Jenny Watson

Senza Titolo

Tecnica mista su scampolo di tessuto, con elementi aggiunti di materiali vari. La tela quadrata disegnata ad olio, presenta un figura di donna a cavallo; la coda del cavallo, da applicare sopra, è realizzata in crini sintetici; accompagnano poi il dipinto, proposti in affiancamento, una piccola tela rettangolare su cui è scritto un testo in inglese, a guisa di stralcio di lettera, e un posacenere in ceramica a forma di cavallino. Jenny Watson è un'artista australiana (nata e formatasi a Melbourne) che ha adottato diversi approcci stilistici alla sua pittura, utilizzando una gamma di materiali e tessuti diversi, come elementi in velluto e collages, e coniugando spesso immagini e parole. I soggetti da lei proposti sono stati sempre tendenzialmente autobiografici: a partire da ispirazioni punk e femministe, Jenny Watson ricrea un intimo diario in cui figure e parole s'intrecciano a comporre brevi narrazioni quotidiane. La sua personale iconografia è fatta di autoritratti (la donna dai capelli rossi non è altri che la stessa artista), cavalli, gatti, interni domestici e lettering, resi con freschissime pennellate che molto spazio lasciano all'immaginazione, anche se le figure sono rese in modo molto rigido e fisso, quasi a denunciare la assenza di movimento sociale, soprattutto nei confronti delle donne. Le sue opere sono spesso accompagnate da piccole tele colorate che riportano poetiche descrizioni del suo lavoro, rendendo immediato il processo di immedesimazione dello spettatore. L'opera qui proposta è stata presentata ad una personale di Jenny Watson tenutasi nel 2018 a Trento, presso lo Studio d'Arte Raffaelli, dal titolo "Jenny around the world". E' corredata di foto che mostra come è stata realizzata la sua presentazione a tale mostra ed è allegato anche il biglietto d'invito alla mostra degli acquirenti dell'opera in tale sede. Allegato inoltre piccolo catalogo di mostra dell'artista tenutasi nel 1993 a Como.

Edouard Pignon

La plage, 1981

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro ulteriore firma e data, sul telaio il titolo; presente inoltre timbro di provenienza con firma di autentica della Galleria "La Barcaccia" di Roma. Figlio di minatori, a Parigi dal 1927, lavorò come muratore, operaio, litografo, frequentando corsi serali e l'Associazione degli artisti e scrittori rivoluzionari; nel 1936 conobbe Picasso, al quale fu legato da profonda amicizia. Impegnato nella Resistenza, nel 1944 partecipò al Salon de la libération. Tutte le sue opere, da quelle degli anni Trenta, dai colori vivaci e volumi saldamente costruiti, a quelle dopo il 1948, più fluide nella pennellata ma cariche sempre di violenza espressiva, costante rimane il contatto con la realtà oggettiva, tradotta in forme, spazi e movimenti mai descrittivi. Accanto ai soggetti d'ispirazione sociale ha elaborato (anche in ceramica) varie serie tematiche: Ulivi, Combattimento di galli, Teste di guerrieri, Mietitori e Nudi. L'opera proposta appartiene alla serie delle "spiagge". In cornice. E' corredata di autentica su foto.

Giuseppe Ajmone

Nudo, 1964

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra; titolo e ulteriore data al retro. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.

Bernard Aubertin

Dessin de feu, 1974

Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone metallo. Al retro è presente etichetta di Galleria Centro di Brescia con i dati dell'opera e la firma dell'artista. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di Autentica rilasciata dall'Archivio opere Bernard Aubertin, con N. Archiviazione DFEA47-1000237523.

Opera di Jonathan Guaitamacchi

Baitekcea, 2003 (Opera N.20)

Polimaterica (tecnica mista) su tela. Firma, titolo e data al retro. Corredato di autentica dell'artista su foto.

Rossini Luigi

Olio su tela di Rossini Luigi (artista brianzolo), assai noto a collezionisti ma poco esposto al mercato.

Virgilio Audagna

Nudo femminile

Scultura in terracotta smaltata. La scultura raffigura una giovane donna seduta, mancante però delle gambe e delle braccia: si intuisce la posizione seduta con appoggio sulle braccia, il capo rivolto verso l'alto, sorridente, a lasciarsi illuminare dalla luce. Ben rientra nella ricca produzione scultorea di Virgilio Audagna, che diede ampio risalto al nudo femminile, proposto in molteplici pose ed espressioni. Lo scultore Virgilio Audagna ha realizzato sia grandi monumenti che opere di piccolo formato. Attivo non solo in Italia ma anche all'estero, dove ha spesso soggiornato, ha avuto modo di eseguire anche modelli per medaglie, di soggetto sacro e profano, per commemorare numerosi avvenimenti. Oltre che scultore è stato disegnatore e pittore.

Luigi Rocca

Harley-Davidson, 1988

Acrilico su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma ad autentica, il titolo (la sigla HD), con data e sede di realizzazione (Torino). Presenta inoltre il cartiglio e i timbri di Galleria d'are di Portofino. Originario di Udine, ma trasferitosi precocemente a Torino ove completa i suoi studi, Luigi Rocca comincia a farsi conoscere a livello studentesco ancora sedicenne, con mostre cittadine e regionali, privilegiando il soggetto figurativo ma affascinato anche dal paesaggio. Seguace dell'Iperrealismo, che mira ad una rappresentazione della realtà oggettiva, e affascinato dall'America, dedica a questo paese una gran parte della sua produzione, raffigurando con stile e resa quasi fotografici, scorci delle grandi città, in particolare di New York, dalle grandi arterie ai piccoli angoli dei quartieri "stranieri". Peculiari anche i suoi "ritratti" di auto e moto di lusso, che l'artista raffigura con un realismo crudo e che non lascia nulla alla sua partecipazione emotiva: come nell'opera proposta, egli fa un' indagine approfondita della qualità dei materiali e degli effetti luminosi, registrando anche tutti i riflessi evocati dalla luce incidente sulla carrozzeria. Nel 1998 partecipa all'Art Expo di New York; è presente in numerose mostre e d esposizioni internazionali e italiane. Dal 1996 Rocca è tornato a vivere a Venezia, ed espone le sue opere presso la sua galleria di riferimento, Melori & Rosenberg, in Campo del Ghetto Nuovo. Da ottobre 2007 le sue opere – originali e riproduzioni su tela – si trovano in permanenza anche a New York presso le Arnot Galleries, 57th Street. Opere presentata in cornice.

Pannelli da Soffitto

Tempera su tela. Metà '900. I quattro grandi pannelli decorativi sono sagomati a delimitare foro centrale per lampadario. Sono decorati con un motivo a ghirlanda fogliacea, con frutti e nastri, che nei pannelli montati insieme realizza una corona; su ogni pannello compare poi un putto, intento a giocare sulla ghirlanda. Il motivo è di gusto neoclassico. Il decoro complessivo misura 350 x 240 cm.

Scultura di Umberto Milano

Donna Che Si Pettina, 1943

Cera su gesso. Questa bellissima opera del trentenne Milani potrebbe ricordare la tecnica impressionistica di Medardo Rosso. In realtà, però, la modellazione, ottenuta con la giustapposizione di blocchi in una severa costruzione volumetrica, è al polo opposto di una concezione superficiale (Pica A., p. 10) e condurrà lo scultore all'esercizio di forme astratte pure che caratterizzerà la sua produzione successiva. Collezione privata. VISIBILE SOLO SU APPUNTAMENTO.

Composizione di Giannetto Fieschi

Dell'Idealismo 1966

Tecnica mista su tela. Firmato in alto a destra. In basso a destra presente dedica e data 1966. Al retro il titolo. Giannetto Fieschi, pittore italiano di nobili origini nato in Val Brembana ma formatosi artisticamente a Genova, ha intrapreso, durante i suoi lunghi soggiorni all'estero (Parigi, Barcellona New York), studi di semantica grafica. Dopo un inizio informale-spaziale ha recuperato l'elemento figurativo anticipando tendenze dell'arte pop. Nelle sue composizioni introduce forti suggestioni surreali di segno decadente e di poetica escatologico-emblematica, affrontando temi che vanno dalla violenza, alla conoscenza e all'eros. Si è occupato di ogni forma d'arte , compresa l'arte postale, di calligrafia, è autore di libri di disegni e di saggi sull'arte sacra contemporanea e sul valore etico della pittura murale: è considerato l'intellettuale dell'arte. L'opera proviene da una importante collezione bresciana. E' presentata in cornice.

Litografia di Andy Wharol

Ladies and Gentlemen 1975

Serigrafia a colori su carta. Firmato in basso a destra. Al retro è presente timbro con numero di serie 133/150, citante "Andy Wharol. Dal Manifesto per la mostra ai "Diamanti" di Ferrara 1975. Edizione speciale. Tiratura limitata". Il portfolio di serigrafie firmate create nel 1975 da Andy Warhol, dal titolo Ladies and Gentlemen, è una serie di 10 tele realizzate in edizione limitata di 150 esemplari, su suggerimento dell'editore italiano Luciano Anselmino. Protagonisti di questa serie sono i volti sconosciuti di drag queen afroamericane. Warhol ritrae dal collo in su i loro volti ricchi di espressività e di provocazione; le larghe pennellate di colore non rispettano i profili delle figure, andando oltre le linee di contorno, riflettono la trasgressione dei personaggi. In realtà Wharol intende catturare con la sua polaroid il connubio tra sfarzo e solitudine di queste personalità, tra l'innocenza di una tenera ragazza e la sicurezza di un uomo virile. La mostra a Palazzo dei Diamanti di Ferrara è stata la prima esclusiva presentazione di questa serie, ma anche la prima volta che Wharol ha presentato lavori in cui non immortalava più le stelle, ma la gente sconosciuta, volti della strada, i “diversi” delle notti newyorkesi. L'opera è presentata in cornice.