Dipinto ad Acquerello di Salomon Corrodi - Veduta con Rovine

Olio su tela. Scuola francese. In basso a sinistra sono presenti la firma e la data scritte al contrario; la firma è leggibile come H. Faillade. In basso a destra è presente invece la scritta latina "Quando ex exilio redibit!!!" (Quando tornerà dall'esilio!). Tale scritta sottolinea il legame dell'uomo ritratto con il giovane generale raffigurato nel quadretto che egli tiene in mano, probabilmente suo parente e legato alla monarchia di Carlo, ultimo sovrano della dinastia Borbone-Francia, monarca assolutista ed antiliberale, rovesciato dal trono e fuggito in esilio nel 1830 durante la Rivoluzione di Luglio, detta la Seconda rivoluzione francese. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. La composizione presenta frutta mista - uva, mele, nespole, fichi-, adagiata su un drappo insieme ad alcuni funghi e alcune peonie rosa. I colori risaltano sullo sfondo buio. Il dipinto è presentato in cornice in stile adattata.

Olio su tela. In basso a sinistra è presente firma tracciata in modo molto lieve e non decifrabile. E' presente sulla cornice una targhetta attributiva dell'opera a Jean-Baptiste François Pater (1695-1736), considerata non coerente. Il paesaggio si sviluppa in prossimità dello sbocco di un fiume nel mare; sulla sinistra vi è l'approdo direttamente ad un gruppo di abitazioni; sulla destra una barca a remi si sta staccando dalla riva alberata, con due figure in abiti discinti. Ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Firmato J.M de Medeiros

Olio su tela. Lungo il margine destro è presente una dedica in portoghese "Ill'... Offerece Agradecide (con riconoscenza)", con la firma J.M. De Medeiros e la data 1875. Si può ricondurre l'opera al pittore brasiliano De Medeiros, di cui si sa solo che insegnava all' Accademia di Belle Arti di Rio de Janeiro nel 1885. Il dipinto propone il ritratto di un uomo anziano, dalla barba fluente, lo sguardo serio e concentrato su qualcosa di distante, e vestito di tunica e pallio, evocante quindi la figura di un pensatore o filosofo dell'antichità. L'opera presenta al retro rattoppi. E' presentato in cornice coeva.

Olio su tela. Si tratta molto probabilmente di una rappresentazione pittorica di un tragico episodio antisemitico. A destra un militare in uniforme russa, di ritorno a casa ferito, si ritrova davanti agli occhi la drammatica scena della famiglia trucidata, che il rabbino sta vegliando in preghiera. La finestra divelta e i cassetti a soqquadro indicano l'irruzione forzata degli assassini. A sinistra della specchiera troviamo una scritta in ebraico che potrebbe suggerire la localizzazione o la traccia che l'artista propone. La parola potrebbe essere tradotta con "Ciro", e potrebbe riferirsi alla zona della Georgia ed Azerbaijan attraversata dal Kura, fiume che dalla Turchia sfocia nel Mar Caspio, noto appunto nell'800 come Ciro. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice dell'800.

Maria Dolente

Bassorilievo in marmo. Firma incisa lungo il margine sinistro. Nato a Cannobbio (sul Lago Maggiore), Giulio Branca fu avviato all'arte dallo scultore cannobiese Bergonzoli, e frequentò successivamente all'Accademia di Brera la scuola del nudo e quella di scultura di G. Strazza. Nato a Cannobio il 13 dic. 1850 da Ludovico, avviato all'arte dallo scultore cannobiese Bergonzoli, frequentò all'Accademia di Brera la scuola del nudo e quella di scultura di G. Strazza. Realizzò circa quattrocento sculture, tra le quali si annoverano monumenti commemorativi, monumenti funerari e busti-ritratto. Il Branca prese anche parte, in seguito a concorso, ai lavori di completamento di quell'alta parete muraria del duomo di Como rimasta per secoli incompiuta, scolpendo tra il 1897 e il 1900 diverse figure in marmo bianco della facciata e dell'altare. L'opera presentata è un bassorilievo che presenta, a mezzo busto, la Madonna addolorata affiancata da due pie donne. E' presentata in cornice d'appoggio coeva, in legno, di fine '800-inizio '900.

Olio su tavoletta. Firmati in basso a destra. Si tratta di tre piccoli dipinti proponenti scorci paesaggistici, realizzati nello stile naturalistico proprio di Lorenzo Gignous: i due laterali , di dimensioni 24 x 30 cm, propongono il soggetto più ricorrente nella produzione dell'artista lombardo, ovvero scorci del Lago Maggiore, animati da barche di pescatori; al centro un paesaggio più piccolo (18 x 25 cm) con un gruppo di alberi in campagna. I tre piccoli dipinti sono presentati in cornice unica coeva.

Dipinti sottovetro, su superficie di vetro convesso. I due dipinti ovali propongono paesaggi animati da figurine popolane intente a diverse attività: nell'uno l'ambientazione è di montagna, con piccoli chalet sotto presso il torrente e sotto cime rocciose; nell'altro invece in notturna, un placido fiume scorre presso rive boschive, illuminato dalla luna piena. I dipinti sono presentati in cornici dorate coeve, da restaurare per mancanze.

Matita su carta. In basso a destra, su entrambi, la scritta "Pietro Mulazzi disegnò" , con la data 1883. Di artista ignoto ma abile nell'utilizzo delle matite, sono i ritratti di una coppia borghese, icui volti in grigio ben emergono dallo sfondo di carta rossa. Sono presentati in cornici dorate coeve, con diverse mancanze (da restaurare).

Vaso, scavi romani, 1860

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma, data e titolo. Sulla cornice è presente timbro di provenienza da importante collezione privata. L'opera propone una composizione di un' anfora e un piatto in ceramica dipinta, contornati a destra da rose. Pittore e decoratore milanese, Luigi Scrosati frequentò inizialmente l'Accademia di Brera, che però abbandonò presto per dedicarsi a numerosi viaggi all'estero, in particolare a Parigi. Già fin dagli inizi della sua attività, negli anni Quaranta, lavorò come pittore di nature morte fortemente influenzato da esempi francesi, in particolare dalla scuola di Lione. Accanto alla produzione da cavalletto e ad acquerello, dominata dalla specializzazione della natura morta di fiori, Scrosati fu attivissimo come decoratore di interni, spesso impegnato in lavori di équipe accanto ad architetti e direttori dei lavori, ma sempre con una notevole autonomia e uno stile caratteristico, sostanzialmente eclettico e volto a una rilettura degli stili del passato. L'esordio in questo ambito, verso la fine del 1842, è costituito da un ciclo di affreschi nella residenza di San Fiorano (LO) di proprietà di Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, per la quale Scrosati decorò una sala gotica, un salotto rococò e un piccolo vano d'ingresso. Si ritrovano suoi affreschi in numerose ville di Milano e dintorni, lavori nei quali lo Scrosati si rifà agli stili del passato, riproponendo suggestioni settecentesche, ma anche del barocco. Di gusto neo-medioevale furono invece le decorazioni del Gabinetto dantesco prima e di altre sale poi, nel palazzo Poldi Pezzoli di Milano (oggi sede del Museo omonimo), realizzate con l'équipe del Bertini di cui lo Scorsati faceva parte. La malattia che colpì Scrosati agli arti inferiori nel 1857, rendendolo infermo, gli impedì probabilmente di continuare l'attività di decoratore, costringendolo a ripiegare sulla pittura floreale da cavalletto, che lo portò a produrre nature morte di fiori, ma anche ritratti o finti bassorilievi con ghirlande di fiori o ancora interni e scene di genere, nei quali subì l'influenza della produzione tedesca e viennese di tipo Biedermeier e quella francese della scuola di Lione. Nel 1862 Scrosati venne incaricato di dirigere un nuovo corso di Ornato all'Accademia di Brera, con particolare riferimento alla pittura di fiori e ai rapporti con l'industria, corso voluto dall'istituzione braidense per ampliare la già fiorente scuola di pittura ornamentale. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVII-XVIII secolo. E' una tradizionale scena della deposizione di Cristo dalla Croce, con il corpo inerte e pallido calato tra le braccia della madre Maria, a sua volta abbracciata e sostenuta nel suo dolore dal discepolo Giovanni, e all'intorno, a partecipare del compianto, due pie donne e due discepoli. La scena è caratterizzata da una linearità discendente in diagonale, che segue il corpo di Gesù, partendo dal palo della Croce innalzato a sinistra e si conclude con la donna accucciata ad abbracciare i piedi di Gesù a destra. All'intorno, uno sfondo spoglio e grigio, che sottolinea il dramma e il vuoto che esso crea. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato inc ornice di inizio '900.

Olio su tela. La Madonna è raffigurata in gloria, in piedi nei cieli e circondata da angioletti. L'opera ancora in prima tela, è stata applicata su telaio moderno: tale dato, insieme all' incompletezza della figura di Maria, fa pensare che il dipinto fosse parte di una tela più grande. Il dipinto è presentato in cornice in stile.