Santa Maria Egiziaca

Olio su tela. XVIII -XIX secolo. Il tema di carattere sacro assume in questa scena una connotazione familiare, piena di tenerezza e intimità davvero molto terrene: in un contesto quasi esotico, che evoca un'oasi nel deserto per le palme e la polla d'acqua in un paesaggio collinare brullo e spoglio, Giuseppe e Maria siedono a riposare durante la loro fuga verso l'Egitto, per sfuggire alla persecuzione di Erode; la madre tiene teneramente sulle ginocchia il piccolo Gesù, lo guarda teneramente e lo fascia, mentre Giuseppe li osserva compiaciuto e rilassato. Tutta la scena è connotata dalla dominanza dei colori marrone-ocra, da cui si discosta solo l'abito di Maria, nei suoi tradizionali colori blu e rosso; sullo sfondo, un cielo terso nei colori di un'alba appena spuntata, con sfumature rosate. La tela è stata applicata su nuovo telaio di metà '900 e posta in cornice dello stesso periodo., che presenta mancanze.

Olio su tela. Scuola spagnola del XVII-XVIII secolo. Ritratto di un personaggio che tiene in mano una lettera, mentre sul tavolino alle sue spalle è appoggiata la busta, riportante il nome (espediente ricorrente nella ritrattistica per far conoscere l'identità del ritratto), insieme ad un indirizzo e una data, purtroppo non decifrabili. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. La scena rimanda al mito di Amore e Psiche, i due protagonisti di una nota storia narrata da Apuleio all'interno della sua opera Le Metamorfosi. Psiche, mortale dalla bellezza eguale a Venere, diventa sposa di Amore-Cupido senza tuttavia sapere chi sia il marito, che le si presenta solo nell'oscurità della notte. Scoperta su istigazione delle invidiose sorelle la sua identità, è costretta, prima di poter ricongiungersi al suo divino consorte, a effettuare una serie di prove, al termine delle quali otterrà l'immortalità. Il mito è stato soggetto ampiamente riproposto nei secoli, sia nella pittura che nell'arte scultorea, basta ricordare il celeberrimo gruppo scultoreo del Canova. In questo dipinto, i due amanti si dilettano dei loro giochi amorosi in una macchia di verde ornata di fontana e pavoncella, in compagnia di due amorini che giocano; sulla destra si intravvede, nascosto, un fauno che spia la coppia. La tela, già ritelata, presenta un buco al centro, in corrispondenza del braccio di Psiche, un lieve strappo in alto a sinistra e piccole cadute di colore. E' presentato in cornice dell'800, adattata.

Olio su tela. Cruenta scena che rappresenta il momento in cui un puma femmina assale due cani da guardia, che seppure sciolti dalla catena, soccombono all'attacco improvviso. Già restaurato e ritelato, necessita di pulizia. Presentato in cornice dorata in stile.

Olio su tela. Scuola veneta. La scena, ambientata in un territorio desertico a ridosso di montagne innevate, vede una carovana in viaggio, con al centro una importante figura femminile in groppa ad un cammello, che si rivolge ad un servitore più in basso; si desume l'elevato ceto sociale della donna, dominante su tutti gli altri, e si ipotizza la raffigurazione della Regina di Saba, la ricchissima regina biblica proveniente dall'Oriente per incontrare il re Salomone. Le modalità pittoriche richiamano la produzione di Francesco Fontebasso (1707-1769) uno dei principali esponenti della pittura veneta del periodo rococò. Probabilmente la piccola opera era un bozzetto per tela o affresco più grande. Al retro è presente un'etichetta di provenienza dalla storica collezione Simonetti di Roma. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. Rica composizione con bacile pieno di fiori variegati, fruttiera con pesche, una zucca tagliata e un cardellino che becchetta chicchi dal grappolo di uva poggiato sul tavolo. Fa parte di quella vasta produzione di nature morte composite che nel XVIII secolo, privata di ogni significato allegorico o simbolico, era volta prettamente ad uno scopo decorativo; riprendeva oggetti inanimati multipli, compositi, vivaci, spesso affiancati da un elemento vivente, un animaletto come il cardellino di quest'opera, che manteneva il legame con la vita e la quotidianità. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola italiana, XVII secolo. La gentildonna, vestita di nero, posa vicino ad una colonnina sulla quale è posato un medaglione con uno stemma e su cui è incisa l'età della donna, 60 anni. Al retro della seconda tela, in fase di restauro, è stato stampigliato il nome della donna. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica, non coeva.

Olio su tela. Su un sentiero di campagna è descritta una scena di seduzione: una giovane donna in piedi accenna a mostrare il proprio corpo all'uomo seduto a riposare con la compagna; mentre lui distoglie lo sguardo, la moglie fissa accorata la giovane meretrice, trattenendo il compagno per la mano. Sul sentiero spuntano altri viandanti. Forse di significato allegorico, il dipinto sottolinea il contrasto tra la freschezza, la luminosità e l'ardore del giovane corpo femminile, la cui bellezza viene ostentata, e la forma mal definita, infagottata, quasi nascosta dei corpi dei due anziani. Sul retro del dipinto è riportata a matita un'ipotesi di attribuzione a Giuseppe Gambarini (1680-1725). Nonostante la dubbia attribuzione, il dipinto è ben realizzato nella qualità pittorica e nella resa del soggetto. Restaurato e ritelato, è presentato in cornice antica riadattata.

Olio su tela. Scuola italiana. Il paesaggio propone a sinistra un casolare ai margini di un bosco dalla ricca vegetazione, con figure di viandanti sul sentiero antistante; sulla destra la scena si apre sulla veduta di un lago in secondo piano, sormontato da monti azzurrini sfumati verso il cielo. Il dipinto, conforme allo stile paesaggistico del XVIII secolo, è stato precedentemente restaurato e ritelato. In condizioni discrete, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Provenienti da una collezione privata in cui erano riunite a pendant, le due composizioni sono in realtà differenti per manifattura e tecnica, oltre che per le dimensioni delle tele. La tela di dimensioni leggermente più grandi (71 x 91 cm), ad olio, propone due diversi cestini di vimini ricolmi d'uva bianca e rossa, contornati da altra frutta (pere e pesche) e con uno scoiattolino curioso che annusa l'aria; lo sfondo scuro è vuoto. La seconda tela (64 x 88 cm) è realizzata con la tecnica ad olio magro, che la rende molto vicina per effetto pittorico ad una tempera su tela; la composizione è fatta da fiori variegati e frutta (anguria, uva, pesche), ed è collocata in un ambiente esterno, seppur poco definito (le nuvole sulla sinistra). Entrambe le tele necessitano di pulizia; la prima presenta tracce di restauro precedente e ritelatura (rattoppo al retro), mentre la seconda, in prima tela molto lisa, presenta diffusissimi piccoli buchi e cadute di colore. Entrambe le opere sono presentate in cornici laccate bianche, seppur differenti per forma.

Olio su tela. Scuola italiana. La composizione presenta un insieme di frutta (anguria, pere, pesche e melograni) e verdura (una grande zucca e dei cavolfiori a sinistra) poggiati liberamente su un ripiano; a destra, probabilmente in piedi sulla scaletta del pollaio che si intuisce appena, spicca una fiera gallinella. La composizione, già ritelata e restaurata, necessita di pulizia e restauro per lievi cadute di colore. E' presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Il volto della Madonna richiama nel modo di rappresentazione i dipinti di Giovanni Battista Salvi detto il Sassoferrato (1609 -1685), il cui stile fu ampiamente ripreso nei secoli XVIII e XIX. Al retro del dipinto è presente un cartiglio con numero di inventario (N. 193) e il nome del collezionista Giuseppe Bertarelli (1804-1875), commerciante e filantropo milanese, noto panche per le donazioni di importanti opere d'arte alla Pinacoteca Ambrosiana. Il dipinto è in prima tela; necessita di restauro per piccole cadute di colore e due piccoli buchi. E' presentato in cornice coeva.