Ribalta a Giorno Intarsiata - Francia Fine XVIII Secolo

Scena di Sacrificio a Venere

Acquarello su carta. In basso a sinistra il nome Giuseppe Cades, Benchè al retro, oltre all'attribuzione, sia proposto il titolo "Il giuramento della Vestale", la scena propone piuttosto una fanciulla che offre ghirlande di fiori alla statua della dea Venere, tradizionalmente raffigurata discinta, che trattiene con una mano il velo a coprire i lombi mentre l'altra va a coprire il seno, e il capo con i capelli raccolti e adorni di fiori. Alle spalle della ragazza un giovane uomo assiste alla scena, mentre un terzo sbircia da dietro la colonna del tempio: pare pertanto una scena di supplica alla dea, perchè favorisca l'amore dei due giovani: secondo la tradizione sia greca che romana, le giovani donne prima delle nozze si votavano a tale dea, considerata protettrice del matrimonio e della fedeltà coniugale. L'opera pare vicina alla produzione di Giuseppe Cades, che nel decennio 1780-90 divenne uno dei più noti ed apprezzati personaggi del mondo artistico romano, e fu anche disegnatore e incisore. L'opera è presentata in cornice.

Capriccio Architettonico con Figure

Inchiostro bruno su carta. Scuola veneta della seconda metà del XVIII secolo. Si tratta di un bozzetto con un scorcio del Palazzo Ducale di Venezia visto dagli archi di un palazzo antistante, e con abbozzi di figure. Il disegno proviene da un'importante collezione privata italiana. Presentato in cornice in stile.

XVIII Secolo - dal 1701 al 1800

Cornice in legno intagliato e pastiglia con doratura coeva. Decori a pastiglia con putti, motivi vegetali ed elementi che riconducono alla Passione di Cristo. Al centro Cristo in legno di tiglio laccato con evidenti mancanze e laccatura in gran parte consumata. La scultura raffigurante Cristo in croce è coevo alla cornice.

Sinassi di Santi con Maria e Cristo in gloria e Arcangeli.

Tempera su tavola con riza in metallo, dorato in corrispondenza delle aureole. L'icona vede nella metà inferiore un gruppo di sei santi, di cui è indicato il nome in caratteri greci, mentre nella parte superiore vi sono Maria e Gesù in Gloria, affiancati da arcangeli. I santi raffigurati sono, da sinistra a destra: San Gregorio Magno, San Basilio Magno, San Giovanni vescovo, San Pietro apostolo, San Paolo apostolo, Sant' Andrea apostolo, tutti santi importanti nella liturgia commemorativa ortodossa. Le figure sono inscritte in un decoro floreale. Nella chiesa dei primi secoli, la sinassi (dal gr. Sýnaxis: adunanza) era la riunione dei fedeli per la lettura dei libri sacri e per la celebrazione eucaristica. Sinassi dunque allude alla presenza di un gruppo di persone (angeli, santi e sante, metropoliti e monaci) che attorniano una raffigurazione centrale, quindi nell'arte iconografica corrisponde ad un gruppo di santi o angeli che circondano Cristo o la Madonna per glorificarli. Nella liturgia ortodossa tali icone di solito vengono esposte e celebrate nel giorno successivo a quello di una festa importante di cui tali Santi sono stati coprotagonisti. L' icona presenta piccole cadute di colore diffuse. Rinforzo ligneo al retro. La riza è attualmente smontata dalla tavola, richiede piccolo intervento di rimessa in forma per il rimontaggio.

Tecnica mista su carta, applicata su cartoncino. Scuola italiana. Al retro è proposto il nome di Londonio: la delicata opera richiama sicuramente nel soggetto e nei modi l'opera di Francesco Londonio (1723-1783), l'artista milanese che si specializzò nel genere animalista e pastorale. Si può considerare piuttosto opera ispirata al Londonio, di artista vicino al suo ambito.

Olio su tela. Scuola centro-Europa. La scena è ambientata nella bottega di un barbiere, che è intento a tagliare i capelli di un uomo sotto lo sguardo attento di altri clienti e, soprattutto, di alcune donne con i bambini, una delle quali osserva addirittura con degli occhialini il risultato dell'opera. Gli occhiali nell'arte furono introdotti dapprima come segno di distinzione, e poi anche come segno di attenzione scientifica, delineando progressivamente la figura dello studioso, del medico e del chirurgo: in questa tela in realtà sottolineano l'ironia della scena, utilizzati come strumento per un attento esame femminile del taglio di capelli del coniuge! Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

Tempera su carta, applicata a faesite. L'episodio biblico raffigurato, narrato nel libro dell'Esodo, racconta di come il giovane Mosè, ancora alla corte del faraone d'Egitto, difende le sette giovani figlie del sacerdote Jetro, importunate da alcuni pastori madianiti mentre attingono acqua al pozzo. A seguito di questo suo intervento, Mosè riceverà in moglie una delle figlie di Jetro, Sefora. Soggetto ampiamente riproposto nell'arte, è qui presentato con un'attenzione particolare alla componente ritrattistica, con un'esacerbazione particolare dei tratti espressivi, sia nei volti che nelle pose, dei personaggi. La scena è molto movimentata, con la figura di Mosè centrale, vigorosa e combattiva, che divide in due il campo: alla sua sinistra le sette ragazze, ognuna caratterizzata da un comportamento diverso; alla destra i pastori importuni, che subiscono l'ira di Mosè. Di sfondo, un paesaggio tipico delle produzioni dl XVIII secolo, con una rovina architettonica dietro il pozzo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-Europa. Nella scena ambientata all'interno di una taverna, è descritta una rissa tra due uomini, che sono trattenuti dagli altri avventori e dalla locandiera; sul tavolo, di fianco al pranzo interrotto, le carte della partita che ha scatenato la lite. Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

XVIII secolo

Dipinto sottovetro. Cristo in Croce e la Maddalena in ginocchio ai suoi piedi, discinta e on i lunghi capelli sciolti secondo la tradizionale iconografia; per terra vicino alla Croce, un teschio, tradizionale Memento mori, e un vasetto di alabastro, quello contenente l'olio prezioso con cui, secondo il racconto evangelico, la Maddalena unse i piedi di Gesù in segno di devozione di riconoscimento di regalità. Il dipinto è presentato in cornice lignea coeva.

Sant'Antonio Abate e San Paolo l'Eremita

Olio su tela. Si tratta di un grande paesaggio nordico, sovrastato da cime rocciose a sinistra e un lago con isoletta centrale a destra; in primo piano alcune figure che raccontano la leggenda di San Paolo Eremita, sulla sinistra, e Sant'Antonio abate, sulla destra con un centauro. La Legenda Aurea di Jacopo da Varagine racconta che sant'Antonio abate fece visita a Paolo eremita, il quale da quarant'anni viveva in solitudine nutrito da un corvo che ogni giorno gli portava il pane. Sant'Antonio chiese notizie ad un centauro, che anche in questa scena gli indica con il braccio la strada seguire. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice in stile.

Dipinto sottovetro. La Maddalena è raffigurata in preghiera davanti al Crocifisso, discinta e con i lunghi capelli disciolti, attributi che la caratterizzano. e con le mani sopra un teschio, tradizionale Memento mori. Il dipinto presenta lievi cadute di colore. L'opera è presentata in cornice coeva, applicata su cornice più grande della fine dell'800.