Studie für Fresko 1965

Mischtechnik auf Papier. Unten sind die Unterschrift, das Datum und der Titel. Es ist eine Hommage an die große polnische Unternehmerin, Gründerin des gleichnamigen Kosmetikhauses Helena Rubinstein, die in ihrem Todesjahr angefertigt wurde. Giorgio Bellandi, geboren 1931 in Mailand, war ein sehr begabter Bühnenmaler. Schon in jungen Jahren begeisterte er sich für Kunst, besuchte die Brera Academy und wurde ein aktiver Teil des Mailänder Künstlerumfelds jener Jahre. Bellandi arbeitete als Bühnenbildner am Teatro alla Scala in Mailand und debütierte als Maler in den 1950er Jahren, indem er sich dem existentiellen Realismus anschloss, einer in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Mailand sehr aktiven künstlerischen Bewegung, die zu einem der Exponenten wurde dieser Strom. Der existentielle Realismus basierte ursprünglich auf der Suche nach etwas anderem, einer Alternative sowohl zur informellen Malerei als auch zu den Auswirkungen des Existentialismus, insbesondere des politischen, der sich durch die Schäden des Zweiten Weltkriegs durchgesetzt hatte. Ideologisch war diesen Künstlern die Ablehnung von Autoritarismen und von sozialen und politischen Konformismen in einem insgesamt linksorientierten Umfeld gemeinsam. Bellandi ist ein mit Talent und Kreativität begabter Künstler, ein Liebhaber von Ausdrucksfreiheit und Schönheit, und führt Werke von interessanter Lesart mit intensiven, aber harmonischen chromatischen Tönen auf. Mit Leidenschaft für den Comer See kam er oft auf der Suche nach Entspannung und Inspiration ins Lario. '64 nahm er an der Biennale in Venedig teil und '65 wurde er zur IX. Quadriennale in Rom eingeladen. Als sehr aktiver Maler realisiert er viele Ausstellungen auf nationalem und internationalem Gebiet, bis zu seiner Krankheit, die ihm leider im Jahr 1976 zum Verhängnis wurde. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Studi per le "Persecuzioni" 1964

Gruppe von vier Mischtechniken auf Papier, einzeln signiert und datiert 8/10/64, sowie weitere Signatur mit Titel unter der gerahmten Komposition. Dies sind vorbereitende Skizzen für die Werke, die der Künstler auf der Ausstellung ausstellte, die er 1967-68 mit seinem Freund Amilcare Rambelli in der Galleria del Grattacielo in Mailand entworfen und geschaffen hatte. Giorgio Bellandi, geboren 1931 in Mailand, war ein sehr begabter Bühnenmaler. Schon in jungen Jahren begeisterte er sich für Kunst, besuchte die Brera Academy und wurde ein aktiver Teil des Mailänder Künstlerumfelds jener Jahre. Bellandi arbeitete als Bühnenbildner am Teatro alla Scala in Mailand und debütierte als Maler in den 1950er Jahren, indem er sich dem Existenzrealismus anschloss, einer künstlerischen Bewegung, die in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Mailand sehr aktiv war, und zu einem ihrer Vertreter wurde aktuell. Der existentielle Realismus basierte ursprünglich auf der Suche nach etwas anderem, einer Alternative sowohl zur informellen Malerei als auch zu den Auswirkungen des Existentialismus, insbesondere des politischen, der sich durch die Schäden des Zweiten Weltkriegs durchgesetzt hatte. Ideologisch war diesen Künstlern die Ablehnung von Autoritarismen und von sozialen und politischen Konformismen in einem insgesamt linksorientierten Umfeld gemeinsam. Bellandi ist ein mit Talent und Kreativität begabter Künstler, ein Liebhaber von Ausdrucksfreiheit und Schönheit, und führt Werke von interessanter Lesart mit intensiven, aber harmonischen chromatischen Tönen auf. Mit Leidenschaft für den Comer See kam er oft auf der Suche nach Entspannung und Inspiration ins Lario. '64 nahm er an der Biennale in Venedig teil und '65 wurde er zur IX. Quadriennale in Rom eingeladen. Als sehr aktiver Maler realisiert er viele Ausstellungen auf nationalem und internationalem Gebiet, bis zu seiner leider tödlichen Krankheit im Jahr 1976.

Ohne Titel 1958

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Werk von starker emotionaler Wirkung schlägt einen fast monochromatischen violetten Hintergrund vor, in den einige schwarze und weiße Striche eingefügt werden, um eine auf der linken Seite zusammengerollte Silhouette zu definieren, vielleicht eine menschliche Form, gesammelt und in sich geschlossen. Der 1934 in Viareggio geborene und bis heute lebende Maler und Bildhauer Mario Francesconi gilt als einer der wenigen Überlebenden des Dadaismus, der seit Ende der 1950er-Jahre auf einer ausgesprochen persönlichen Suche die Saisonen der italienischen und europäischen Kunst durchläuft Formen und Techniken. Ausgehend von seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1959 entwickelt er einen künstlerischen Weg, der verschiedene Phasen durchläuft, was oft auf eine Leidenschaft für schlechte und recycelte Materialien zurückzuführen ist. Seine künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen den Bereichen Malerei, Skulptur, Collage und Installation und grenzt an die angrenzenden Bereiche der Poesie und Literatur, auch dank Freundschaften und beruflichen Beziehungen zu einigen der bedeutendsten Persönlichkeiten der intellektuellen Welt des Italieners der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts, von Emilio Villa bis Cesare Garboli, von Leonardo Sciascia bis Mario Luzi, von Cesare Zavattini bis Pier Paolo Pasolini, von Alfonso Gatto bis Sandro Penna bis Venturino Venturi. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Druck auf Papier. Seltenes antirassistisches Plakat, das, wie unten angegeben, als Beilage zur Zeitschrift "MAI" vom Juni '68 in der Reihe "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione) veröffentlicht wurde. Es ist ein Manifest der Beat-Bewegungen, die sich in den Jahren 1967-1968 in Italien ausbreiteten: Dank der Verwendung des Mimeographen, der den Druck zahlreicher Flyer, Poster, poetischer Anthologien, kleiner Plaketten und vor allem Zeitschriften ermöglichte, die jungen Beatniks sie schuf einen alternativen Informationskanal, der im Gegensatz zu den offiziellen Kultur- und Kommunikationskreisen das primäre Mittel zur Verbreitung der Prinzipien darstellte, die die Beat-Bewegung belebten. Innerhalb der Zeitschriften und allgemein in den verschiedenen Beat-Aktivitäten nahm das poetische Schreiben als integraler Bestandteil der Praxis des Dissenses eine wesentliche Rolle ein, da es auch eine der Hauptformen des Ausdrucks und der Bejahung eines anderen Lebensideals darstellte wie von einer anderen Vorstellung von Kollektivität. Giorgio Tavaglione war einer der bekanntesten künstlerischen Vertreter der Beat-Bewegung: Als völliger Autodidakt gestaltete er die Plakate, Flyer und Cover der ersten italienischen Underground-Magazine der 1960er Jahre; Nach einer Reise nach Indien für Jahre verschwunden, tauchte er später als Zeichner von Tarotkarten und Talismanen wieder auf, bei deren Erstellung er seine hervorragende grafische Qualität, seinen typischen akribisch-phantasievollen, esoterischen und visionären Stil übertrug. Im Rahmen arbeiten.

Ohne Titel 1964

Mischtechnik auf Papier. Links signiert und datiert. Die Arbeit gehört zur Produktion von Amilcare Rambelli aus den 1960er Jahren, einer Zeit, in der der Mailänder Künstler, Maler, Illustrator, aber vor allem Bildhauer, seine Produktion nach außen richtet, auf der Suche nach einer Einbeziehung des Umweltraums in die Beziehung zwischen Elementen des Organischen Systeme und Strukturen mechanischer Systeme: Eine Designsequenz entsteht, die in seinen Skulpturen komplexe Polymaterial-Assemblagen einleitet, in denen Stahl, Kupfer, Bronze, Aluminium, Plexiglas, Zeichnungsfragmente und Filme ein nie dagewesenes Gleichgewicht finden. Es sind Arbeiten, die zu einer geometrischen Umgebung tendieren, technisch innovativ und suggestiv sind, die den Raum in jeder Richtung mit intensiver Dynamik angreifen und die Suche nach einer Übereinstimmung zwischen dem Künstler und seiner Zeit bezeugen. In der Malerei dieser Zeit, zu der auch das hier präsentierte Werk gehört, setzt Rambelli die gleichen Projekte, die er als Bildhauer gemacht hat, auf Papier oder Leinwand um. Das Werk ist gerahmt.

Das Plakat wurde 1967 in Cologno Monzese in einer limitierten Auflage von 500 Exemplaren gedruckt. Dies ist Exemplar Nr. 7/500, ergänzt durch die Widmung und eigenhändige Unterschrift des Grafikdesigners Giorgio Tavaglione, Autor des Plakats. Es ist das erste Manifest der Beat-Bewegung und der italienischen Underground-Kultur, die seit 1966 in Mailand gefördert wird. An diesem Tag wurde die Zeitschrift „Mondo Beat“ mit dem Regisseur Melchiorre Gerbino geboren, inspiriert von den pazifistischen Protestbewegungen der niederländischen PROVO , und in der Nähe der Bewegungen italienischer Anarchisten. Die jungen Beatniks schufen einen alternativen Informationskanal, der im Gegensatz zu den offiziellen Kultur- und Kommunikationskreisen das primäre Vehikel für die Verbreitung der Prinzipien darstellte, die die Beatbewegung belebten. Innerhalb der Zeitschriften und allgemein in den verschiedenen Beat-Aktivitäten nahm das poetische Schreiben als integraler Bestandteil der Praxis des Dissenses eine wesentliche Rolle ein, da es auch eine der Hauptformen des Ausdrucks und der Bejahung eines anderen Lebensideals darstellte wie von einer anderen Vorstellung von Kollektivität. Giorgio Tavaglione war einer der bekanntesten künstlerischen Vertreter der Beat-Bewegung: Als völliger Autodidakt gestaltete er die Plakate, Flyer und Cover der ersten italienischen Underground-Magazine der 1960er Jahre; Nach einer Reise nach Indien für Jahre verschwunden, tauchte er später als Zeichner von Tarotkarten und Talismanen wieder auf, bei deren Erstellung er seine hervorragende grafische Qualität, seinen typischen akribisch-phantasievollen, esoterischen und visionären Stil übertrug. Das Werk ist gerahmt.

Bildliche Dekoration von Schranktüren

Öl auf dem Tisch. Signiert an der ersten unteren rechten Tür. Es ist die bildhafte Dekoration der acht Türen eines Kleiderschranks, die nach Maß für die Familie des Kunden angefertigt wurden, die eine große abstrakte Szene bilden - fast eine Szenografie! - in sehr zarten Pastellfarben, in denen dekonstruierte, verträumt schwebende Figuren zu sehen sind. Giorgio Bellandi, geboren 1931 in Mailand, war ein sehr begabter Bühnenmaler. Schon in jungen Jahren begeisterte er sich für Kunst, besuchte die Brera Academy und wurde ein aktiver Teil des Mailänder Künstlerumfelds jener Jahre. Bellandi arbeitete als Bühnenbildner am Teatro alla Scala in Mailand und debütierte als Maler in den 1950er Jahren, indem er sich dem Existenzrealismus anschloss, einer künstlerischen Bewegung, die in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre in Mailand sehr aktiv war, und zu einem ihrer Vertreter wurde aktuell. Der existentielle Realismus basierte ursprünglich auf der Suche nach etwas anderem, einer Alternative sowohl zur informellen Malerei als auch zu den Auswirkungen des Existentialismus, insbesondere des politischen, der sich durch die Schäden des Zweiten Weltkriegs durchgesetzt hatte. Ideologisch war diesen Künstlern die Ablehnung von Autoritarismen und von sozialen und politischen Konformismen in einem insgesamt linksorientierten Umfeld gemeinsam. Bellandi ist ein mit Talent und Kreativität begabter Künstler, ein Liebhaber von Ausdrucksfreiheit und Schönheit, und führt Werke von interessanter Lesart mit intensiven, aber harmonischen chromatischen Tönen auf. Mit Leidenschaft für den Comer See kam er oft auf der Suche nach Entspannung und Inspiration ins Lario. '64 nahm er an der Biennale in Venedig teil und '65 wurde er zur IX. Quadriennale in Rom eingeladen. Als sehr aktiver Maler realisiert er viele Ausstellungen auf nationalem und internationalem Gebiet bis zu seiner Krankheit, die ihm leider im Jahr 1976 zum Verhängnis wurde. Es ist möglich, die Türen des Schranks von der Struktur zu lösen und wieder zusammenzubauen ein einheitliches Panel.

Paar Tuschezeichnungen

Tusche auf Papier. Einer der beiden ist rechts unten signiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und Flecken von oft roter Farbe, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und Flecken von oft roter Farbe, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und oft roten Flecken, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Ohne Titel 1990

Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Die Werke des russischen Künstlers Vyacheslav Sawich Mikhailov werden in renommierten Museen wie der Tretjakow-Galerie oder dem Museum of Modern Art in Moskau, dem National Museum of Russian Art, dem Museum of Nonkonformist Art in St. Petersburg ausgestellt. Er gilt als expressionistischer Autor und erschafft Szenen intensiver Dramatik mit unterschiedlichen Techniken. Das hier vorgeschlagene Design ist Teil einer Reihe von Szenen voller dramatisch ineinander verschlungener Figuren mit Körperverrenkungen, mit allegorischen Elementen und oft roten Flecken, die an Blut erinnern. Im Rahmen.

Tableau doré

Mischtechnik auf Sperrholz (Malerei und Silberpapierbögen). Rückseitig authentisch mit Stempel und Unterschrift der Schwester des Künstlers. Das Werk gehört zur Serie der Tableaux dorés, Werke, die der Mailänder Künstler Remo Bianco ab den 1950er Jahren schuf. Der in Mailand geborene und ausgebildete Remo Bianco war ein Schüler von De Pisis, in dessen Atelier er die großen italienischen Künstler des 20. Jahrhunderts besuchte (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Nach der Kriegspause (eingezogen, mit seinem Schiff gesunken und in Tunis gefangen genommen) nahm er seine künstlerische Tätigkeit in Mailand wieder auf, beteiligte sich an der Atombewegung und dem Spatialismus und löste sich vollständig von der figurativen Malerei, um Werke aus zu schaffen Pinselstriche Kartoffelpüree. Anfang der fünfziger Jahre begann er mit unterschiedlichen Materialien malerische und skulpturale Werke zu schaffen und mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren; Zu dieser Produktion gehören die Tableaux dorés, zusammengesetzt aus versilberten oder vergoldeten Aluminiumfolien auf bemalten Sockeln.

Tableau doré

Mischtechnik auf Sperrholz (Malerei und Silberpapierbögen). Rückseitig authentisch mit Stempel und Unterschrift der Schwester des Künstlers. Das Werk gehört zur Serie der Tableaux dorés, Werke, die der Mailänder Künstler Remo Bianco ab den 1950er Jahren schuf. Der in Mailand geborene und ausgebildete Remo Bianco war ein Schüler von De Pisis, in dessen Atelier er die großen italienischen Künstler des 20. Jahrhunderts besuchte (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Nach der Kriegspause (eingezogen, mit seinem Schiff gesunken und in Tunis gefangen genommen) nahm er seine künstlerische Tätigkeit in Mailand wieder auf, beteiligte sich an der Atombewegung und dem Spatialismus und löste sich vollständig von der figurativen Malerei, um Werke aus zu schaffen Pinselstriche Kartoffelpüree. Anfang der fünfziger Jahre begann er mit unterschiedlichen Materialien malerische und skulpturale Werke zu schaffen und mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren; Zu dieser Produktion gehören die Tableaux dorés, zusammengesetzt aus versilberten oder vergoldeten Aluminiumfolien auf bemalten Sockeln. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel 1999

Mischtechnik auf Holz. Rückseitig signiert und datiert. Der in Magenta geborene Giovanni Sesia definiert sich nicht als Maler oder gar Bildhauer oder Fotograf, sondern als „Künstler“. Er besuchte die Brera-Akademie in Mailand und näherte sich der Malerei mit Gemälden mit starkem Zeichen und leuchtenden Farben. Nach einer anfänglichen künstlerischen Recherche im Abstraktionismus und der Entdeckung der Fotografie als technisches Mittel zur Verbindung mit malerischer Ausdruckskraft entdeckt Giovanni Sesia Ende der 90er Jahre ein ganzes Fotoarchiv einer verlassenen psychiatrischen Klinik: fasziniert von alten Fotografien, die Gesichter und Gesichter darstellen Vergessene Orte vergrößert und bearbeitet der Künstler durch Überlagerung von Hintergründen, Bildretuschen und kalligraphischen Einfügungen, thematisiert den Wahnsinn und bringt von Schmerz und Krankheit gezeichnete Existenzen ans Licht, um sie dem Lauf der Zeit und dem Vergessen zu entziehen. Der Sinn für Tradition, die warmen Farben der Erde, Braun, Ocker und Rost sowie die mit einer kaum leserlichen Handschrift erstellten Schriftzüge werden zu persönlichen und unverwechselbaren Merkmalen auch in den Werken, die verschiedene Themen darstellen, wie z. B. Haushaltsgegenstände, Landschaften , die Stadt, alle mit einer gemeinsamen Matrix, dem Menschen und dem Wert der Erinnerung. Das Werk ist gerahmt.

Flucht nach Ägypten 1991

Acryl auf Tablett. Mit Authentifizierung auf handsigniertem Foto des Autors, mit Stempel der Galerie Verlato in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der reichhaltigen Werkserie, die der Künstler Cristalli aufgrund des Verweises auf die Geometrien dieser Mineralien nennt, die er als Energie- und Lichtbehälter betrachtet. Auf einem dreidimensional geformten Brett mit asymmetrischen vorstehenden Punkten, die an die Struktur eines Kristalls erinnern, malt Jori Elemente, die aus dem Hintergrund hervortreten, mit chromatischen Entscheidungen, die sich alle auf denselben Bereich beziehen, aber mit unterschiedlichen Farbtönen, um die Reflexionen des Lichts nachzuahmen. Diese Arbeit besteht aus drei Elementen unterschiedlicher Größe und Form, die horizontal nebeneinander, jedoch ohne einander zu berühren, vorgeschlagen werden: Auf dem schwarzen Hintergrund zeichnen sich die Formen einiger geometrischer Formen ab, in zunehmend helleren Grautönen bis hin zu Weiß, architektonische Strukturen, die an Häuser entlang einer Straße erinnern, den Weg, den die Heilige Familie auf der Flucht nach Ägypten gemacht hat, um von Herodes Erlösung zu suchen. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung.

Weibliches Gesicht 2001

Öl auf Leinwand. Rückseitig datiert und signiert. Der in Seregno geborene Danilo Martinis wurde bei Osvaldo Minotti ausgebildet. Als Maler und Designer hat er prestigeträchtige Residenzen auf der ganzen Welt eingerichtet, seine Werke werden besonders in den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Russland geschätzt. Er liebt es, seine Gedanken durch grafisch-figurative Bilder auszudrücken, die durch geometrische Effekte und chromatische Spiele wiedergegeben werden, wobei er hauptsächlich weibliche Figuren als Interpreten verwendet. In dieser Arbeit schlägt er eine Nahaufnahme eines weiblichen Gesichts vor, das seine Ausdruckskraft durch das Farbspiel in den Bereichen Gelb verstärkt.

Augen 1995

Öluf Leinwand. Rückseitig datiert und signiert. Der in Seregno geborene Danilo Martinis wurde bei Osvaldo Minotti ausgebildet. Als Maler und Designer hat er prestigeträchtige Residenzen auf der ganzen Welt eingerichtet, seine Werke werden besonders in den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Russland geschätzt. Er liebt es, seine Gedanken durch grafisch-figurative Bilder auszudrücken, die durch geometrische Effekte und chromatische Spiele wiedergegeben werden, wobei er hauptsächlich weibliche Figuren als Interpreten verwendet. In dieser Arbeit schlägt er eine sehr Nahaufnahme eines weiblichen Gesichts vor, insbesondere um die Augen zu umrahmen.

Vor einer Stunde 2000

Öl auf dem Tisch. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Galleria Marescalchi in Bologna mit dem Titel, dem Datum, den technischen Daten des Werkes und der Katalognummer (Kat. 91). Der in Viareggio geborene Alessandro Tofanelli absolvierte zunächst das Kunstinstitut Lucca und zog dann von 1977 bis 1980 nach Mailand, um die Brera Academy in Mailand zu besuchen, wo er in diesen Jahren als Illustrator für mehrere von Rizzoli und Mondadori herausgegebene Zeitschriften arbeitete. Es begann sich sofort zu etablieren und gewann nationale Preise; seine bildnerischen Werke werden in bedeutenden italienischen und ausländischen Kunstgalerien ausgestellt und sind Teil bedeutender privater und öffentlicher, nationaler und internationaler Sammlungen. Tofanelli hat seine bildnerische Tätigkeit immer als professioneller Fotograf und Videodokumentarist kombiniert. Zahlreiche seiner Videoarbeiten, die von den RAI-Netzwerken ausgestrahlt werden, sowie seine fotografischen Dienste wurden in Fachzeitschriften veröffentlicht. In all seinen künstlerischen Formen drückt Tofanelli die starke Verbundenheit mit der Natur aus: Eingebettet in sie, eine freundliche Natur, lebt er sie, atmet sie, macht sie zu seinem, interpretiert sie, gibt ihr eine Stimme und malt sie, verwandelt sie in Poesie und stellt sie dar eine Welt, die imaginär erscheint, aber eher eine Welt ist, die war, eine Welt für sich, eine an Träume grenzende Realität, ein Eden, in dem das Leben einfach und vom langsamen Rhythmus der täglichen Gesten geprägt ist und sich in Gegenständen des Alltags identifiziert Leben, in dem die Anwesenheit des Menschen wahrgenommen werden kann, der sein Leben und seine Geschichte erzählt, ohne ihn jemals darzustellen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.