Antikes Gemälde Lorenzo Gignous Landschafte Öl auf Holzbrett

Ölgemälde auf Leinwand. Französische Schule. Unten links sind die Unterschrift und das Datum rückwärts geschrieben; die Signatur ist als H. Faillade lesbar. Unten rechts steht der lateinische Schriftzug „Quando ex exilio redibit!!!“ (Wenn er aus dem Exil zurückkehrt!). Diese Schrift unterstreicht die Verbundenheit des dargestellten Mannes mit dem jungen General, der auf dem kleinen Bild abgebildet ist, das er in der Hand hält, wahrscheinlich sein Verwandter und mit der Monarchie Karls verbunden, dem letzten Herrscher der bourbonisch-französischen Dynastie, absolutistisch und anti- liberaler Monarch, der 1830 während der Julirevolution, der sogenannten Zweiten Französischen Revolution, vom Thron gestürzt wurde und ins Exil floh. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Komposition besteht aus gemischten Früchten – Weintrauben, Äpfeln, Mispeln, Feigen – auf einem Tuch platziert, zusammen mit einigen Pilzen und einigen rosa Pfingstrosen. Die Farben heben sich vom dunklen Hintergrund ab. Das Gemälde wird in einem angepassten Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links ist eine ganz leicht nachgezeichnete und nicht entzifferbare Signatur zu sehen. Auf dem Rahmen befindet sich eine Plakette, die das Werk Jean-Baptiste François Pater (1695-1736) zuschreibt, was als inkonsistent gilt. Die Landschaft entwickelt sich nahe der Mündung eines Flusses ins Meer; Auf der linken Seite befindet sich der Treppenabsatz, der direkt zu einer Häusergruppe führt. rechts verlässt ein Ruderboot mit zwei leicht bekleideten Figuren das von Bäumen gesäumte Ufer. Das unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Signiert J.M. de Medeiros

Ölgemälde auf Leinwand. Am rechten Rand befindet sich eine Widmung in portugiesischer Sprache „Ill';... Offerece Agradecide (with gratitude)“ mit der Signatur JM De Medeiros und dem Datum 1875. Das Werk geht auf den brasilianischen Maler De Medeiros zurück, von dem Er weiß nur, dass er 1885 an der Akademie der Schönen Künste in Rio de Janeiro lehrte. Das Gemälde zeigt das Porträt eines älteren Mannes mit wallendem Bart, ernstem und konzentriertem Blick auf etwas Fernes und gekleidet in eine Tunika und Pallium , daher erinnert es an die Figur eines Denkers oder Philosophen der Antike. Die Arbeit hat Aufnäher auf der Rückseite. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert,

Öl auf Leinwand. Es ist höchstwahrscheinlich eine bildliche Darstellung einer tragischen antisemitischen Episode. Rechts sieht ein Soldat in russischer Uniform, verwundet heimkehrend, die dramatische Szene der ermordeten Familie vor Augen, die der Rabbiner im Gebet beobachtet. Das zerrissene Fenster und die durchwühlten Schubladen weisen auf den gewaltsamen Überfall der Killer hin. Links vom Spiegel finden wir eine hebräische Inschrift, die auf den Ort oder die Spur hinweisen könnte, die der Künstler vorschlägt. Das Wort könnte als "Ciro" übersetzt werden und könnte sich auf das Gebiet von Georgien und Aserbaidschan beziehen, das von der Kura durchquert wird, einem Fluss, der von der Türkei in das Kaspische Meer mündet und im 19. Jahrhundert genau als Ciro bekannt war. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Schmerzende Maria

Flachrelief aus Marmor. Signatur am linken Rand eingraviert. Der in Cannobbio (am Lago Maggiore) geborene Giulio Branca wurde vom cannobianischen Bildhauer Bergonzoli in die Kunst eingeführt und besuchte anschließend die Akt- und Bildhauerschule von G. Strazza an der Brera-Akademie. Geboren in Cannobio am 13. Dezember. 1850 von Ludovico, von dem cannobianischen Bildhauer Bergonzoli in die Kunst eingeweiht, besuchte die Aktschule und die Bildhauerschule von G. Strazza an der Brera-Akademie. Er schuf etwa vierhundert Skulpturen, darunter Gedenkdenkmäler, Grabdenkmäler und Porträtbüsten. Branca beteiligte sich nach einem Wettbewerb auch an der Fertigstellung der jahrhundertelang unvollendeten hohen Mauer der Kathedrale von Como und schuf zwischen 1897 und 1900 verschiedene weiße Marmorfiguren an der Fassade und am Altar. Das präsentierte Werk ist ein Flachrelief, das in halber Länge die Schmerzensmuttergottes, flankiert von zwei frommen Frauen, zeigt. Es wird in einem zeitgenössischen Holzgestell aus dem späten 19./frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ansicht mit Ruinen

Aquarell auf Papier. Unten rechts signiert. Salomon Corrodi etablierte sich als Landschaftsmaler und schuf eine umfangreiche Produktion von Ansichten vor allem der römischen Landschaft, aber auch der Amalfiküste, Neapel und der ligurischen Riviera, die in ganz Europa großen Erfolg hatte. Er bevorzugte die Aquarelltechnik. Das Gemälde weist Bruchspuren auf und muss restauriert werden. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Malerei unter Glas, auf konvexer Glasfläche. Die beiden ovalen Gemälde bieten Landschaften, die durch Figuren von Menschen belebt werden, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen: In einem befindet sich die Umgebung in den Bergen mit kleinen Chalets unten am Bach und unter felsigen Gipfeln; in der anderen fließt stattdessen nachts ein ruhiger Fluss in der Nähe von bewaldeten Ufern, der vom Vollmond beleuchtet wird. Die Gemälde werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, die aufgrund von Mängeln restauriert werden müssen.

Bleistift auf Papier. Unten rechts auf beiden der Schriftzug „Pietro Mulazzi sketched“ mit der Jahreszahl 1883. Von einem unbekannten, aber im Umgang mit Bleistiften geübten Künstler handelt es sich um die Portraits eines bürgerlichen Paares, dessen graue Gesichter sich deutlich vom roten Papiergrund abheben . Sie werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, mit mehreren Mängeln (zu restaurieren).

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Es handelt sich um eine traditionelle Szene der Kreuzabnahme Christi, wobei der leblose und blasse Körper in die Arme seiner Mutter Maria gesenkt wird, die wiederum vom Jünger Johannes umarmt und in ihrem Schmerz gestützt wird, und um ihn herum, an der Trauer teilhabend, zwei fromme Frauen und zwei Jünger. Die Szene zeichnet sich durch eine diagonal absteigende Linearität aus, die dem Körper Jesu folgt, beginnend mit der auf der linken Seite erhobenen Kreuzstange und endend mit der Frau, die sich auf der rechten Seite niederkauert, um die Füße Jesu zu umarmen. Rundherum ein kahler und grauer Hintergrund, der die Dramatik und Leere, die er erzeugt, unterstreicht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Jungfrau ist in Herrlichkeit dargestellt, sie steht im Himmel und ist von kleinen Engeln umgeben. Das noch auf der ersten Leinwand befindliche Werk wurde auf einen modernen Keilrahmen aufgetragen: Diese Tatsache sowie die Unvollständigkeit der Marienfigur lassen darauf schließen, dass das Gemälde Teil einer größeren Leinwand war. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In der Komposition kniet eine Frau mit ihrem Kind in alter Kleidung und flankiert von einem Ochsen auf einem steilen Boden und streckt ihre Arme in einem Akt des Flehens oder vielleicht der Kontemplation nach oben: Es könnte sich um eine Interpretation Marias handeln, die das Jesuskind zum Nachdenken begleitet sein Schicksal, mit dem Ochsen, der auf die Geburt und das einfache pastorale Leben der Heiligen Familie verweist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde weist mehrere Spuren von Farbverlust auf. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.