Veduta dei Fori Imperiali di Roma

Erminia tra i Pastori

Olio su tela. La grande tela racconta un episodio tratto dalla Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso, in cui la giovane Erminia, principessa d'Antiochia segretamente innamorata di Tancredi, assiste al ferimento in duello dell'amato. Spinta dall'amore indossa quindi le armi della guerriera Clorinda, sua intima amica, e di notte esce per raggiungere l'amato Tancredi e curarlo. Ma al campo cristiano un raggio di luce lunare la illumina e, scambiata per Clorinda dalle sentinelle, è costretta ad una fuga precipitosa: capita così in un villaggio abitato da pastori che vivono lontani dalla guerra in uno spazio idilliaco, dove chiede e ottiene di essere ospitata per qualche tempo nella speranza (vana) di dimenticare il suo amore infelice. L'opera, già attribuito a Carlo Loth, è piuttosto rimandabile alla produzione di Louis Dorigny, il pittore parigino che visse a lungo in Italia, a Roma, a Venezia e infine definitivamente a Verona, ove ottenne numerose commesse da veronesi ma anche da committenti veneti e lombardi, estendendo la sua attività di affrescatore da Bergamo sino a Udine. A Verona fin dall'inizio del secolo, le preferenze in campo pittorico andavano verso un linguaggio classicistico complesso nella composizione, ma pacato ed elegante, anche nelle grandi opere decorative. A questa pittura si uniforma il Dorigny, che in questa tela coniuga l'equilibrato classicismo di Simon Vouet (di cui era nipote) con i chiaroscuri appresi a Roma e la pacata eleganza veneta. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVIII secolo. La scena, collocata in prossimità del mare, è dominata da un grande complesso di rovine architettoniche, con statue, archi, giardini pensili, e animata da numerose figurine di popolani intenti a diverse attività. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica.

Olio su tela. Scuola veneta del XVIII secolo. Il dipinto raffigura l'episodio biblico tratto dal libro della Genesi, in cui i fratelli di Giuseppe, gelosi per la predilezione che il padre Giacobbe ha per lui, lo vendono schiavo a mercanti che vanno in Egitto e dichiarano al padre che è morto : gli portano in prova la tunica sporcata del sangue di un animale, quella tunica speciale che Giacobbe aveva fatto tessere appositamente per il figlio prediletto. In questa rappresentazione, in cui i vividi colori sottolineano il dramma, spicca l'intenso movimento del vecchio patriarca, che, sfigurato in volto dal dolore, cerca di tenere lontano da sè quel tessuto macchiato, spostando tutto il corpo sulla sinistra e allungando il braccio per non consentire che si avvicini a lui, quasi un tentativo di negare l'evidenza. Sulla destra, il gruppo di tre fratelli, stretti tra lor in atteggiamento complice, che si dicono e si indicano l'un l'altro il dramma paterno. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica riadattata.

Olio su tela. Scuola veneta del XVIII secolo. E' rappresentata un episodio biblico tratto dal libro veterotestamentario di Tobia, in cui si narra come Tobiolo, al ritorno da un lungo viaggio iniziatico, in cui fu accompagnato dall'angelo Raffaele e dal cane, restituì la vista al padre cieco. Nella scena campeggiano al centro le figure dei due protagonisti, il vecchio padre, seduto su uno scranno e vegliato alle spalle dalla fedele moglie, e il giovane Tobiolo in ginocchio; alle loro spalle li sovrasta l'angelo, con le grandi ali aperte protettive sui due uomini e che avvolge in un abbraccio Tobiolo, segno di partecipazione e protezione divina per l'uomo che sta compiendo il miracolo. La scena è costruita intorno alla dinamica gestuale della guarigione - Tobiolo che tocca gli occhi ciechi del padre ungendoli con il fiele del pesce che ha pescato durante il viaggio e che tiene nell'altra mano -, che è interpretata secondo tradizione come una sorta di unzione che produce salvezza. Spiccano in quest'opera la vivacità cromatica e il movimento dei corpi, intrecciati, sovrapposti, interagenti a dare dinamicità ma allo stesso tempo quasi a creare un unicum, racchiuso in una forma quasi circolare, ben delimitata dalle ali dell'angelo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica riadattata.

Olio su tela. Intenso e di qualità, il dipinto raffigura un monarca della casa reale di Scozia. Intorno al ritratto, in cornice ovale dipinta, si trovano alcune scritte: in alto a sinistra compare il nome Rober(t), in basso a sinistra il titolo Rex e a destra l'abbreviazione Scot, che sta per Scotorum; la scritta in alto a destra non è identificabile, ma parrebbe essere un acronimo. L'uomo ritratto indossa un cappello e una giubba ornati di pelliccia d'ermellino, considerata la pelliccia più nobile riservata ai reali. Egli porta al collo un ciondolo dorato, che raffigura due foglie con il frutto del cardo, che in araldica simboleggia la Scozia. La scritta e il ciondolo rimandano pertanto a un Roberto di Scozia, probabilmente della dinastia che regnò nel XIV secolo. Il ritratto è stato peraltro eseguito nel periodo ottocentesco romantico, ricorrendo probabilmente per ispirazione a qualche incisione antica. Restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Mater dolorosa

Olio su tela. Copia di soggetto realizzato da Tiziano, che ne fece tre differenti autografe, differenti l'una dall'altra per la posa della Madonna: 1. Mater Dolorosa con mani aperte (olio su marmo, al Museo del Prado di Madrid); 2. Mater Dolorosa con mani giunte (olio su tavola al Museo Cerralbo, Madrid); 3. Mater Dolorosa con mani giunte (olio su tavola, passata in asta , New York, 06-04- 2006). Queste opere risalgono alla metà del XVI secolo, ma successive ad esse, e su tela, ne esistono altre varianti, attribuite all'artista veneziano e alla sua bottega. E' risaputo che Tiziano introducesse anche piccole variazioni nelle sue repliche autografe per rafforzarne l'effetto di autenticità. Questa copia, risalente al secolo successivo, è comunque di ottima qualità esecutiva. Sul retro è presente un monogramma (in finestra della tela apposta) che probabilmente è la firma dell'artista. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice antica.

Olio su ardesia. Dipinta su una spessa lastra di ardesia, la scena presenta il drammatico momento in cui Maria, circondata da un gruppo di pie donne, piange sul corpo del Figlio deposto dalla Croce: si abbandona drammaticamente tra le braccia delle due donne dietro di lei, mentre al suo grembo è appoggiato il corpo inerte del Figlio, sulla cui mano piange una terza donna; in alto, un gruppo di angeli che si affacciano dai cieli aperti, da cui scaturisce la Luce divina, partecipano del compianto. Maria è l'unica figura che indossa abiti dai colori vivaci, che contrastano con il colorito cereo del corpo del Cristo appoggiato al suo grembo, mentre le altre donne vestono abiti dai colori spenti, così come neutri sono i corpi degli angioletti. Le figure sono collocate su uno sfondo scuro, nel quale appena si intravvede l'apertura del sepolcro: l'effetto cromatico è reso grazie anche alla base pittorica utilizzata, l'ardesia, pietra conosciuta anche con il nome di “lavagna”, in quanto le più importanti cave di ardesia si trovano nei pressi della cittadina di Lavagna in Liguria. La modalità pittorica richiama le opere di Pietro Mera detto il Fiammingo, pittore originario di Bruxelles vissuto a cavallo del XVI- XVII secolo: attivo per lungo tempo a Venezia, lavorando dal 1570 al 1603 al servizio del cardinal d'Este, Mera fece ampio uso dell'ardesia quale supporto pittorico per alcune sue opere. Il materiale dal caratteristico colore scuro permetteva all'artista di creare intensi contrasti luministici e di dare risalto alle figure, raffigurate con una gamma cromatica accesa ed illuminate da brillanti tocchi di luce. In buone condizione, il dipinto è presentato in cornice antica.