metallo con puntale in ottone. Restaurate. Una coppia di poltrone adatte ad un ambiente con una zona relax con uno stile originale e un gusto di altri tempi, il prodotto è stato accuratamente restaurato dal nostro laboratorio, con intervento di restauro con la sostituzione dell'imbottitura e del tessuto.

Coppia di poltroncine, imbottitura in espanso, rivestimento in skai, struttura in legno di faggio.

Striscia per tavolo con lavorazione ad uncinetto Forma rettangolare Colore beige Composizione cotone Dimensioni cm 116 x cm 44

Italia Anni '20 '30

Vassoio in porcellana di Laveno con decoro policromo a motivo floreale al centro del cavetto. Profilo del bordo in oro leggermente usurato. Sotto la base marchio della manifattura.

Lampada a soffitto a luce riflessa. In tubolare cromato, metallo e alluminio smaltato.

Sestante 14 1989

Serigrafia a colori su carta. Firmata a matita in basso a destra, numerata n. IV/XV in basso a sinistra. E' corredata di autentica su foto della Casa d'arte "Il borghetto" di Milano. L'opera era parte della serie "Sestante", costituita da 16 serigrafie differenti. Nel 1982 Alberto Burri realizza Sestante, un grande ciclo di diciassette cellotex e una scultura in ferro, che viene esposto da maggio a settembre dell'anno seguente nello spazio degli ex Cantieri navali della Giudecca a Venezia. L'evocazione del vecchio strumento nautico, che serviva ai viaggiatori per stabilire la posizione di un punto dato rispetto all'orizzonte, è un omaggio al destino marittimo di Venezia. I dipinti sono l'ennesima sfida di Burri: nelle loro combinazioni le forme e i colori del "sestante" creano un ciclo inesauribile dove non c'è la minima ripetizione. All'interno dello stesso quadro, o nell'accostamento di uno all'altro, il caleidoscopio delle forme fa sì che strutture quadrate e curvilinee convivano, insieme ad ampie campiture cromatiche e fitti patterns visivi. Nel 1989 l'artista ripropone il ciclo come opera grafica, realizzando la serie "Sestante". Lo storico dell'arte Bruno Corà ha detto che "nel caso di Burri, parlare di grafica non significa parlare di una produzione minore rispetto ai dipinti, ma soltanto di una modalità artistica diversa e parallela, nella concezione e nell'esecuzione, tale insomma da potersi annoverare con assoluto rilievo nella produzione del grande pittore, a fianco di tutti gli altri suoi rivoluzionari pronunciamenti innovativi". L'opera è presentata in cornice.