Grande Specchio Anni 40-50

Mariuccia e Guido

Matita e pennarello su carta. Firmati singolarmente in basso. Si tratta di due disegni in cui l'artista, con una linea continua, traccia dei nomi propri, in un su e giù geometrico. Bruno Munari, poliedrico artista che amava giocare con il movimento e la luce nella ricerca di nuove fantasiose soluzione creative, dedicò molto del suo tempo alla didattica per l' approccio all'arte, realizzando sia presso l'Accademia di Brera che direttamente presso le scuole, laboratori di Arte creativa. In questo ambito una delle attività proposte ai bambini era quella di scrivere il proprio nome in modo creativo: questi disegni esprimono proprio questo tipo di creatività, applicata al nome di persone da lui conosciute. I disegni provengono dalla collezione privata di famiglia di amici e sono presentati in cornice.

Le Bionnay 1892

Olio su tela. Firmato, datato e localizzato in basso a destra. Si tratta di un piccolo scorcio della località di Le Bionnay, situata nell'Alta Savoia: vi è raffigurato il danno provocato da una slavina, che ha distrutto una delle baite del paesino. L'opera è presentata in cornice dorata di metà '900 (piccole mancanze).

Contadinella con Galline

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Giuseppe Gheduzzi, artista figlio d'arte, si distinse come paesaggista ma soprattutto per i suoi interni con figure, stalle, negozi di antiquariato insieme a freschi temi orientalisti ed a efficaci paesaggi marini frutto dei suoi frequenti soggiorni in Liguria. E' qui proposto l'esterno di un cascinale, con una figuretta femminile che dà il mangime alle gallinelle. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Nell' ovile, 1857

Olio su tavola. Firmato e datato al centro del margine sinistro. Al retro sono presenti un'etichetta di una Mostra d'opera d'arte tenuta a Sondrio nel 1966 e una di Galleria d'arte Martina di Torino. Eugène Verboeckhoven, artista belga, si distinse per la pittura di animali, inseriti in paesaggi oppure collocati in interni di stalle. Appartenne a quella scuola di artisti che partendo dall' osservazione della natura, creava composizione studiate nei particolari, riproduzioni idealizzate della realtà. Grazie alla sua destrezza nel raffigurare animali, molti artisti lo chiamarono per arricchire le loro opere con alcuni dei suoi animali e figure. Tra il 1841 e il 1842 visitò l'Italia, la Svizzera e la Scozia. L'opera qui presentata, un interno di ovile con le pecore e polli razzolanti, è presentata in cornice in stile.

Il suonatore di violino

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. L'artista milanese, figlio del famoso pittore Alcide Davide Campestrini, si dedicò alla natura morta, alla pittura di figura e al paesaggio alpino, con una tecnica legata alla scuola paterna ed alla tradizione tardo ottocentesca. dipinto presentato in cornice coeva.

Olio su tela. Il grande paesaggio ritrae un tratto di campagna boschiva, traversata da un ruscello, in prossimità di colline. Sul sentiero oltre il ruscello, una piccola figura di viandante, che si allontana. Domina anche nelle cromie l'elemento naturalistico, con una vasta gamma di verdi e di bruni, che si ritrovano anche nel ruscello come riflessi delle piante. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di inizio '900.

Tecnica mista su cartone. Ritratto di una giovane donna che pare in lutto, sia per l'abbigliamento completamente nero, sia per lo sguardo triste e compreso. Dipinto in stile di inizio '900, periodo al quale rimanda anche l'abito della donna. In basso a destra è presente una firma non decifrata. E' presentato in cornice in stile.

Olio su cartone. Suggestivo scorcio montano che inquadra un picco roccioso e brullo, sormontato da pochi pini svettanti al centro; sullo sperone roccioso si delinea, piccolissima, una figura umana, in contemplazione del paesaggio; di sfondo le cime innevate, che sfumano nel cielo. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Olio su tela. La scena è ambientata all'internodi un casolare popolare: davanti al grande camino, ove sopra il fuoco bolle il pentolone, siede una donna con un bambino in braccio, mentre altre due donne attendono sulla soglia guardando fuori, con il piatto in mano, ed un altro bambino mangia la sua zuppa seduto su no sgabello. La scena è dominata dalle cromia terrose, con un unico squarcio di luce che entra dalla soglia, inquadrando un cielo bianco-azzurro. Il dipinto è presentato in cornice coeva ridorata.

Tecnica mista (matita, penna, inchiostro marrone e gesso bianco) su carta. Scuola italiana di inizio '800. La scena rappresenta l'incontro tra un alto sacerdote e un condottiero: se questi è seguito da tutto il suo esercito, con soldati di diverso grado truci e armati, il sacerdote è seguito da tutto il popolo che inneggia al vincitore, mentre due giovani donne in ginocchio offrono corone di fiori. Alle spalle della scena, le possenti mura con la porta d' ingresso ad una città, verso la quale indica il sacerdote, quasi a consegnarla al condottiero. L'abbigliamento del sacerdote, in particolare la presenza del pettorale cosiddetto "della Decisione" che egli indossa, rimandano ad un sacerdote israelita, e quindi la città potrebbe essere Gerusalemme; invece l' abbigliamento del condottiero vincitore, con l'elmo sormontato da due cavalli, rimanda ad Alessandro Magno, che nel 332 a.C. conquistò effettivamente la città. Il disegno è presentato in cornice in legno intagliato di fine '800.

Olio su tela. La grande scena raffigura Maria, già Assunta in cielo e sorretta sulle nuvole da angioletti, che riceve la Corona dalla santissima Trinità. Tale incoronazione esprime l'apoteosi di Maria, che diventando "Regina del cielo" assurge a tramite tra la terra, l'Umanità, e il Cielo, la Divinità: ciò che non è dato vedere all'uomo diventa possibile attraverso Maria che in questa glorificazione è più che mai il filo tenace che ci lega all'Altissimo, vera “porta del cielo”, come viene definita dai Padri della Chiesa. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Il Santo, in primo piano, è raffigurato in ginocchio, adorante il Crocifisso che regge con una mano, mentre l' altra indica in basso il teschio, il tradizionale "Memento mori". La figura è collocata all'interno di una grotta, dalla cui apertura si intravvede un paesaggio arido e brullo; da un pertugio nella roccia entra la luce che si irradia linearmente sulla Croce per arrivare al volto del Santo. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice lignea del XIX secolo.