Otto Gutfreund scultura in argilla

Busto femminile

Scultura in argilla. Firmata in basso al retro. Otto Gutfreund fu scultore ceco-cecoslovacco che, dopo aver studiato arte a Praga e Parigi, divenne famoso negli anni '10 per le sue sculture in stile cubista. Dopo aver prestato servizio attivo nella prima guerra mondiale, passò ad uno stile più realistico,seguendo la fase di "ritorno all'ordine" del dopoguerra, che caratterizzò anche le arti. La sua produzione scultorea, prevalentemente in bronzo, si avvalse però anche dell'uso della creta e della ceramica.

Bernard Aubertin

Dessin de feu, 1974

Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone metallo. Al retro è presente etichetta di Galleria Centro di Brescia con i dati dell'opera e la firma dell'artista. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di Autentica rilasciata dall'Archivio opere Bernard Aubertin, con N. Archiviazione DFEA47-1000237523.

Disegno di Gianni Colombo

China su carta argento. Firmato in basso a destra. L'opera è corredata da autentica su foto (recto e verso) rilasciata dalla Commissione Artistica dell'Archivio Gianni Colombo (Autentica N. 1333), che colloca l'opera nella serie di opere grafiche "Senza titolo" eseguite dall'artista indicativamente intorno al 1970. Gianni Colombo nato a Milano e formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera, ha sperimentato sin da giovane materiali e linguaggi diversi, dalla ceramica alla grafica, dalla fotografia al cinema; nel 1959 è stato uno dei fondatori del Gruppo T le cui manifestazioni collettive e personali avevano un programma comune volto a recuperare temi delle avanguardie storiche (in particolare di futuristi, dadaisti e costruttivisti), rielaborati in funzione delle sperimentazioni e delle ricerche artistiche più recenti, con lo scopo di abolire ogni frontiera statica tra pittura, scultura e architettura. Dagli anni '60 si è cimentato con le sue prime opere cinetiche, nelle quali per superare la concezione tradizionale d'opera d'arte, ha sperimentato nuove strutture percettive attraverso giochi di luce, mediante plexiglass, proiezioni di luce su specchi posti in vibrazione, forme e movimenti virtuali apparenti, strutture a movimento, fino ad arrivare alla realizzazione degli ambienti abitabili, tra i quali il più noto è Spazio elastico, che rappresenta l'esito più alto della sua fase cinevisuale. L'opera proposta è presentata in cornice.

Opera di Jonathan Guaitamacchi

Baitekcea, 2003 (Opera N.20)

Polimaterica (tecnica mista) su tela. Firma, titolo e data al retro. Corredato di autentica dell'artista su foto.

Rossini Luigi

Olio su tela di Rossini Luigi (artista brianzolo), assai noto a collezionisti ma poco esposto al mercato.

Luigi Rocca

Harley-Davidson 1988

Acrilico su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma ad autentica, il titolo (la sigla HD), con data e sede di realizzazione (Torino). Presenta inoltre il cartiglio e i timbri di Galleria d'are di Portofino. Originario di Udine, ma trasferitosi precocemente a Torino ove completa i suoi studi, Luigi Rocca comincia a farsi conoscere a livello studentesco ancora sedicenne, con mostre cittadine e regionali, privilegiando il soggetto figurativo ma affascinato anche dal paesaggio. Seguace dell'Iperrealismo, che mira ad una rappresentazione della realtà oggettiva, e affascinato dall'America, dedica a questo paese una gran parte della sua produzione, raffigurando con stile e resa quasi fotografici, scorci delle grandi città, in particolare di New York, dalle grandi arterie ai piccoli angoli dei quartieri "stranieri". Peculiari anche i suoi "ritratti" di auto e moto di lusso, che l'artista raffigura con un realismo crudo e che non lascia nulla alla sua partecipazione emotiva: come nell'opera proposta, egli fa un' indagine approfondita della qualità dei materiali e degli effetti luminosi, registrando anche tutti i riflessi evocati dalla luce incidente sulla carrozzeria. Nel 1998 partecipa all'Art Expo di New York; è presente in numerose mostre e d esposizioni internazionali e italiane. Dal 1996 Rocca è tornato a vivere a Venezia, ed espone le sue opere presso la sua galleria di riferimento, Melori & Rosenberg, in Campo del Ghetto Nuovo. Da ottobre 2007 le sue opere – originali e riproduzioni su tela – si trovano in permanenza anche a New York presso le Arnot Galleries, 57th Street. Opere presentata in cornice.

Ubaldo Oppi

Il suonatore di zampogna

Olio su compensato. Anni '30 circa. Firmato in basso a destra e al retro. Ubaldo Oppi, bolognese di nascita, ebbe una vita, anche artisticamente , molto travagliata: studiò pittura prima a Vienna poi girando l'Europa, fermandosi a lungo a Parigi dove frequentò Picasso; rientrò poi a Venezia cominciando a esporre. Nel 1915 partì per il fronte, nel corpo degli alpini, e combatté fino al 1918, quando venne deportato a Mauthausen. Nel primo dopoguerra Oppi, stabilitosi a Milano, si avvicinò attraverso Margherita Sarfatti al Movimento dei Sette pittori del novecento italiano, al quale però rimase legato solo per breve periodo. Fu presente a numerose Biennali a Venezia e all'estero, nel febbraio 1926 prese parte alla I Mostra del Novecento italiano, allestita nel palazzo della Permanente di Milano. Nel 1928 maturò la sua conversione al cattolicesimo, che introdusse il soggetto religioso nella sua produzione pittorica, fino ad allora incentrata soprattutto sul quadro di figura e la ritrattistica. Scoppiata la guerra, nel 1941 riprese servizio nell'esercito, ma ben presto i problemi di salute lo riportarono a Vicenza, ove morì il 25 ottobre 1942. L'opera proposta è un soggetto di genere,il vecchio suonatore ripreso di primo piano. E' presentata in cornice coeva, da restaurare.

Pannelli da Soffitto

Tempera su tela. Metà '900. I quattro grandi pannelli decorativi sono sagomati a delimitare foro centrale per lampadario. Sono decorati con un motivo a ghirlanda fogliacea, con frutti e nastri, che nei pannelli montati insieme realizza una corona; su ogni pannello compare poi un putto, intento a giocare sulla ghirlanda. Il motivo è di gusto neoclassico. Il decoro complessivo misura 350 x 240 cm.

Maurizio Bottarelli

Senza titolo1973

Acrilico su tela. Firma, data 1973, tecnica e luogo d'esecuzione (Bologna) al retro. Presente inoltre parziale etichetta di Associazione culturale d'arte di Milano. Nato a Fidenza (Parma) e formatosi artisticamente all'Accademia di Belle Arti di Bologna, Maurizio Bottarelli ha molto viaggiato all'estero (Londra, Stati Uniti, Austria, Australia,..) , cercando ispirazione alle sue opere nei luoghi da lui visitati. Il suo linguaggio si contraddistingue per l'incessante dialogo, che attraversa tutta la sua produzione, tra i due elementi protagonisti delle tele, la materia e il colore, giocato sulla sperimentazione, la ricerca, la stratificazione della materia – pigmenti, carta, colla, vernice, solvente – rese possibili da un'eccezionale abilità tecnica. I suoi paesaggi, ispirati inizialmente dai suoi viaggi, si proiettano poco a poco verso una sempre maggior astrazione, arrivando a prescindere da qualsiasi riferimento a luoghi reali. Così come i suoi ritratti di figure umane (le "teste"), sono piuttosto rappresentazioni che si potrebbero definire universali dell'uomo e della condizione umana, di cui indagano nei volti segnati, sofferenti, contratti in una smorfia forse di paura o dolore, una vera e propria “topografia della sofferenza” . Tutta la sua produzione viene presentata in più di cento mostre personali in Italia ed all'estero; partecipa a tutte le più importanti rassegne collettive e tematiche che documentano l'arte contemporanea in Italia dagli anni sessanta ad oggi.

Emanuele Pavarotti

Irradiance 2004

Tecnica mista su tela. Al retro la firma, la data e il titolo. Emanuele Pavarotti, formatosi all'Accademia di Brera di Milano, è artista che si esprime attraverso le più moderne tecniche figurative: in particolare si è affermato nel campo dell'animazione, approdando ai Blu sky studios, gli studio cinematografici americani specializzati nella realizzazione di film d'animazione e in grafica computerizzata: sono di Pavarotti bozzetti, acquerelli e soggetti dell'"era glaciale 5".

Max Marra

Scomposizioni di superfici nello spazio 1990

Tecnica mista su faesite. Al retro presenti firma, titolo e data. Max Marra, nato a Paola (Cosenza), attualmente vive e lavora a Lissone (Monza). Artista multidisciplinare, dagli anni '80 indirizza la propria ricerca verso l'integrazione del disegno, della pittura e scultura utilizzando materiali di forte valenza comunicativa che si coniugano al linguaggio artistico delle avanguardie storiche. Numerose le sue presenze in rassegne nazionali e internazionali, così come numerose la mostre personali presso istituzioni pubbliche e gallerie private in Italia ed all'estero. In cornice.

Giuseppe Ajmone

Movimento,1982

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presenti titolo e firma. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.