Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Gesicht

Malerei aus Stein. Signiert Igor And. auf der Rückseite. Der Stein verwandelt sich in ein besonderes, lebendiges und neugieriges Gesicht; seitlich weitere Dekoration mit einer Landschaft aus Himmel, Erde und Blumen. Igor Andreev,, der in 1952 in Leningrad geboren ist, ist ein russischer Künstler, der 1972, während einer Kanadareise aus der Sowjetunion floh. Er beschloss, sich in diesem neuen Leben der Kunst zu widmen. 1981 zog er nach Paris, wo er lebt und arbeitet. In seinen als Neo-Pop-Art definierten Werken verwendet er einfache Materialien und Formen, um eine positive, fröhliche und farbenfrohe Welt zu schaffen.

Die Dudelsack Spieler

Öl auf Sperrholz. Ungefähr 1930. Unten rechts und hinten signiert. Ubaldo Oppi, geboren in Bologna, hatte ein sehr schwieriges Leben, auch künstlerisch: Er studierte zunächst Malerei in Wien, tourte dann durch Europa und hielt lange in Paris auf, wo er Picasso besuchte; dann kehrte er nach Venedig zurück und begann auszustellen. 1915 brach er im Korps der Alpentruppen an die Front auf und kämpfte bis 1918, als er nach Mauthausen deportiert wurde. In der Nachkriegszeit näherte sich Oppi, der sich in Mailand niederließ, über Margherita Sarfatti der Bewegung der sieben italienischen Maler des 20. Jahrhunderts, der er jedoch nur kurze Zeit verbunden blieb. Er war auf zahlreichen Biennalen in Venedig und im Ausland vertreten, im Februar 1926 nahm er an der I Mostra del Novecento Italiano im Palazzo della Permanente in Mailand teil. 1928 reifte sein Übertritt zum Katholizismus, der das religiöse Thema in seine Bildproduktion einführte, die sich bisher hauptsächlich auf die Figuren- und Porträtmalerei konzentrierte. Als der Krieg ausbrach, nahm er 1941 den Militärdienst wieder auf, doch bald brachten ihn gesundheitliche Probleme zurück nach Vicenza, wo er am 25. Oktober 1942 starb. Das vorgeschlagene Werk ist ein Genrethema, wobei der alte Spieler im Vordergrund steht. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert, um restauriert zu werden.

Öl auf Leinwand. Das Porträt der nüchternen Dame in Schwarz wird in einem ungewöhnlichen Äußeren vorgeschlagen, das sie auf einem kahlen Felsblock mit dem Hintergrund von rosa Gipfeln und blauem Himmel sieht, um eine romantische Atmosphäre zu schaffen. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Alte Häuser am Mugnone

Öl auf Sperrholz. Unten rechts signiert. Weitere Signatur und Titel auf der Rückseite. Der als Autodidakt ausgebildete Florentiner Künstler Guido Somelli debütierte schon in jungen Jahren in seiner Stadt, um bald an italienischen und ausländischen Shows und Ausstellungen teilzunehmen. Seine Produktion tendiert, wie er selbst sagte, zu "guter Malerei, ohne fachliche Spezialisierung, davon überzeugt, dass die Wahrheit reine Schönheit und Poesie ist und dass das Studium der Kunst kein anderes Ende als das Leben hat". Wiederkehrend sind die Landschaften und Einblicke in Florenz und die umliegende Landschaft, wie die hier vorgestellte, eine Landmaus entlang des Mugnone, einem Nebenfluss des Arno. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Karton. Spanische Schule. Der spanische Heilige Domenico von Guzman (1170-1221) war ein Prediger und Gründer des Ordens der Predigtbrüder, der auch häufig mit der Inquisition in Verbindung gebracht wird. Ikonographisch ist er mit dem weiß-schwarzen Umhang seines Ordens dargestellt; in dieser Darstellung von Hand und Volksgeschmack trägt er auch Sackleinen und Stola, trägt mit einer Hand die Monstranz, mit der anderen hält er eine Statue der Madonna mit Kind, die Themen seiner Predigt. Der Heilige befindet sich in einem ländlichen Kontext: Auf beiden Seiten befinden sich zwei Kirchen, zu seinen Füßen Figuren von Bauern mit Herden und von Fischern, ein Zeichen der Menschen, denen er predigte. Das Gemälde wird in einem gestylten Rahmen präsentiert.

Öl auf Kupfer. Die Magdalena, in ihr langes Haar gehüllt, mit dem sie ihre Nacktheit bedeckt, richtet ihren Blick zum Himmel, aus dem Engel herausschauen. Um sie herum eine karge Landschaft. Das Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 20. Jahrhundert präsentiert.

Landschaft 1927

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Kartusche mit der Adresse des Künstlerateliers und dem Titel des Werkes; in Bleistift ist auch ein Vermerk des Besitzers (ebenfalls Maler) "Geschenk des Autors, 19.03.1930". Noel Quintavalle (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), gebürtiger Ferrara, aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet in Mailand, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten aus, indem er verschiedene Bände (Satire, Märchen, Kurzgeschichten, Kriegserinnerungen) herausgab und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten waren ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Die hier präsentierte Landschaft - ein hügeliger Blick, mit weitem Blick, der sich vom Weg unter dem Laubbaum öffnet - gehört in die noch dem Divisionismus nahestehende Zeit Noelquis, in der er eine Technik mit kleinen, fast punktförmigen Pinselstrichen verwendete, die eine größere Helligkeit und jedes Element oder eine Figur mit einer magischen Aura umgibt. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Strandarbeitsszene

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Die imposante Szene beschreibt das Unterfangen, ein Boot mit einem Pferdeanhänger an Land zu ziehen: Die sechs mächtigen Tiere sind die Protagonisten, die sich paarweise auf verschiedenen Etagen befinden, während einige Fischer die Abschleppseile arrangieren; Meer, Himmel und Strand sind auf drei parallelen Linien platziert, die auch chromatisch ineinander übergehen; senkrecht zu diesen Linien der Fahnenmast des Bootes, der die Verbindung zwischen den drei Elementen herstellt. Edgar Pierre Jozef Farasyn (sein Name erscheint auch als "Edgard Farasyn" und "Edgard Farasijn"). Belgischer Künstler, ausgebildet in Antwerpen, wo er dann arbeitete, war er Maler, Aquarellist, Graveur, Grafikdesigner. I Er malte zunächst Szenen für Kinder, wechselte aber ab 1885 zur Malerei im Freien, malte viele Stadtszenen und auf dem alten Fischmarkt von Antwerpen, aber auch viele ländliche Landschaften und Ansichten der Dörfer. Vom Meer angezogen, hielt er sich dort regelmäßig auf und schuf viele realistische Szenen aus dem Leben der Fischer und ihrer Familien. Seine frühen Werke zeichneten sich durch einen realistischen Stil mit eher grauen und düsteren Farben und einer strengen Atmosphäre aus. Später wechselte er zu einer helleren Verwendung von Farben und einer subtilen Darstellung von Licht. Die hier präsentierte Arbeit lässt aufgrund ihres (für den Künstler ungewöhnlichen) Formats auf eine Arbeit für einen wichtigen Auftraggeber schließen. Es wird in einem reichen goldenen Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Auf einem Feldweg wird eine Verführungsszene beschrieben: Eine stehende junge Frau zeigt dem Mann, der sich mit ihrem Partner zur Ruhe setzt, ihren Körper; während er wegschaut, schaut seine Frau traurig auf die junge Hure, die ihren Partner an der Hand hält. Andere Reisende erscheinen auf dem Weg. Vielleicht von allegorischer Bedeutung, unterstreicht das Gemälde den Kontrast zwischen der Frische, Helligkeit und Inbrunst des jungen weiblichen Körpers, dessen Schönheit zur Schau gestellt wird, und der unscharfen, gebündelten, fast verborgenen Form der beiden älteren Körper. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich mit Bleistift eine Zuschreibungshypothese an Giuseppe Gambarini (1680-1725). Trotz der zweifelhaften Zuschreibung ist das Gemälde in der Bildqualität und in der Darstellung des Sujets gut gelungen. Restauriert und unterfüttert, präsentiert es sich in einem neu adaptierten antiken Rahmen.

Bleistift, Kohle und Bleiweiß auf Papier. Unten rechts signiert (Amalia Bianchi?) und datiert. Sehr effektvoll ist der Einsatz unterschiedlicher Bildpigmente, die ein Hell-Dunkel-Spiel erzeugen und die Elemente der Figur gut unterstreichen. Das Porträt wird in einem Holzrahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert, der mit Ledereinsätzen in Form von Blättern und Blumen verziert ist, mit einigen kleinen Stürzen und Mängeln.

Mohnblumen in Vase 1948

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Komposition aus Mohnblumen in Vase, mit Keramik Jungfrau an der Rückwand. Noel Quintavalle (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), gebürtiger Ferrara, aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet in Mailand, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten durch die Herausgabe verschiedener Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) aus und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten waren ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Seine Produktion floraler Motive geht auf die 1940er Jahre zurück, verbunden mit der Zeit, in der er das Bedürfnis nach Innerlichkeit wiedererlangte und sich den ästhetischen Konzepten der Kunst des "20. Jahrhunderts" annäherte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Zwei Berglandschaften

Öl auf Sperrholz. Beide unten signiert. Auf der Rückseite befindet sich eine weitere Signatur mit den Titeln, die die abgebildeten Orte identifizieren, und den Daten. Das größte (44 x 34 cm) von 1947 zeigt Valle Cordevole (Bellluno); die zweite (39,5 x 35) von 1962 zeigt La Grignetta aus Pian dei Resinelli. Der Lecco-Künstler Giuseppe Valsecchi hat, obwohl er das menschliche und soziale Engagement der Mailänder Bewegung von Corrente (der Künstler wie Guttuso, Treccani, Sassu angehörten) geteilt hat, eine stärker evokative und intime Ader nicht vernachlässigt, die sowohl in der Herstellung von Porträts und Landschaften, inspiriert durch die Aussicht aus den Fenstern seiner Häuser.

Kircheninnenraum

Ölgemälde auf Leinwand. Auf der Rückseite signiert. Vittore Zanetti Zilla wurde in eine wohlhabende venezianische Familie geboren und begann als Autodidakt zu malen, inspiriert von Giacomo Favretto, einem Freund der Familie, bevor er unter der Leitung von Guglielmo Ciardi an die venezianische Akademie der Schönen Künste wechselte. Tatsächlich geht er nach seinem Vorbild von Genreszenen seiner ersten Periode zur Landschaftsmalerei über. Auf Reisen, zunächst in Italien, kommt er der neapolitanischen Schule sehr nahe; ab 1898 begann er seine langen Auslandsreisen, die ihn den verbreitetsten europäischen Landschaftsinstanzen näher brachten und zu einer sehr modernen Bildsprache führten. Seine ersten Einzelausstellungen richtet er vor allem im deutschen und österreichischen Raum ein, wo er erfolgreich ist; die Fremdverunreinigung tritt auch in der Wahl der Bildtechnik auf, die vom Aquarell zum Ölgemälde und schließlich zur Tempera übergeht, die ihn später charakterisieren wird. Mit dem Ersten Weltkrieg kehrte Zanetti Zilla nach Italien zurück, zuerst nach Florenz und dann nach Mailand, kam aber dem Genre der venezianischen Landschaft sehr nahe und wurde schließlich leidenschaftlicher für das Stillleben. Mit dem Übergang zur Verwendung von Tempera verfeinert Zanetti Zilla jene Technik, die zu seinem Erkennungsmerkmal werden wird: Durch große und dicke Pinselstriche schafft er Werke von intensiver Farbbrillanz und mit einem durch den abschließenden Ölfirnis erhaltenen Porzellanglanz verschleiert. Die vorgestellte Arbeit schlägt das Innere einer Kirche mit betenden Figuren vor. Die Bildtechnik drückt diese Kontamination aus der nordeuropäischen Malerei bereits aus und ordnet sie bereits in die Zeit des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts ein. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts und hinten signiert (Verschafeldt). Leichte Farbverluste. Im Gleichzeitigkeitsrahmen mit Fehlstellen. Frühes 20. Jahrhundert.

Sant ' Ambrogio

Originales Ölgemälde auf Karton für die Herstellung des Buntglasfensters der Kirche von Viggiù (Varese), für das der Meister Aligi Sassu viele Werke angefertigt hat. Dieses Gemälde wurde von Alessandro Grassi, einem Glasmachermeister, signiert, der mit vielen italienischen und ausländischen Architekten und Künstlern zusammengearbeitet und die endgültige Arbeit in Zusammenarbeit mit dem Künstler realisiert hat. Das Gemälde zeigt den heiligen Ambrosius, den Schutzpatron Mailands, als er Kaiser Theodosius I., der sich vieler Verbrechen schuldig machte, als Christ den Eintritt in die Kirche verweigerte. Im Rahmen. 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert S. Ronzoni. Der Künstler bietet einen Blick auf den Hafen, mit Booten am Kai und den Matrosen, die mit Waren auf ihren Schultern beschäftigt sind; die Bildstriche sind in breiten Pinselstrichen und ohne Umrisse, die Farben in wenigen Farbtönen, die ineinander übergehen und eine schwebende Atmosphäre schaffen. Das Gemälde wird in einem gestylten Rahmen mit Mängeln präsentiert.

Öl auf Leinwand. Blutige Szene mit einem Puma, der zwei Wachhunde angreift. Die Hunde sind frei von ihren Ketten, aber sie erliegen dem Puma. Restauriert und unterfüttert, muss es gereinigt werden. Wiederbelebter vergoldeter Rahmen. 18. Jahrhundert.

Gruppe von drei kompositionen, natur

Tempera auf Papier auf Leinwand aufgetragen. Die Kompositionen zeigen verschiedene Vögel und Schmetterlinge, die über Blumen fliegen. Guter Zustand, kleine Feuchtigkeitsstellen. In gleichem Rahmen präsentiert. 18. Jahrhundert.