Dipinto di Eduard Huber-Andorf - Scena in Osteria 1929

Olio su tela. Scuola inglese di fine '800-inizio '900. Firmato Drummonds in basso a sinistra. La scena di ambientazione campagnola, vede un anziano contadino che, fermato il suo lavoro dei campi, come ben indicano i due cavalli da tiro attaccati all' aratro alle sue spalle, legge una lettera con l'aiuto di una giovane donna, mente una bimba piccola porge fiorellini di campo alla madre. Sull' intestazione della lettera si legge l'incipit "Dear father.."; a terra la busta con un indirizzo England. La scena familiare evoca la tenerezza della giovane donna verso l'anziano, probabilmente il suocero, con il quale condivide la gioia delle notizie ricevute dal caro lontano. L'opera è presentata in cornice dorata di metà '900.

Allegoria

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Il grande dipinto propone due figure : sulla destra un uomo seduto ad tavolino, vestito di una rossa giacca da camera, con un'espressione mesta e concentrata, gioca con le mani con alcuni fiori sfatti, provenienti dalla composizione che ha in testa; sulla sinistra in piedi il Cristo della Passione, coronato di spine, con un mantello grigio sulle spalle. Alle spalle dell'uomo seduto, un cielo plumbeo in cui si apre però uno squarcio di luce. Probabilmente il dipinto vuole allegoricamente raffigurare la fine dolorosa e sofferta della vita di una persona, che vive la stessa Passione del Cristo, ma che anela ad una nuova vita, luminosa. L'opera è presentata in cornice.

Olio su tela. Scuola francese di inizio '900. In basso a destra la firma Carlo Rossi, a sinistra il titolo in francese ("Duels et enlèvement"). La scena, che richiama alla narrativa del genere "Cappa e spada" , vede un gentiluomo in elegante farsetto duellare con un gruppo di uomini, che stanno intanto cercando di portare via con la forza la sua dama. La scena è ambientata nella via di un borgo con abitazioni di stampo nordico. Il pittore Carlo Rossi fu attivo in Francia alla fine dell'800, come risulta da un'altra sua opera dello stesso genere, passata in asta a Tours. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tavola. Scuola veneta di fine '800. Firmato Carlini in basso a sinistra. Commovente scena familiare, con il pescatore appena sbarcato che abbraccia la famiglia - moglie, madre, figlioli e cane!- venuta ad accoglierlo, mentre i colleghi scaricano il pescato e sistemano le reti. Intense e le cromie, soprattutto quelle terrose delle figure, della rena e della barca, che contrastano con l'azzurro del cielo e del mare. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-europea della prima metà del '900. Firma non identificata in basso a sinistra. Dolcezza e tenerezza traspaiono da queste due figure abbracciate, simili nei tratti del volto e nell'espressione, composte nei loro vestiti eleganti e vivaci, con lo sfondo di una carta da parati floreale. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Tre Bevitori e Angelo 1942

Tecnica mista su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro ulteriore firma, il titolo e la data. Beppe Porcheddu, importante illustratore e ceramista italiano, fu anche pittore. Nel suo percorso artistico evolutivo “sembrerebbe che l'artista nel pittore abbia riversato “l' illustratore” e viceversa “nell'illustrazione abbia prevalso il pittore”. Fin dalla sua prima produzione, accanto all'attitudine al grottesco, Porcheddu mostrò una naturale inclinazione per quello che fu definito un “trinomio perfetto di simboli d'un mondo (quello medievale) che si è espresso per metafore come nessun'altra civiltà precedente“. In questa tavola ben si esprime quella tendenza al grottesco nelle figure dei tre bevitori, presentati con tratti crudi, linee nette e angolazioni marcate, mentre la figura dell'angelo appare evanescente, sfumata, inquadrata nella luce unica che proviene dalla porta aperta.

Olio su tela. In basso a sinistra è presente firma non identificata. Grande composizione di fiori variegati, collocati in esterno su un terreno spoglio e deserto. I colori dei fiori sono stesi con una certa consistenza materica, a farli risaltare ed emergere sullo sfondo, quasi monocromatico. Il dipinto presenta alcuni schizzi di sporco nell'angol inferiore sinistra. E' presentato in cornice coeva.

Olio su tela. La composizione guarda alle produzioni del XVII secolo e propone una tavola riccamente imbandita di vassoi di frutta, cesti di ciliege, canestri con pesche e grappoli d'uva con pampini decorativi, terrine con semi, e calici, sormontati da un tendaggio e adagiati su una stoffa. Il colore è stato utilizzato in maniera fortemente materica in alcuni punti, a sottolineare per esempio i gambi di pampini d'uva, o per creare i riflessi di luce sulla frutta. Il dipinto presentato in cornice in stile.

Il Suonatore di Organetto

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Traccia di una data, non leggibile. L'artista cuneese Ottavio Steffanini ebbe una vita in continuo movimento, divisa fra l'Italia, l'Europa, l'America (in particolare il Venezuela). Artista inquieto e imprevedibile, concentrò la sua pittura soprattutto sulle figure femminili, ritratte con placida sensualità ed un'opulenza influenzata dai maestri spagnoli con cui studiò. Ma nella sua produzione non mancano altri soggetti, accomunati da una incessante esaltazione della vita, della natura. Qui è proposta invece una figura maschile, un ritratto a mezzo busto di un suonatore di organetto, dignitoso e fiero nella posa e nello sguardo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Figura in Riposo 1969

Biro su carta. Firmato in basso a destra. Corredato di autentica su foto dell' Archivio Mario Tozzi. Nell'ampia produzione del maestro Tozzi si trovano molti disegni, come questo qui presentato, eseguiti con tecniche diverse (inchiostro, pastello, matita, sanguigna), dedicati alla figura umana: nel suo stile asciutto e stilizzato, Mario Tozzi tratteggia figurine stilizzate, raffinate nella loro geometria silenziosa e discreta, favorita dall'assenza del colore, che fa risaltare le forme sulla carta bianca Anche nella produzione pittorica i soggetti preferiti di Mario Tozzi sono, classicamente, le figure e le nature morte, ma sia le figure che le nature morte sono un insieme di elementi geometrici solidi, la sfera, il cilindro, il cono, etc. I corpi sono elementari, essenziali nelle linee e nei particolari, possenti, statuari, composti da solidi appena modellati, mentre le nature morte sono una celebrazione della geometria euclidea come le brocche, le ciotole, i fiaschi che sono paradigmi di volumetria e di rigore geometrico. Le composizioni di Mario Tozzi risentono del Cubismo per certi tagli, della Metafisica per certi inserimenti architettonici e dell'Astrattismo per l'inserimento di figure geometriche. L' opera è presentata in cornice.

Tecnica mista su tela. La grande scena, dipinta nell' unica gamma del rosso-rosa, vede sulla destra due grandi figure, mentre tutta la parte sinistra è occupata da un paesaggio desertico, con le onde delle dune che si perdono in lontananza. Le due figure rappresentano un cavaliere seduto, con turbante ed abito saraceno, rifocillato da una fanciulla in abiti occidentali, che gli sta porgendo un vassoio carico di cibo, mentre sul piano d'appoggio sottostante si trovano un bacile d'acqua, spighe di grano e frutti vari. Potrebbe trattarsi di una tra le tante rappresentazioni della vicenda di Angelica e Medoro, raccontata dall' Ariosto nell' Orlando Furioso, che dice l'amore tra la fanciulla cristiana e il fante saraceno rimasto ferito in uno scontro, che fuggirono poi insieme nel Catai, scatenando così la pazzia di Orlando. L'opera è presentata in cornice.

In Brianza

Olio su tela. In basso a sinistra è presente monogramma DB. Al retro il titolo e un timbro di Galleria. Lo scorcio di campagna brianzola, ancora pianeggiante, vede un pastore che lascia pascolare le sue mucche nei prati subito fuori del paese, in prossimità della strada sterrata fiancheggiata dai pali della luce; svettano verticali, pressochè paralleli, due tronchi nudi es ottili, che ripartiscono la scena in tre inquadrature. L'opera è presentata in cornice coeva.