Maurice Henry - Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Nudo di Donna

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Istvan Mero fu un pittore ungherese di stampo impressionista che si formò prima a Budapest, poi a Parigi e a Monaco. La sua produzione pittorica propone spesso soggetti figurativi popolari, come questo ritratto femminile che raffigura una giovane donna nuda colta tra le lenzuola, ... mentre legge un giornale, perdendo ogni significato erotico per sottolineare piuttosto un momento di intimità domestica. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva con piccole mancanze.

La Femme au Chien 1924

Acquatinta a colori. Firmata in basso a sinistra e a destra a matita; numero di serie 160/200 in basso a sinistra. Pierre Bonnard, pittore, incisore e fotografo francese, cominciò a dipingere mentre compiva gli studi di legge a Parigi, ma ben presto abbandonò l'arte forense per dedicarsi solo alla pittura. Nel 1888, all'Accademia Julian di Parigi, Pierre bonnard fondò con Paul Sérusier, Maurice Denis e Paul Ranson, il gruppo dei pittori Nabis (Profeti), gruppo che si rifaceva, nei propri ideali estetici, alle opere e alla poetica di Paul Gauguin, per il superamento del naturalismo impressionista tramite un ritorno all'arte primitiva e giapponese. Nel 1891 Pierre Bonnard realizzò la sua prima etichetta per una ditta produttrice di vini, alcune litografie per "La Revue Blanche" (presso la cui sede si riunivano i Nabis) e disegnò anche progetti di mobili e decorazioni per paraventi interessando Toulouse-Lautrec con la qualità decorativa dei suoi quadri e il suo uso personale del colore. Nel 1892 espose alcuni suoi pannelli decorativi al Salon des Indépendants, cominciando ad interessare i critici d'arte. Poco per volta il pittore egli abbandonò i grigi toni accademici e sperimentò con entusiasmo l'incontro dell'arte con il mondo delle colorate cose comuni. I suoi lavori, presto riconoscibili dei colori iridescenti, i tratti vivaci e la prospettiva aperta, vennero largamente apprezzati. Nel 1896 egli tenne la sua prima mostra personale, e la sua sua fama si si diffuse in Europa con le esposizioni in Svezia e in Norvegia. Passato sotto l'influenza della corrente dell' Art Nouveau, Bonnard si interessò alle stampe giapponesi, molto di moda nel mondo artistico parigino alla fine dell'Ottocento, fino a trasportarne alcuni tratti nei suoi quadri: Bonnard sarà soprannominato il “Nabi giapponese”. Con l'amico Edouard Vuillard, egli sviluppò inoltre un nuovo interesse per le scene di intimi interni domestici, un genere che diventerà noto come "Intimismo" e che propone il mondo parigino negli anni prima della prima guerra mondiale. Nel 1910 Pierre Bonnard scoprì il sud della Francia iniziando così a dipingere paesaggi luminosi. Negli ultimi vent'anni della sua carriera artistica egli continuò a dipingere, spaziando in tutti i soggetti e in tutte le tecniche a lui congeniali, realizzando dipinti decorativi ma anche numerosi schizzi e disegni, lavori litografici a colori oppure in bianco e nero, manifesti, illustrazioni per libri e riviste che hanno influenzato l'arte moderna. L'acquatinta qui presentata rientra in una ampia produzione degli anni '20 di questo soggetto, la "donna con cane", riproposto in molte varianti. E' presentata in cornice.

Scorcio Veneziano

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Pittore, scultore e ceramista, l'artista torinese Giovanni Riva partecipò a numerose rassegne e mostre nazionali, tra cui la Biennale di Venezia dwel1940 e 1942. Tra la sua produzione di ceramista si ricordano in particolare i volti di molte bambole Lenci. In pittura si dedicò soprattutto a scorci di Torino, Milano e Venezia, resi con grande spontaneità e immediatezza, oltre che a scene di genere. Lo studio sistematico dell'arte antica, l'adesione agli ideali rinascimentali della scultura di Donatello, Michelangelo e Giambologna spinsero Giovanni Riva verso l'adozione di un codice espressivo affine al gusto dell'Ottocento romantico, piuttosto che al dinamismo futurista o alle visioni surrealiste. Lo scorcio veneziano qui proposto è presentato in cornice in stile.

Composizione con Armatura Clessidra e Libri

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Nato a Milano nel 1913 e formatosi all'Accademia di Brera (di cui in seguito diverrà insegnante), Adriano Gajoni si appassionò allo studio dei pittori seicentisti lombardi e alla pittura olandese e fiamminga del XVII secolo, dal cui minuzioso realismo si lasciò ispirare. Di stretta osservanza figurativa, Il Gajoni predilesse i paesaggi, i ritratti e soprattutto le nature morte, che espresse in composizioni fiabesche e allegoriche. Praticò soprattutto la pittura a olio su legno e faesite. Questa composizione propone un'armatura, poggiata su un tavolo insieme ad alcuni testi miniati e ad un clessidra. Si ritrova il gusto per le composizioni di sapore antico. In cornice.

La Coccoma Blu 1960

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma, data e il titolo. Artista milanese discendente da un ramo cadetto dei nobili Gonzaga mantovani, Giovan Francesco prese parte ancora ventenne alla Seconda Guerra Mondiale con il Savoia Cavalleria partecipando, con lo squadrone “Fantasma” ad azioni di pattuglia nella steppa russa. I mesi passati a strettissimo contatto con il cavallo durante la guerra, accesero in lui una vera e propria passione per i cavalli, che divennero soggetto privilegiato di numerosissimi dipinti, sculture e poesie. Artista autodidatta, dichiarò "la mia vera maestra è la Natura", e ad essa fedele, dopo i cavalli, si dedicò prevalentemente ai paesaggi e alle nature morte, sempre raffigurati “en plein air”. Ha scritto di lui Vittorio Sgarbi: "La sapienza di Giovan Francesco Gonzaga sta nel disegno, che è forte e deciso..... Le immagini vibrano di inquietudine, nel segno della lotta dell'uomo contro se stesso, nell'inferno di una storia che sembra ripetere sempre lo stesso dramma. Ma se il disegno preparatorio è mirabile, il colore di questo artista ha una regalità e una sensibilità che provengono da una percezione musicale della cromia, dove la tavolozza si esprime in improvvisi, in variazioni e in ritmi pulsanti". Le sue opere figurano in diversi musei, fra cui quello della Cavalleria di Pinerolo, il Museo Storico della Guardia di Finanza a Roma, il Museo di Tel Aviv, L'Art Museum di Los Angeles, in collezioni pubbliche e private in Italia, Francia, Spagna, Lussemburgo, Indonesia, Cina, Giappone, Singapore e America. In questa natura morta si esaltano soprattutto i cromatismi: i tre elementi - la coccoma blu, ovvero una brocca smaltata, un limone tagliato e un bicchiere di latte -, ben distanziati tra loro e proposti in colori contrastanti, spiccano sulle due tonalità dei verde dello sfondo. L'opera è presentata in cornice.

Paris Rue Norvins 1957

Olio su cartone. Sigla dell'artista (MVM) e data in basso a destra. Al retro presenti etichetta e timbri della Galleria Ponte Rosso di Milano con i dati dell'opera (autore, titolo, data). Formatosi artisticamente nella città natale, Modena, il Vellani Marchi nel 1924, dopo l'esordio alla Biennale di Venezia con alcune litografie e acqueforti di soggetto paesaggistico, compie il primo soggiorno a Burano, dove tornerà anche in seguito dando vita con Guido Tallone ed altri artisti a un sodalizio denominato "scuola buranella". Da questo momento i paesaggi, le figure e gli scorci caratteristici dell'isola molto amati dal pittore, costituiranno nella sua produzione un tema ricorrente. Si trasferisce poi definitivamente a Milano, dove si avvicina al mondo dell'editoria collaborando a quotidiani e riviste e si afferma come pittore, disegnatore e illustratore e partecipa alle più importanti esposizioni, non solo nazionali. Nel dopoguerra, collabora anche con il Teatro alla Scala realizzando numerose scenografie. Nella sua produzione degli anni '50 rientrano anche diversi scorci di vie parigine, come questo in è proposta un vietta del quartiere di Montmartre. L'opera è in cornice in stile.

La Strada di Campagna

Olio su faesite. Firmato in basso a sinistra. Trasferitosi da piccolo con la famiglia a Milano, nel 1898, ancora molto giovane, Raoul Viviani si iscrive all'Accademia di Brera, dove studia sotto la guida di Giuseppe Mentessi (1857-1931). Contemporaneamente frequenta la scuola di nudo della Famiglia Artistica, con la quale espone per la prima volta a soli 17 anni, riscuotendo subito un grande successo di pubblico e di critica, come pittore di paesaggio dalla forte personalità e modernità e per il suo originalissimo stile caratterizzato da forti sperimentazioni cromatiche. Nel 1912 partecipa alla biennale di Venezia e partecipa successivamente a numerose mostre nazionali ed internazionali. Dal 1926 inizia la sua carriera nel campo della critica d'arte, scrivendo per diverse testate giornalistiche, ma la sua opposizione al fascismo lo porta a scegliere l'esilio volontario: nel 1931 si trasferisce in Uruguay, ove fonda e dirige l'Accademia di Belle Arti di Montevideo. Rientrato a Milano nel 1937, riprende la sua attività sia pittorica che di critico. Negli anni '50 si trasferisce a Rapallo per motivi di salute e vi resta sino alla morte. Originalissimo paesaggista, che si cimenta nella pittura d olio ma anche nell'acquarello e nell' incisione, si avvicina molto alla pittura divisionista sviluppando però una sua tecnica personale, caratterizzata da sottilissimi filamenti di colore dalla forma di sottili virgole, che definiscono le strutture dei suoi paesaggi. Con il suo trasferimento in Liguria, diventa protagonista delle sue opere il paesaggio ligure i e anche la sua tecnica muta, allontanandosi dall'originale divisionismo per aprirsi ad una pennellata ampia e sommaria, che sfocia infine nell'ultimo periodo in una produzione di nature morte dai colori violenti e contrastanti. In quest'opera in cui ben si apprezza la caratteristica tecnica del Viviani, lungo il sentiero di campagna che costeggia il canale, compare una figura di donna, che costituisce un'eccezione nella sua produzione, solitamente piva di elementi figurativi. Opera in cornice.

Paesaggio Piemontese

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro presente etichetta della Galleria Bolzani di Milano, con il titolo dell'opera. Nato a Crespellano (BO) inel 1889 dal pittore Ugo Gheduzzi, Giuseppe apprende dal ui i primi rudimenti dell'arte insieme ai fratelli Cesare, Mario e Augusto. Dopo l l'esordio a Vignola nel 1907 con il dipinto Paesaggio alpestre, Giuseppe Gheduzzi affina la sua formazione a Torino presso l'Accademia Albertina in qualità di allievo di Andrea Marchisio e di Paolo Gaidano. Lasciata l'Accademia collabora con il padre per la realizzazione delle scenografie del Teatro Regio. Giuseppe è un abile paesaggista: dipinge scorci e panorami veneziani, vedute dei laghi e delle valli piemontesi e della riviera ligure. Ma, a differenza del fratello Cesare ,eccelle anche nei dipinti di interni con figure e nei temi orientalisti: particolarmente apprezzati da pubblico e critica sono infatti le sue scene di genere e i dipinti che raffigurano interni di botteghe di artigiani, antiquari e stalle. Nel corso della sua vita Giuseppe partecipa a moltissime rassegne della Promotrice alle Belle Arti di Torino e al Circolo degli Artisti di Torino, e realizza diverse mostre personali. Muore a Torino il 21 maggio 1957. rientra nella sua vasta produzione paesaggistica anche questa veduta della campagna piemontese, con una figurina solitaria che cammina sul sentiero. L'opera è presentata in cornice coeva.

Ritratto Femminile

Tecnica mista (pastelli e tempera) su cartone. Firmato in alto a sinistra. Originaria di Alessandria e formatasi all'Accademia Albertina di belle arti di Torino, si dedicò prevalentemente ai paesaggi, alle figure, e soprattutto ai ritratti, eseguendone di diversi personaggi del mondo dello spettacolo e del cinema italiano. Dina Bellotti è conosciuta peraltro come "la pittrice dei papi". A partire della prima metà degli anni settanta, realizzò infatti alcuni ritratti di Paolo VI e, più tardi, di Giovanni Paolo II, conservati in Vaticano e utilizzati come immagini ufficiali dei pontefici. Il ritratto qui proposto è quello di una raffinata signora, che si lascia ritrarre in una posa disinvolta e languida: il bianco con ombreggiature azzurre della camicetta della donna spicca sulla monocromia beige dello sfondo, della gonna, della poltroncina, che sfumano senza contrasto anche nel colore dell'incarnato. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Volto maschile

Olio su tela. Firmato in basso a destra. L'artista milanese Carlo Jacono è stato illustratore e pittore: il suo stile inconfondibile, la maestria nell''esecuzione, la prolificità e la capacità artistica in oltre 50 anni di carriera, il sapersi prestare anche a generi diversi e il grande successo presso i lettori e gli editori, lo resero uno dei maestri della illustrazione italiana e una delle firme più apprezzate e conosciute sulla scena dell'illustrazione nazionale e internazionale. Era noto anche come l "Uomo del cerchio", pseudonimo dovuto all'impaginazione di molte sue copertine di carattere rosa, poliziesco, fantascientifico, italiane, inglesi svedesi, norvegesi, americane (ricordiamo, tra tante, le copertine della collana "Il giallo Mondadori"), o più semplicemente col solo cognome, Jacono, con cui si firmava. A partire dal 1970 Jacono intraprese anche una carriera pittorica, esponendo in mostre personali sia in Italia sia all'estero, prediligendo un filone figurativo di connotazione romantica che trova il suo capolavoro nella serie de “I guerrieri”. Hanno detto di tale produzione: "sono apparizioni di guerrieri di altri tempi, che la fantasia arriva a concretare anche nei minuti tratti del volto, e ad immaginare nelle azioni più spericolate". Probabilmente anche il dipinto qui presentato rientra in tale serie: è il volto di un guerriero nordico, come si desume dal copricapo di pelliccia che incornicia il volto fiero e concentrato in cui spiccano gli algidi occhi azzurri, e dal collare in metallo brunito inciso con segni grafici che rimandano alle rune nordiche; a mezzo busto, si intravvedono gli spallacci dell'armatura. Il dipinto è presentato in cornice.

Libeccio

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro ulteriore firma, il titolo e cartiglio della Galleria Dedalo di Milano. Giulio Cesare Vinzio, artista di origine livornese, si forma artisticamente a Firenze, frequentando lo studio di Giovanni Fattori. Nella campagna intorno a Firenze egli comincia a dipingere paesaggi dal vero, con protagonisti buoi, contadini, cavalli paesaggi della Maremma, resi con colori accesi e forti contrasti cromatici. Dall'inizio del Novecento, mentre espone in tutta Italia e all'estero, si trasferisce in Piemonte e si avvicina alla pittura divisionista: pur continuando a prediligere i paesaggi agresti e le realtà bucoliche, li rappresenta nelle atmosfere dei crepuscoli, dei notturni, delle albe, realizzati non più con pennellate ampie, ma piccoli tratti divisi tra loro. Nel 1921 entra a far parte del Gruppo Labronico, che lo riavvicina al naturalismo verista delle origini. L'opera qui presentata propone uno scorcio di una spiaggia maremmana, battuta dal libeccio, il vento che spira dal sud in tutto il Mediterraneo. La tecnica è quella del realismo, utilizzando pennellate ampie e sovrapposte. In cornice.

Fiori Gialli in Vaso con cornice, 1947

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Composizione di margherite gialle in vaso, con cornice portafoto retrostante. Noel Quintavalle,(noto con lo pseudonimo Noelqui), nativo di Ferrara ma cresciuto e formatosi artisticamente a Milano, fu artista poliedrico. Laureato in architettura, si formò alle arti da autodidatta, ma dopo la grande guerra a cui partecipò attivamente, si distinse velocemente ed espose in numerose mostre nazionali e internazionali; nel frattempo svolse anche attività letteraria pubblicando vari volumi (satira, fiabe, novelle memorie della guerra) e si cimentò anche con la scultura e la xilografia. La sua produzione pittorica, iniziata come divisionista, fu poi influenzata dalla sintesi della pittura moderna. I soggetti a lui più cari furono il ritratto (con predilezione per le figure femminili particolari, quali le ballerine) e il paesaggio. E' degli anni '40 la sua produzione di soggetti floreali, legata al periodo in cui recuperò il bisogno di interiorità, avvicinandosi ai concetti estetici dell'arte del “Novecento”. L'opera è presentata in cornice coeva.