Natura Morta con Fiori Pianta in Vaso e Capitello

Interno con Caminetto

Olio su tela applicata a cartone. Firmata in basso a sinistra. Corredata di autentica su foto della Collezione Orler. All'interno di un'abitazione popolare, corredata di attrezzi da cucina, una giovane donna è seduta davanti al camino acceso, intenta a mondare della verdura; dalla finestra in alto a sinistra entra la luce di una giornata luminosa e chiara, che si irradia nella cucina grigia e povera. L'opera ben rientra nella produzione di Domenico Induno, il pittore milanese allievo di Francesco Hayez, che dopo gli esordi dedicati prevalentemente alla pittura a soggetto storico -risorgimentale, dagli anni '50 volse la sua produzione verso le scene di genere, ambientate in interni domestici e con protagonisti poveri e derelitti. Scene intime, spesso con pochi personaggi, virate in una tonalità emotiva malinconica e dimessa, talora perfino desolata, che però venivano animate pittoricamente da quella pennellata rapida e guizzante, da quel tocco mobile e brillante, che sempre più avrebbero caratterizzato lo stile dell'Induno. Egli conseguì grande successo con la sua produzione, che gli avvalse numerosi riconoscimenti e un seguito tra i pittori più giovani. Fu anche affermato ritrattista. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda del XIX secolo. La composizione in vaso presenta un mazzo di variegati fiori dai delicati colore pastello, affiancati da un sottile ed elegante vaso in vetro azzurro contenente un singolo iris; i vasi poggiano su una elegante consolle lignea con specchiera che incornicia la composizione. L'opera, non firmata, è molto vicina ai modi di Luigi Scrosati (1814-1869), il pittore milanese che si distinse per le raffigurazioni di nature morte floreali. Il dipinto è presentato in bella cornice dorata coeva, in legno e pastiglia modellata a fregi.

Mandria in Riposo

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Nato a Milano nel 1819, Salvatore Mazza si laureò in giurisprudenza per volontà del padre ma, cominciando a frequentare circoli studenteschi e patriottici, conobbe numerosi artisti impegnati sul fronte antiaustriaco, che lo introdussero alla pittura e lo spinsero ad abbandonare gli studi di diritto. Nel 1842 espose per la prima volta a Brera, presentando cinque dipinti di genere; sulla scia di Domenico Induno, il Mazza propose inizialmente una pittura a soggetto realista e moderno, soprattutto soggetti di storia contemporanea e scene di ambientazione popolare. Negli stessi anni egli partecipò attivamente ai moti antiasburgici, culminati nelle Cinque giornate di Milano, di cui raccontò nel racconto autobiografico, da lui stesso illustrato. Dopo al parentesi rivoluzionaria, scrisse e illustrò un romanzo storico (Il memoriale di fra' Luca d'Avellino. Fantasie artistiche e letterarie,1850), contribuendo al dibattito contemporaneo sulla convenienza di corredare i testi letterari di un apparato figurativo. Tale romanzo venne stroncato per la parte letteraria dalla critica, ma riscosse l'approvazione della critica e del pubblico per le circa 800 illustrazioni che lo corredavano. Riprese intanto anche la produzione pittorica, volta ancora verso soggetti storici e letterari, ma nel 1856 il Mazza vinse il premio Mylius con il dipinto "Una mandria in riposo" (conservato inizialmente alla Pinacoteca di Brera di Milano ma oggi irreperibile), riconoscimento che lo portò a decidere di limitare la produzione pittorica di scene di genere in favore di paesaggi e pitture di animali di medie e piccole dimensioni, oggetto di un interesse crescente da parte della borghesia imprenditoriale ambrosiana. Per tutto il periodo della sua maturità artistica il Mazza affiancò alla pittura anche un'intensa attività di disegnatore e vignettista per giornali satirici e partecipò attivamente alla vita artistica milanese, come accademico dell'Accademia di Brera e come critico d'arte. Salvatore Mazza morì nel 1886 a Milano. L' opera qui presentata rientra nella produzione pastorale del Mazza e propone lo stesso soggetto con cui egli vinse il premio di Brera. La scena è ambientata in un impervio paesaggio montano, sotto cime innevate di conformazione decisamente alpina. La parte centrale è occupata da un gruppo di uomini e animali (mucche e capre) che, nella pausa di riposo nel cammino, si stringono gli uni agli altri a cercare calore; accosciato, il pastore sta accendendo il fuoco del bivacco, affiancato da un bambino grandetto. Al centro, sul cavallo, una suggestiva maternità di sapore quasi sacro: una donna stringe fra le braccia un neonato, rivestita di abiti che, per la scelta dei colori - il rosso e il blu - richiamano piuttosto esplicitamente la tradizionale raffigurazione della Madonna, e spiccano cromaticamente in tutto il resto della scena, dominata dai toni terreni dei marroni e dalle sfumature del grigio che vira poi nel bianco sporco delle nevi e delle nubi. Si intuisce quindi un richiamo religioso in una scena di genere molto rurale e laica. Il dipinto, proveniente da collezione privata milanese, è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice dorata di fine '800.

Scena d'Assedio

Olio su tela. Al di fuori delle fortificazioni di una città un condottiero, attorniato dai suoi soldati, si accinge ad accendere la miccia del cannone. L'esercito difende la cittadella al di fuori delle mura e i soldati scrutano l'orizzonte guardando verso il basso: ciò induce a collocare la scena sulle fortificazioni di una città, in particolare di quelle di Genova che si ergono sulle montagne retrostanti e dalle quali i genovesi difendevano la città dagli attacchi provenienti dal mare; la collocazione a Genova è avallata dallo stendardo che sventola sulle mura, la Croce di San Giorgio (croce rossa in campo bianco) vessillo della Repubblica di Genova. La foggia delle armature, delle armi e delle vesti rimanderebbe all'assedio di Genova del 1522. Si tratta quindi della rappresentazione ottocentesca di un episodio storico, che rientra perciò in quella produzione pittorica diffusa ampiamente in Italia nel XIX secolo, ispirata al nuovo romanzo storico proposto dalla letteratura. Sul retro del telaio è riportato il nome G. Boni, insieme a un numero che rimanda alla partecipazione a mostra ufficiale. Giovanni Boni fu allievo dell'Accademia di Brera, in particolare seguace di Giuseppe Sogni, artista che tra i primi predilesse la pittura a soggetto storico nelle sue innovative declinazioni romantiche. Del Boni non si conosce molto, nè dal punto di vista biografico nè della sua produzione. Di sua sicura attribuzione si conosce solamente il Nudo d'uomo (Accademia dipinta) con cui vinse il primo premio per la Scuola del Nudo a Brera nel 1852. L'opera rende con efficacia espressiva le figure e il pathos della scena; i personaggi in primo piano sono molto ben caratterizzati nelle pose, nelle espressioni, nei dettagli degli abiti e delle armi, mentre poi le altre figure sfumano in secondo piano, suggerendo la presenza di un esercito numeroso. Il dipinto, ancora in prima tela, presenta piccole diffuse cadute di colore. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Di autore anonimo, probabilmente inglese (sul retro della tela è presente timbro di provenienza londinese della tela stessa), il grande dipinto propone due figure, un uomo e una ragazzina, che camminano, allontanandosi dalla città di sfondo con i suoi minareti e cupole; la ragazzina tiene su una spalla un lungo ramo di palma, mentre con l'altra spalla e la mano sorregge l'uomo, guidandolo nel cammino. Nel dipinto spiccano le cromie, che contrappongono i colori scuri negli abiti e nelle pelle delle figure, a quelli chiari della città e del cielo terso e luminoso. Il dipinto è presentato in cornice coeva decorata a sgusci dorati.

Olio su tela. All'interno di un grande paesaggio boschivo, animato da figure di popolani, vi è al centro un drappello di soldati della Guardia nazionale che scortano due uomini in arresto. La scena fa riferimento ad episodi che ricorrevano frequentemente nel periodo risorgimentale, quali quelli documentati storicamente e ritratti dell'arresto di Ugo Bassi e del capitano Livraghi, patrioti garibaldini. Pur essendo il soggetto di argomento storico, la raffigurazione dà spazio prevalentemente all'elemento paesaggistico, che riempie tutta la scena ed è raffigurato in maniera dettagliata. In basso a destra è presente firma L. Corsi; si conosce l'esistenza della pittrice fiorentina Luisa Corsi (nata nel 1830), nota però soprattutto per le sue miniature. Al retro del dipinto è presente antico cartiglio di inventario. In cornice antica del XIX secolo.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. L'opera di carattere devozionale, vede la Madonna, assisa sulle nubi e assistita da due angeli che le sorreggono le vesti, è venerata da due santi, in ginocchio ai suoi piedi: a destra la giovane donna in abiti principeschi, ai cui piedi è poggiata una corona regale, rimanda ad Elisabetta d'Ungheria; a sinistra, il santo che tiene in braccio il Bambin Gesù è identificabile in San Gaetano da Thiene. Particolare è il gioco di sguardi tra i vari personaggi, che si intrecciano insieme alle posizioni e ai gesti, a creare un movimento quasi circolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica ridorata ad inizio '900, con attuali diverse mancanze (da restaurare).

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. In un ampio paesaggio collinare piuttosto brullo, che si allarga sfumando sulla destra, si inserisce un alto roccione, conformato ad arco, sotto il quale vi è San Gerolamo penitente, raffigurato in atto di preghiera e di adorazione della Croce. Conformemente ai canoni della pittura del XVII-XVIII secolo, la figura del Santo, adeguata all'iconografia nelle vesti e nell'atteggiamento, è però inserita in un paesaggio poco consono, vicino a quello del pittore che si rifaceva alla realtà paesaggistica a lui nota. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda di fine '600-inizio '700. La ricca composizione propone un grande mazzo di fiori variopinti in un vaso sbalzato, vicino a due grosse zucche ea frutta mista (uva e pesche): con diverse intensità di colore, i vari elementi naturalistici emergono dallo sfondo completamente scuro, creando effetti di luci ed ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola lombarda di fine '600-inizio '700. La ricca composizione propone un grande mazzo di fiori variopinti in un vaso sbalzato, vicino a un ciotola piena di funghi porcini e ad un grappolo d'uva: con diverse intensità di colore, i vari elementi naturalistici emergono dallo sfondo completamente scuro, creando effetti di luci ed ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII-XVIII secolo. Al retro è presente etichetta della Galleria d'Arte Di Rosa, che attribuisce l'opera a "Scuola veneta del 1600". La grande scena, ricca di figure e molto movimentata nell'intreccio e sovrapposizione deic orpi, , racconta l'episodio del Vangelo di Giovanni in cui una donna colta in adulterio è portata dinanzi a Gesù da scribi e Farisei per conoscere il suo parere circa la sua condanna a lapidazione. Gesù, mentre scrive per terra con un dito, sollecita alla misericordia i suoi interlocutori con la frase "Chi è senza peccato, scagli la prima pietra", salvando in tal modo la donna dalla condanna a morte e lasciandola libera di andare, con l'esortazione a non peccare più. Il soggetto è stato ampiamente riproposto nell'arte, con sguardi diversi sui personaggi. In questo dipinto in posizione centrale è la donna, ma le tutti i personaggi altri che le stanno intorno, fanno convergere lo sguardo verso il basso, verso la mano con cui Gesù, accovacciato, sta scrivendo per terra; sia il volto che il braccio destro della donna sono praticamente paralleli a quelli del Cristo, come se seguissero e si uniformassero alla direzione che Gesù le indica. Nelle altre numerose figure domina la curiosità, l'intento di capire, l'interrogativo che Gesù suscita con la sua domanda, rappresentato in molteplici varianti espressive sia dei visi che dei corpi; curioso il particolare delle lenti - gli occhiali del sacerdote di cui sbuca la testa dietro la donna e la lente d' ingrandimento della figura accovacciata a sinistra in secondo piano - che ben due figure utilizzano per "vedere meglio" ciò che succede. Le modalità pittorica ed interpretativa del dipinto richiamano la produzione veneta vicina a Girolamo Brusaferro (1677 – 1745), l'artista veneziano la cui pittura rappresenta la via mediana tra la grande tradizione della pittura tardo barocca affine a Luca Giordano e l'innovativa sensibilità coloristica tipica della grazia settecentesca. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. Al retro presente etichetta di Galleria d'arte con indicazione "Scuola veneta del 1600". E' raffigurato l'episodio evangelico delle deposizione di Cristo dalla Croce. Il corpo di Gesù, che spicca bianco per il pallore della morte ma anche a simbolo della sua purezza, spicca al centro tra le altre figure, unico inerte in mezzo agli altri personaggi. Le sue braccia ancora aperte mentre viene staccato dalla Croce, costituiscono un tramite tra le due figure di Maria e Giovanni in piedi sotto di Lui, e il cielo. Intorno diverse figure che coralmente creano movimento, intrecci, di forme e colori. L'opera restaurata e ritelata, è presentata in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.